정희우展 / JEONGHEEWOO / 鄭希宇 / painting
2008_1104 ▶ 2008_1117
정희우_강남대로 321-353_장지에 수묵채색_137×165cm_2008
초대일시_2008_1105_수요일_06:00pm
관람시간 / 08:00am~10:00pm
GS타워 로비전시관 더 스트릿
GSTOWER LOBBY GALLERY THE STREET
서울 강남구 역삼동 GS타워 1층 로비갤러리
Tel. +82.2.2005.1177
www.gstower.co.kr
작가의 작업실은 강남대로에 있는 한 고충건물 9층에 자리 잡고 있었다. 공식적으로 작가들의 스튜디오로 마련된 건물들을 제외한다면 작업실이라는 게 특정한 형태를 띠고 있는 것은 아니다. 편의상 거주지와 가깝다거나 세가 저렴하다거나 하는 이유가 있을 것이고 따라서 그 형태는 상가건물에서부터, 원룸, 오피스텔, 일반 주택까지 매우 다양하다. 그렇다고는 해도 강남역 일대는 익히 들어왔듯이 영어학원, 쇼핑가, 극장과 음식점 등으로 번잡한 지역인지라 세도 비쌀 것이고 미술학도들이 모이는 대학가나 갤러리 등 문화시설이 운집된 지역도 아니어서 다소 의아해 하던 중 정희우 작가는 현재 그리고 있는 그림의 소재와 미래의 계획에 대해 이야기 해 주었다.
정희우_강남대로 287-424_장지에 수묵채색_137×660cm_2008
정희우_강남대로 287-318_장지에 수묵채색_137×165cm_2008
정희우_강남대로 355-388_장지에 수묵채색_137×165cm_2008
미디어 시대의 풍경화는? ● 작업실 벽에는 강남대로 주변을 나타내는 부동산 지도와 작가가 직접 찍은 사진들이 파노라마처럼 이어 붙어 있었다. 재미있었던 점은 작업실이 상대적으로 고층에 위치한지라 대부분의 사진들이 위에서 아래를 내려다 본 수직적 시점을 담고 있다는 것이다. 농담처럼 작가는 강남대로의 기록 작업이 끝나면 작업실을 옮겨 그것도 건물의 9층들만을 옮겨 다니며 새로운 시리즈의 작업을 하고 싶다는 이야기를 했다. 고층 건물들은 정면의 시점에서 그려지고 도로와 차, 사람들은 위에서 내려다 본 각도로 그려져 있었다. 특히 대로를 사이에 두고 마주 서 있는 건물들은 마치 물에 투영된 것처럼 화면 위아래로 펼쳐져 있었는데 문득 작가가 대학에서 동양화를 전공했고 이후 사진과 비디오를 이용한 설치작업들을 해왔다는 점, 특히 강 수면에 거울을 띄워놓고 수면에 반사된 이미지와 거울에 투영된 이미지를 함께 사진기로 기록했던 작업이 떠올랐다. 그렇다면 작가가 다시 인간의 눈을 통해 실제로 관찰되는 것과 또 다른 기계의 눈에 대해 이야기하려는 걸까? 도시화된 환경 속에서 사람들은 걷기보다는 차를 타고 이동하는 것에 익숙하다. 길을 나서기 전에 인터넷의 빠른 길찾기를 참조하거나 아예 자동차를 운전하며 모니터 속의 영상지도를 본다. 주변의 많은 사람들은 이 도구들 없이는 새로운 곳을 찾아 나설 생각을 좀처럼 하지 않으며, 대중교통 수단으로 이동할 때 역시 시스템화 된 많은 기호들을 보고 기억해야 한다. 현실적 풍경들이 기호들로 대체되고 공간은 입체적이거나 연속적인 것이 아닌 현시적이고 파편적인 것이 된다. 정희우의 신작 그림들을 통해 매체는 바뀌었으되 현대인들이 사물을 지각하는 방식에 대한 관심은 지속되고 있다는 느낌을 받았다. '객관적인 눈으로써 기능하는 카메라가 보여주는 것이 과연 우리가 보는 것에 대한 사실적 기록일까' 라는 기본적인 의문이 4년 전의 작업에서 정밀한 카메라의 시각을 통해서 저절로 드러났다면 이제 그러한 문제는 기계가 생산해 낸 기록물에서 벗어나 인간의 손으로 기록된 그림을 통해 전개되고 있다. 지금까지 새로운 기계의 발명은 인간의 사고방식에 지대한 변화를 주어왔고 지도 보기를 즐겨하던 작가가 미디어 시대의 디지털 지도를 풍경화의 소재로 삼고 있다는 점은 흥미로웠다. 과연 내가 기억하는 도시의 풍경은 어떤 것일까?
정희우_강남대로 390-424_장지에 수묵채색_137×165cm_2008
정희우_강남대로 355-388_장지에 수묵채색_137×165cm_2008_부분
아주 객관적이지도 또 아주 주관적이지도 않은 어떤 풍경 ● 우선 화면에 배치되는 사물의 크기는 '산은 크게, 나무는 산보다 작고, 사람은 나무보다 작게 그린다' 라고 하는 동양화의 기본 화법을 따르고 있다. 일단은 보이는 대로 그린다는 작가의 태도에서 과거의 역사적 기록화를 떠올릴 수 있었다. 그리고 건물, 나무, 사람들은 인위적인 투시원근법을 무시한 채 다각적인 시점의 변화를 보여준다. 풍경 속에 등장하는 인물군상들은 작고 단순하게 묘사되지만 놀랍게도 색과 동세에 의해 개별적 특성-성별이나, 직업, 취향-등을 보여주기도 한다. 대부분이 검은 양복을 입은 직장인들인데 군상 속 인물들이 지도 속의 아이콘처럼 단순화되고 유형화 되면서 위에서 내려다 본 시점에 의해 마치 전지전능한 누군가가 세상을 바라보는 것 같은 느낌을 주기도 한다. 동양화의 산처럼 그려진 현대식 고층건물들과 폭포수처럼 화면을 가로지르는 도로를 통해 과거의 풍경 산수화가 강남대로변의 빌딩 숲으로 대체되었다. 특히 고층건물들은 나무보다 예쁘고 섬세하게 그려져 있다. 차를 타고 이동하며 속도감 있게 변화하는 도시 풍경, 그리고 도로 사인들이 만들어 내는 패턴과 영상 지도를 보며 이동하는 우리세대가 기억하는 풍경은 현실과 병렬적인 어떤 다른 것일 수도 있다. 작가의 말처럼 그 풍경은 이미지와 기호, 풍경화와 지도 사이의 어떤 것은 아닐지... ■ 김혜란
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Solist
김성수展 / KIMSUNGSOO / 金成洙 / painting
2008_1105 ▶ 2008_1207 / 월요일 휴관
김성수_metallica_캔버스에 유채_180×180cm_2008
● 위 이미지를 클릭하면 Vol.080423e | 김성수展으로 갑니다.
초대일시_2008_1105_수요일_06:00pm
갤러리 스케이프 기획展
관람시간 / 화~금요일_10:00am∼07:00pm / 토~일요일_10:00am∼06:00pm
갤러리 스케이프_GALLERY skape
서울 종로구 가회동 72-1번지
Tel. +82.2.747.4675
www.skape.co.kr
그리드로 반복 재생되는 욕망 ● 현대의 도시 풍경은 거리를 장식한 형형색색의 네온, 하늘을 에워쌓는 초고층 건물, 매스미디어의 자극적인 이미지로 인간의 욕망을 자극하며 시선을 압도한다. 밤을 화려하게 밝히던 네온사인 빛이 아침이면 사라져버리듯 욕망의 이면에는 부재와 결핍이 자리한다. 불빛을 향해 돌진하는 하루살이처럼 현대인의 욕망은 인공의 빛 속에서 생성되고, 소멸되고를 반복하는 중이다. 김성수는 이러한 물질문명 속에서의 현상과 그 이면을 가시화하는 작업을 해오고 있다. 이번의 개인전『Solist』展에서는 건물과 인물 작업의 병치를 통해 오늘날의 사회가 안고 있는 과잉과 소외의 간극에 접근한다.
김성수_metallica_캔버스에 유채_162×130cm_2008
「메탈리카metallica」연작은 루브르 박물관의 유리 피라미드를 모티브로 하고 있다.「메탈리카」는 콘크리트 건물의 창문을 조합한「파사드facade」(2001)를 시초로 초고층 빌딩의 네온 풍경인「네온 시티neon City」(2006)와 철골 건축의 단면인「메탈리카metallica」(2007)가 유리 피라미드의 구조로 진척된 것이다. 고대 문명의 완벽한 이상향, 이데아로의 열망이 담긴 피라미드로부터 형상화된 유리 피라미드는 산업문명의 상징이었던 철골과 자본주의가 만나 하이테크 건축으로 실현된 것이다. 일찍이 발터 벤야민은 산업사회의 철제 건축으로부터 유토피아적 희망이 새로운 테크놀로지를 통해 역사적 복원의 형식을 띈다는 경험적 사실을 발견했다. 이에 비추어 봤을 때, 유리 피라미드는 유리와 철골 골조로 가득 채워진 대도시의 환상이 이상적 문명인 고대 피라미드의 부활을 통해 신유토피아로 향하는 역사적 연결고리를 지닌다. 작가가「메탈리카」에서 취하고 있는 유리 피라미드 구조는 집단의 소망이 자본주의 체계로 거대화된 상징적 형태라 할 수 있다.
김성수_metallica_캔버스에 유채_162×130cm_2008
유리 피라미드의 강철 프래임 구조는「메탈리카」에서 투시화된 격자형 단면으로 등장한다. 철골 건축에 있어서 프래임 구조는 그리드(grid)를 기반으로 하고 있는데, 이는 건축물의 창문에서 볼 수 있는 격자 구조로부터 기인한 것이다.「메탈리카」에서 프래임 사이의 반복되는 유리면인 창들은 인공적이고 강렬한 색채로 균일하게 매워져 있다. 김성수가 구현한 유리창은 내부를 투영할 수도 외부를 바라볼 수도 없는, 다시 말해 어떠한 사물의 깊이도 가늠할 수 없는 상태를 표상한다. 대도시 건축이 철골 유리 구조를 통해서 내세우는 세계를 향한 개방성과 투명성은 작가의 화면에서 좌절된다. 여기서부터 김성수의 내러티브는 구체화된다. 창을 통해 어디로도 투과할 수 없는 시선은 반복되는 그리드 구조의 표면에 머무른다. 즉, 시선이 화면 자체에 봉인되어 버리는 것이다. 이는 현대 사회의 표면화된 욕망의 실체로, 내면과 외면의 불일치, 분열, 괴리를 암시한다.「메탈리카」는 그리드 구조가 내포한 대도시의 욕망을 어떠한 깊이도 없이 평면적으로 반복되는 배열로 확장하며, 그러한 그물망 속에서 환상을 지속하는 현대 사회의 일면을 보여준다.
김성수_melancholy_캔버스에 유채_130×194cm_2008
물질문명을 향한 과도한 욕망은「메탈리카」의 표면에 머물며 대도시의 풍경처럼 시각적인 충격과 자극을 준다. 김성수는 인물 연작인「멜랑콜리melancholy」를 통해 이러한 현상의 이면에 접근한다. 커다란 화폭 속에 덩그러니 홀로 놓인 인물의 시선은 허공을 향하고 있으며, 어디를 바라보는지 알 수 없다. 매끈한 피부 결은 그 자체로 충만한 물질성을 보여주지만 상처 나기 쉬워 보이며 닿을 수 없는 경계로 다가온다.「멜랑콜리」에서의 인물이 환기시키는 것은「메탈리카」의 스펙타클과 화려함 뒤에 가려진 현대인의 공허하고, 괴리된 심상이다.「멜랑콜리」연작을 좀 더 살펴보면, 인물이 입고 있는 옷의 패턴이 줄무늬임을 발견할 수 있다. 흥미롭게도 반복되는 줄무늬 패턴은 앞서서 살펴 본 그리드 구조와 연관성을 가진다.「메탈리카」에서 그리드 구조가 현대 사회를 현상적으로 접근하고 있다면,「멜랑콜리」에서의 그리드는 현상의 이면에 자리하는 외상을 반복하는 구조로서 드러난다. 줄무늬 패턴은 인물의 표정이 환기하는 정신적 부재, 공허, 소외의 상태를 멜랑콜리하게 반복 재생하며, 개인에게 무력하게 내면화된 심리적 증후군을 이야기한다.
김성수_melancholy_캔버스에 유채_194×130cm_2008
김성수_melancholy_캔버스에 유채_145×112cm_2008
철골 유리 피라미드의 프래임 구조는 자본주의 특유의 인공성과 유토피아의 표면성을 극적으로 보여주며, 이와 대비적으로 화려하고 선명한 색채에도 불구하고 공허한 심상의 인물은 현상으로부터 분열된 실재와 외상적인 현실을 표면화한다. 이로부터 김성수의 회화가 환기하고자 하는 것은 거대 문명 속에서 소외되어가는 개인의 주체성이다. 이는 동시대성으로부터의 요구나 억압의 표출 그리고 이면의 폭로에서 더 나아간 것으로 근본적인 인간성, 즉 휴머니티의 회복과 관계된다. ■ 심소미
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강석호展 / KANGSEOKHO / 姜錫昊 / painting
2008_1106 ▶ 2008_1123 / 월요일 휴관
강석호_무제_캔버스에 유채_103×97cm_2008
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.060521a | 강석호展
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초대일시_2008_1106_목요일_05:00pm
관람시간 / 11:00am~06:00pm / 월요일 휴관
브레인 팩토리_BRAIN FACTORY
서울 종로구 통의동 1-6번지
Tel. +82.2.725.9520
www.brainfactory.org
요즘엔 좀처럼 ‘화가’라는 말을 쓰지 않지만, 나는 이 말이 풍기는 예스러운 느낌과 전문인다운 고집스러움을 좋아한다. 강석호는 내가 아는 사람 중 ‘작가’보다 ‘화가’라는 말이 더 어울리는 몇 안 되는 사람 중 하나이다. ‘그림 그리는 이’라는 본연의 목적에 집중되어 있는 태도에서 나오는 깊이, 군더더기 없는 간결함이 강석호의 작업이 주는 인상이다. 오랜 시간에 걸쳐 이루어진 유화 작업의 꼼꼼한 밀도에도 불구하고 작업 전반에 흐르는 특유의 선선하고 시원한 미감은 그림 보는 즐거움을 환기시킨다. 그 조형적 균형점을 미묘하고 적절하게 포착하는 것이 그가 채택한 회화적 과제로 보인다. ● 강석호는 인물을 주된 모티프로 하면서 이를 회화 안에 끌어들이는 방식을 매번 달리 해왔다. 인물의 뒷모습 중 둔부의 의복 실루엣을 클로즈업한 작업들에서부터 60여점에 이르는 뒷짐 진 남자 모습의 반복 작업에 이르기까지, 의복 입은 인물에 대한 그의 관심은 일정한 듯하면서도 특수한 하나의 지점에 집중되는 일련의 변화과정을 보여준다. 최근의 작업들에서 눈에 띄는 것은 색채가 흑백으로 변화되었다는 점, 그리고 인물의 뒷모습이 아닌 앞모습을 모티프로 하고 있다는 점이다. ● 이 새로운 연작들은 TV의 100분 토론이나 시사주간지 등에서 발췌한 인물들의 상반신 일부를 트리밍하여 활용한 것이다. 여기에서 그림의 핵심적 내용이 되는 것은 정치인들과 같은 공적 인물들의 제스처이다. 각 인물들은 자신의 정치적, 사회적 포지션을 과장하여 드러내는 특유의 웅변적이고 서사적인 손동작을 취하곤 한다. 강석호의 작업에서 흑백의 간결한 구성을 통해 부각된 인물들의 손과 입 모양에는 사회적 관계 속에서 이들이 취하고 있는 몸짓의 언어적 기능이 드러나고 있다. 이러한 제스처는 각자가 입고 있는 복장과 함께 인물에 대한 내러티브를 함축적으로 전하는 동시에, 회화 프레임 속에서 주요한 미적 장치가 된다. ● 인물에 대한 직접적이고 구체적인 정보가 삭제되어 있음에도 불구하고 이 작업들은 초상화처럼 보인다. 인물들이 의식적, 무의식적으로 구현하고 있는 독특한 몸짓 하나에 각자의 타고난 성격과 타인을 향한 태도, 그들이 확보하고 있는 제도적 영역, 구축해나가고자 하는 사회적 포지션이 투영되어 있기 때문이다. 대중매체에 등장하는 정치인들이 자신의 역할을 청중들에게 부각시키기 위해 연출하는 제스처는 일정하게 유형화되어 있다. 그 유형들을 주의 깊게 본 사람이라면 이 얼굴 없는 초상화의 주인공들이 누구인지 대략 짐작할 수 있을 것이다. ● 영화배우와 정치인, 운동선수는 각기 상이한 몸짓 언어를 구현한다. 그들이 전하고자 하는 대외적 이미지는 순간의 포즈에 함축되고, 그것이 회화의 한 장면으로 전이될 때 각기 다른 시각적 분위기를 만들어낸다. 브레인 팩토리의 이번 전시는 한 명의 인물이 하나의 무대 위에 서듯 하루에 한 점씩만 걸리는 간소한 설치 방식을 취한다. 하나의 제스처가 한 점의 회화가 되고 하나의 전시를 만드는 것이다. 전시 기간 중 작품이 매일 교체되므로, 18일 동안 매일 전시장을 방문해야만 전체 작품 모두를 감상할 수 있다. 한 인물의 단일한 제스처에 집중되는 그림의 내용은 다른 작업들과의 유기적 관계를 배제한 단일 장면의 전시 방식에 의해 보다 간명하게 전달될 것이다. ■ 이은주
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Transmissions
AVPD展 / mixed media
2008_1107 ▶ 2008_1231
AVPD展_2008
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.060825b | 덴마크 아티스트 그룹 AVPD展 으로 갑니다.
초대일시_2008_1107_금요일_06:00pm
Aslak Vibaek(AV)_Peter Dossing(PD)
www.avpd.net
작가와의 대화_2008_1107_금요일_04:30pm
후원_덴마크 대사관_덴마크 예술위원회_두보이노텍
관람시간 / 11:00am∼07:00pm
쌈지스페이스_SSAMZIE SPACE
서울 마포구 창전동 5-129번지
Tel. +82.3142.1693~5
www.ssamziespace.com
쌈지스페이스에서는 동시대 유럽미술의 흐름을 조망하는 전시로 덴마크 작가그룹 AVPD를 초청하여 『TRANSMISSIONS』
展을 개최합니다. AVPD는 Aslak Vibaek (AV)과 Peter Dossing (PD)으로 구성된 그룹으로 디자인적 요소를 적극 개입시키는 스칸디나비아 지역 현대미술의 특징을 보여 주는 작가그룹입니다. 이들은 가상과 실재의 차이를 비교할 수 있는 공간을 매혹적으로 구축함으로써 휴머니즘을 고민해 오고 있습니다. 이번『Transmissions』展에는 방문객의 시간과 공감각적 인식을 혼란스럽게 만드는 건축과 멀티미디어, 디자인이 접목된 5개의 설치작업들로 구성됩니다.
AVPD展_2008
이번 전시에서 보여지는 작업들은 보는활동/ 주체, 보여지는/대상 그리고 빛/시간이라는 세 개의 주제아래 「Gate」,「Staircase」,「Displacement」, 「GMT+1hr」 그리고 영상을 이용한 「Double Sight」 작품을 선보입니다. 이 작업들은 쌈지스페이스 건물 전체의 구조를 탈바꿈하여 인간이 주변의 환경 여건에 따라 다르게 인식하는 주관적 시공간을 경험하게 합니다. 이번 설치 작업은 AVPD의 건축과 디자인이 크로스 오버하는 총체적인 예술세계를 감상 하는 시간이 될 것입니다.
● 건물 안 1층 갤러리에는 보는활동 / 주체를 다루는「Double Sight」작업이 설치됩니다. 갤러리에 들어서면 관객은 전면이 유리로 된 창을 통해 내다보이는 전시장 밖의 이미지와 그 맞은편 벽면에는 관객이 주차장을 지나 갤러리에 들어서던 30초 이전의 과거 이미지가 동영상으로 보여지는 공간을 체험하게 됩니다. 관객은 30초 전의 외부에 있던 자신과 전시장에 있는 자신 또 전시장 외부의 또 다른 모습을 동시에 봄으로써 공간을 인식하는 주체로서의 내가 위치하는 시간과 공간 인식에 혼란을 야기합니다.
● 건물의 계단으로 들어서면 관객을 맞는 작업은 「Staircase」 입니다. 이 작업은 각 층의 계단참 사방에 문을 설치하여 일종의 작은 방으로 탈바꿈시키고, 관객은 이곳의 문을 직접 열어 보며 다른 갤러리들로 들어갈 수 있도록 한 작업입니다. 1층에서 4층까지 새롭게 만들어진 이 조그만 계단참 공간은 동일한 사이즈와 색상으로 만들어져 있기 때문에 내가 방금 어느 층을 지나왔는지 혼동이 되는 일종의 미로에 들어온 것 같은 느낌을 관객은 받게 되며, 각자의 공간지각능력을 시험하게 합니다.
● 2층 갤러리에는 보여지는/대상을 다룬「Displacement」가 설치됩니다. 주변의 환경이 공간 인식에 얼마만큼 영향을 주는지 생각하게 하는 전시입니다. 이 작업은 좁고 긴 통로를 통하여 벽면 끝에 걸린 전면거울을 바라보는 작업입니다. 멀리서는 보통의 거울로 보이나 가까이 다가서면 거울이 빠르고 작게 진동하여 자신의 모습이 온전하게 비치지 않는 것을 발견하게 됩니다. 관객은 길고 좁은 통로가 진동하는지 아니면 거울이 진동하는지 알 수 없습니다.
● 3층의 마지막 갤러리에는 빛/시간을 다룬 「GMT + 1hr」이 전시 됩니다. 빛의 조도에 따라 야기되는 시간적 인식을 실험하는 작업이며, 이 전시장은 조형물이 없이 밝기의 변화만 감지 할 수 있는 공간입니다. 이 공간 안의 조도는 덴마크 코펜하겐의 조도를 그대로 서울 전시장에 전달, 재현한 것이므로 낮에는 어둡고, 저녁에는 밝아지는 전시장을 보게 됩니다. 즉 관람객은 현재와 다른 시공간을 경험하는 것입니다. ■ 쌈지스페이스
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浮遊하는 夢遊金剛
임진성展 / YIMJINSEONG / 任眞聖 / painting
2008_1105 ▶ 2008_1114
임진성_부유하는 몽유금강-폭
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.080626h | 임진성展으로 갑니다.
별도의 초대일시가 없습니다.
부유하는 몽유금강展
관람시간 / 10:00am~07:00pm
갤러리 갈라_GALLERY GALA
서울 종로구 낙원동 283-35번지
Tel. +82.2.725.4250
blog.naver.com/joychamm
금분산수는 주로 그가 사용했던 지두기법에서 탈피해서 이번 주제를 위해 그가 택한 기법으로 검은 먹으로 그려진 풍경(?) 위에 화려한 금분으로 세밀하게 그려진다. 그 형상은 마치 심해나 짙은 어둠 혹은 먹구름 위에 산수가 떠있는 듯한 기이한 인상을 준다. 제목 역시 「부유하는 금강」인데 그렇다면 금강산은 과연 어디를 떠다니고 있는 것일까. 피폐한 북한을 경험하고 온 작가에게 관광특구가 되어버린 지금 금강산의 모습은 그동안 지켜왔던 민족의 영산이라는 타이틀을 내버린 채 한껏 화려하게 치장된 관광지, 즉 생명없는 박제(剝製) 그 이상도 이하도 아니었다. 그동안 지켜왔던 영예에 걸맞지 않는 모습으로, 북한에 존재하나 북한인들의 삶과는 동떨어져있다. 이상과 현실 사이에서 부유하고 있는 것이다. ■ 성윤진
임진성_부유하는 몽유금강-달
임진성_부유하는 몽유금강-꽃
임진성_부유하는 몽유금강-꽃2
임진성_부유하는 몽유금강-울림
임진성_부유하는 몽유금강-꽃3
임진성_금강꽃
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모두가 외롭다
양은주展 / YANGEUNJOO / 梁銀株 / painting
2008_1108 ▶ 2008_1126 / 월요일 휴관
양은주_기낙경_캔버스에 유화, 아크릴채색_162.2×112.2cm_2007
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.051118b | 양은주 개인展으로 갑니다.
초대일시_2008_1108_토요일_03:00pm
아트팩토리 기획초대展
모두가 외롭다_All the Lonely People
관람시간 / 11:00am~06:00pm / 월요일 휴관
아트팩토리_ART FACTORY
경기도 파주시 탄현면 법흥리 헤이리 134번지
Tel. +82.31.957.1054
www.artfactory4u.com
이상하다. 세상은 좋아지는 것 같은데 살기는 점점 어려워진다. 사람들의 표정이 이렇게 어두운 시기가 있었을까. 지하철을 탈 때마다 새삼 놀라곤 한다. 연출되지 않은 모델들의 표정이 하나같이 어둡다는 것을 발견한 것은 세 번째 그림이 끝나갈 무렵이었다. 대도시의 삶은 외관상 화려해 보이지만 그 구성원들의 외로움과 노동 강도, 미래에 대한 경제적,육체적 불안은 요즘이 최고의 시기가 아닐까. 이번 전시에서 나는 서른살 전후인 내 또래 사람들의 초상화를 통해 21세기 초 서울의 분위기를 재인식하는 계기를 만들어보려고 했다.
양은주_이응일-자취방에서_캔버스에 유화, 아크릴채색_53×72.7cm_2006
양은주_이응일_캔버스에 유화, 아크릴채색_130.3×97_2007
초상화에 대한 관심은 오래된 것이었다. 8년 전 루브르 미술관에서 파이윰 초상화(Fayoum Portrait)를 처음 보았을 때 받은 감동을 아직도 기억하고 있다. 초상화는 기본적으로 두 사람에 대한 정보를 담고 있는데, 그려진 모델과 그 그림을 그린 화가에 대한 정보가 그것이다. 이 둘 모두가 2000년이 지난 지금까지 생생하게 나무판에 담겨져 있었다. 나는 그 시절의 사람들이 지금의 나와 생김새에서 그리고 시각정보의 판단방식에서 유사함에 놀라면서, 통시적인 공감각을 느꼈었다.
양은주_유현경-자취방에서_캔버스에 유화, 아크릴채색_116.7×91cm_2008
양은주_양은혜-신혼집에서_캔버스에 유화, 아크릴채색_116.7×91cm_2008
그리고 다음해에 렘브란트의 자화상을 처음 보았다. 정면을 바라보는 그의 그림을 천천히 바라보면서 나는 그 시절 그의 복잡한 심경이 그대로 전해지는 듯한 느낌을 받았었다. 그것은 몇 백 년이라는 시간을 뛰어넘은 현현이었다. 이 현현은 파이윰 초상화보다 더 직접적으로 느껴졌는데, 이 그림이 일루젼에 더 신경을 쓴 그림이기도 했고 자화상이기 때문이기도 했을 것이다. 자화상의 특징은 그림을 그릴 때 집중하는 표정이, 그런 표정 속에서 고민하고 결정된 판단방식으로 그려져서 공명을 이룬다는 것인데, 이로써 우리는 화가라는 사람을 외적,지적 측면에서 복합적으로 알 수 있게 된다. 더군다나 눈 앞의 그림에 묻어있는 이 물감이 렘브란트가 자신의 팔레트에서 직접 찍어다 바른 몇 백 년 전의 그것이라면, 이또한 위의 직접성에 힘을 실어주고 있었다. 즉 이 그림에는 렘브란트의 외모와 지성과 물성이 모두 담겨져 있었다.
양은주_작업실에서_캔버스에 유화, 아크릴채색_116.7×91_2008
양은주_안건형_캔버스에 유화, 아크릴채색_91.0×72.7_2008
나는 이러한 그림들이 그 사람과 그 사람을 품었던 시대를 함유하는 소중한 유산이라고 생각한다. 그리고 이번 전시의 작품들도 같은 입장에서 그려졌다. 작업의 햇수가 몇 십 년을 넘어갈 때쯤 나의 그림들도 그러한 역할을 하길 기대한다. 사람은 흘러가도 그림은 남아서 이 시기를 증명할 것이다. ■ 양은주
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공격하는 용기
안경수_이진주_조종성展
2008_1105 ▶ 2008_1205
이진주_기억의 방법_천에
채색_150×200cm_2008
초대일시_2008_1105_수요일_05:00pm대안공간 충정각 12번째
기획전
기획_이은화
관람시간 / 10:00am~07:00pm
대안공간 충정각
ALTERNATIVE SPACE CHENGJEONGGAK
서울 서대문구 충정로3가
360-22번지
Tel. +82.2.363.2093
www.chungjeonggak.com
용기는 가장 훌륭한 살해자다. 공격하는 용기 그것은 죽음까지도 살해한다. 왜냐하면 용기는 “그게 삶이던가. 그럼 좋다.
다시한번..!” 이렇게 외치기 때문이다. (니체, 『차라투스라는 이렇게 말했다 』)
『공격하는 용기』展은 젊은 한국화
작가 3명의 전시이다. 공격하는 용기? 그럼 이 세 작가는 무언가를 향해 공격을 행하고 있단 말인가? 그렇다면 그들이 겨냥하는 목표는 무엇인가?
누군가를 향해 또는 어떠한 이념을 향해 죽음을 무릅쓰고 무기와 함께 뛰어드는 용기를 말하는 것인가? 아니다. 여기서 공격의 목표물은 작가 자신이
되고 공격의 결과는 그들만의 화면을 통해서 드러나게 된다. 자신을 공격하는 용기를 지닌 사람은 정채 된 시각과 관념에 자신을 머물게 하지
않는다. 그들의 시선은 새로운 경험을 향해 열려 있고 자신으로 하여금 끊임없이 도전하게 한다. ● 한국화를 전공한 안경수 이진주 조종성의 정지된
화면 속에는 요즘 유행한다는 키치와 트렌드는 존재하지 않는다. 그렇다고 현란한 컬러와 테크닉으로 관객을 눈을 현혹시키지도 않는다. 어찌보면
심심하다는 표현이 어울릴지도 모르는 정적인 화면 속에서 벌어지는 일련의 사건들은 우리들의 관습화된 시각과 생각을 벗어난다. 끊임없는 연구과
상상력, 그리고 작품에 대한 진지함으로 무장한 한국화3인은 세상을 향한 조용한 공격이 시작된다.
안경수_언덕
너머_장지에 아크릴, 분채, 동양화 물감_130×162cm_2008
안경수_soldier_장지에
혼합재료_40×40cm×3_2008
안경수의 화면은 무장한 군인들에게 점거당했다. 무더기로 던져진 장난감 군인이
만들어낸 공격적인 풍경은 흡사 실제 전쟁 상황을 떠올리게 하는 정막과 긴장감이 흐른다. 그들의 총구는 허무를 향하고 아군인지 적군인지 모를
전사자들이 나뒹구는 풍경은 흡사 잡히지 않는 꿈을 위해 누구든 밟고 올라서는 현대인의 모습과 같다. 여기서 작가는 실제 장난감 군사을 조작하는
이야기의 주체자로서 정복자가 되고 화면속의 군사들은 저항의 기회가 주어지지 않는다. 화가의 손을 통한 우연한 조작만이 극적인 장면을 탄생시킨다.
현 사회를 향한 작가의 비웃음 일지도 모르겠다.
이진주_Doggybag_천에
채색_40×50cm_2008
꿈과 경험과 일상들에 대한 은밀한 상상으로부터
출발한 나의 작업은 상처받은 일종의 소외된 사건과 그로 인한 고통과 슬픔 같은 끈질기게 남겨진 부정적인 감성을 이야기 한다.
(이진주) ● 일상의 사적인 상상력을 담는 이진주의 작업은 주변의 작은 흔적들의 나열로 시작된다. 웃옷을 벗은 채 아랫도리의 속옷과
스타킹만을 입고 등장하는 조용한 여인은 모든 상처받은 것들을 대변한다. 그녀의 입은 항상 무언가를 이야기 하는 듯 하나, 그 목소리는 허공에
흩어질 뿐이다. 그녀가 존재하는 통제 가능한 공간만이 그녀를 불안에서 벗어나게 할 뿐이다. 그녀의 감수성을 읽을 수 있는 세밀하고 고운 터치는
정적인 화면 속에 보여지는 외로움과 불안함을 극대화 시키는 도구가 되기도 하고 또는 그 것을 털어버리는 통로가 되기도 한다.
조종성_이동시점으로 본
집_건축모형지_가변설치_2008
조종성_이동시점으로 본 풍경_장지에
먹_100×100cm_2008
조종성은 자연을 삶의 터로 가져다 놓는다. 깊은 산중의 신선이라도 되려는건가?
작가의 집에 머무르는가 싶던 그의 눈은 어느새 풍경의 한 시점에서 밖으로 나와 흘러가듯 이곳저곳을 훑어 내려가며 화면에 풀어놓는다. 화가의
집속으로 들어온 풍경은 신기루와도 같이 광활하며 끝이 없어 보인다. 이는 서양화가의 2차원적 시점에서 벗어나 내면의 시점으로 풍경을 바라보는
동양적 시점에 주목하고 있는 것으로 조종성은 이를 입체에도 적용하고 있다. 건축모형지로 만들어진 뒤틀어진 집의 형상들은 사물을 여러 방향의
시점을 한곳에 모아놓은 것인데 이는 서양의 1점 투시도법을 완전히 뒤집고 있으며 모든 현상을 새로운 시점으로 바라보게 한다. ■
이은화
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유럽페인팅
프랑스 현대미술작가 7인의 특별展
2008_1111 ▶ 2008_1221 / 월요일 휴관
차미조_CHAMIZO_To be or not to
be_캔버스에 아크릴채색_100×81cm_2008
초대일시_2008_1111_화요일_06:30pmEurope Painting :
France Contemporary Art Now
참여작가
니콜라 모로(Nicolas
MOREAU)_딩키(DEINKI)
미리얌 바우딩(Myriam Baudin)_발더(BALDER)
오렐리 드 라 카디르(Aurelie
de la cadiere)
장파로 (JEAN PARRAUD)_차미조(CHAMIZO)
관람시간 /
화~일요일_11:00am~07:30pm / 월요일 휴관
갤러리PC-프라이빗컬렉션
GALLERY PC-THE PRIVATE COLLECTION
서울 강남구 삼성동 159번지 코엑스
도심공항터미널 B1
Tel. +82.2.551.0813~4
www.gallerypc.com
전 세계 유수의 현대미술의 소개하고 작가와 대중을 연결하는 가교역할을 하고자 기획된 이번 전시에서는 유럽회화 중에서도
국내에서는 좀처럼 접하기 힘들었던 프랑스 현대미술작가 7인의 매력적인 현대미술작품 신작이 40여 점 이상 소개됩니다. ● 세잔(Cezanne)과
고갱(Gauguin) 등 거장들을 탄생시킨 예술의 나라프랑스는 예로부터 미술의 본고장이자 다양한 미술사적 사조들을 탄생시킨 중추적인 역할을
담당해온 바 있습니다. 현대에 이르러 중국 및 아시아 미술의 약진과 뉴욕을 중심으로 한 주요 미술시장의 형성 등으로 인해 프랑스 현대미술에 대한
많은 미술 애호가들의 관심이 조금은 주춤한 듯 합니다. 하지만 현재에도 고정되지 않은 자유로운 아이디어와 대담한 표현력, 생동감 넘치는 에너지는
프랑스 현대미술 작가들에게 여전히 이어져오고 있습니다. ● 이번 전시는 로베르 콩바스의 영원한 숙적 차미조(CHAMIZO)를 포함하여 프랑스
현대미술의 지금을 볼 수 있는 작가 7인의 작품이 주축이 됩니다. 오랜 전통과 유구한 역사적 사건을 바탕으로 빠르게 변화하는 ‘현재’를
재해석해내는 총 7인의 프랑스 현대미술작가들의 색다른 시선을 통해 프랑스 현대미술의 저력을 다시금 확인해 볼 수 있는 이번 전시에 여러분의 많은
관심과 성원 부탁드립니다.
차미조 (CHAMIZO) ● 차미조(CHAMIZO)는 신화 속 인물 또는 현대의
영웅들에 대한 일종의 오마주이자 희망의 메시지라 할 수 있다. 새로운 뉴페인팅의 창시자라 할 수 있는 그는 프랑스 내에서만이 아니라 전
세계적으로 유명한 현대미술의 작가이기도 하다. 그만의 3차원적인 환상과 입체감은 신화 속 인물이나, 현대의 영웅 또는 유명인들의모습을 마치 만화
캐릭터와도 같은 모습으로 아이콘화한다. 사진적 기법을 이용한 듯 한 페인팅작업은 작가가 바라본 시대를 모습을 담고 있다. 그의 대표작 「장 폴
고티에의 오마주」 또는 「아라끼 노부요시의 오마주」에서 알 수 있듯 그는 사회적인 내용이나, 정치, 문화를 비판함과 동시에 새로운 메시지를 담아
관객들에게 제시한다. 세익스피어의 희곡 햄릿의 한 장면을 재구성화한 「죽느냐, 사느냐 To be or not to be」 역시 연극적인 내용을
재구성화 해서 작품으로 창조해낸다. 생동감 있고, 과감한 터치는 곧 무한한 에너지와도 연결되며, 살아 숨쉬는 듯한 인물들은 곧 우리들 내면의
숨겨진 또 다른 자아이기도 하다.
오렐리 드
라 카디르 Aurelie de la cadiere_Eva pusse_캔버스에 아크릴채색_130×130cm_2003
오렐리 드 라 카디르 (Aurelie de la cadiere) ● 오렐리 드 라
카디르(Aurelie de la cadiere)가 표현한 동물의 이미지는 긴 속눈썹을 가진, 다소 공허한 눈빛의 동물들이다. 진한 색채감,
늘어진 형태들, 심지어 어둠 속에서도 빛을 발하는 형광색은 회복 불가능한 허무함을 표현해내고 있다. 그는 인간과 동물을 유머러스하게 결합시킨다.
물질적인 것에 대한 인간의 내면의 본성은 동물의 얼굴로서 희화화된다. 이렇게 탄생한 생명체들의 쾌락은 즉각적이고, 트랜디하며, 외설적인 이미지
속에서 끊임없이 반복된다. 한나 바바라(Hanna Barbara)의 만화를 연상시키는 오렐리의 캐릭터에서는 동물적인 특성은 살펴볼 수 없다.
단지 희화화 된 영혼들은 오로지 자신에게 즐거움을 가져다 주는 쾌락에만 반응한다. 이와 같은 탐욕스러운 욕망들의 출현은 캔버스 속 그들 자신의
모습을 숨기기엔 역부족이다. 고독은 곧 영원한 허무로 연결된다. 그렇지만 이는 곧 현재 우리가 살아가는 모습을 넌지시 반영해 주는 이미지이기도
한다.
딩키
DEINKI_Red Heart_캔버스에 아크릴채색_100×80cm_2006
딩키 (DEINKI) ●
딩키(DEINKI)는 인도, 네팔, 일본에서 제작된 천연 신문지와 미묘한 소재의 투명성을 덧칠한 캔퍼스 위에, 페인팅, 레이어, 잉크 또는
반짝이는 물감들을 혼합하여 작업한다. 끝도 없이 펼쳐지는 다양한 소재와 장르를 통해, 그녀의 유머러스 한 상상력을 엿볼 수 있다. 일상적인 삶의
흔적을 담고 있는 그녀의 작품은 우리의 내면세계와 사랑, 그리고 유니크한 모습들을 고스란히 표현해내고 있다. 수많은 삶의 모습들과 더불어 작가는
여행을 통해서 느낀 여러 가지 문화와 풍경의 모습을 작가의 풍부한 상상력을 바탕으로 캔버스 위에 재구성한다. 원색적인 컬러와 자유로운 형상들은
매우 감각적이며, 마치 음표를 시각적으로 그려낸 듯 화려하면서도 음악적인 멜로디가 특징적이다.
미리얌
바우딩 Myriam Baudin_Devil Baby_캔버스에 아크릴채색_100×80cm_2008
미리얌
바우딩(Myriam Baudin) ● 네오 팝의 정신을 표방하는 미리얌 바우딩(Myriam Baudin)은 제프 쿤스와 리히텐슈타인의
영향을 많이 받았으며, 작품 속 인물들은 마치 살아있는 듯 강한 생명력을 내뿜고 있다. 그는 영화 속 한 장면을 패러디하거나 캔버스로 재구성하여
영화와는 또 다른 여성스러운 내면을 작품에 반영한다. 팝아트의 매력적인 요소들을 스스럼없이 자유롭게 사용하여, 현대 사회의 경제, 문화의 영혼을
나타내는 듯한 그녀만의 팝 아트만의 매력에 흠뻑 빠져 보기를 바란다. 특히 파스텔톤의 강렬하면서도 부드러운 색감과 형상과 여백이 공간 활용은
매우 강렬한 이미지로 관객들을 캔버스로 끌어당기며, 공허하면서도 매력적인 주인공의 얼굴 모습과 캔버스의 공간은 색다른 감각과 감성을 담아낸다.
니콜라 모로
Nicolas MOREAU_조로의 초상_캔버스에 유채_50×60cm_2007
니콜라 모로 (Nicolas
MOREAU) ● 니콜라 모로(Nicolas MOREAU)의 자연스러운 색감과 표현은 매우 감성적이다. 영화 속 장면의
조로(Zorro)를 뚱뚱한 모습에 넉살스러운 모습으로 표현한 작품은 코믹한 느낌을 준다. 오렌지색 옷을 입고 마스크를 쓴 영웅 조로의 희화화된
표정은 우리에게 매우 친숙하면서도 색다르게 다가온다. 뿐 만 아니라 마스크 사이로 몽환적인 두 남녀가 교환하는 에로틱한 눈빛은 마치 은밀히
나누는 대화가 들리기라도 하 듯 캔버스에 생동감을 불어넣어준다.
발더
BALDER_Face au mur_나무에 혼합재료_70×50cm_2006
발더 (BALDER) ●
발더(BALDER)는 거리에서 만나는 인물에 관심이 많다. 흔히 볼 수 있는 얼굴, 혹은 스쳐 지나가는 사람, 지하철 안의 모습이나, 광장에
스케이드 보드를 타는 학생, 등 작품 속 등장하는 인물들은 대중적이며 강한 개성을 담아낸다. 나무 위 캔퍼스에 카드보드, 신문(재활용), 또는
메탈 등을 혼합한 다양한 테크닉을 사용한다. 작품에 등장하는 인물들의 설정은 1차적으로는 작가의 눈으로 직접 관찰 한 후에, 빠른 테크닉으로
스케치하듯 자연스럽게 캔버스에 위에 이미지를 옮긴 뒤, 다양한 기법을 이용하여 스크래치 하듯 표현한다. 때문에 그의 작품은 약간은 낡은 듯 한
바랜 느낌과 함께 우리가 소중히 간직하는 물건에 남겨진 손자국과도 같은 느낌을 자아낸다.
장파로
JEAN PARRAUD_La Rochelle_캔버스에 유채_40×30cm_2008
장파로 (JEAN
PARRAUD) ● 장파로 (JEAN PARRAUD)는 지중해의 평화로운 풍경들을 소박한 시선으로 담아낸다. 그는 주로 평화로운 바닷가의
모습이나 고즈넉한 산 풍경을 실제 답사를 통해 그려내는 작가이다. 특히 <라 로셀 항구>를 그려낸 단아한 풍경은 보는 우리들의
마음까지 따뜻하게 비추는 듯 하다. 흔히 볼 수 있는 풍경이지만, 그의 작품들은 작가의 눈으로 바라본 특정한 장소를 통해 각자의 추억이나
그리움을 환기해 주는 듯 하다. ■ 갤러리PC-프라이빗컬렉션
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조립된 산수
김봄展 / KIMBOM / 金봄 / painting
2008_1112 ▶ 2008_1118
김봄_북악스카이웨이_캔버스에 아크릴채색_130×194cm_2008
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.070308b | 김봄展
으로 갑니다.
초대일시_2008_1112_수요일_06:00pm
관람시간 / 11:00am~06:30pm
관훈갤러리_KWANHOON gallery
서울 종로구 관훈동 195번지 본관 3층
Tel. +82.2.733.6469
www.kwanhoongallery.com
그림지도, 일상적이고 정치적인 풍경 ● 김봄의 그림은 무슨 지도 같다. 지도가 위에서 내려다보고 찍은 시각정보를 재구성한 것처럼 작가의 그림 역시 부감법을 적용해 그린 것이다. 엄밀하게 말해 지도 자체라기보다는 다만 지도의 형식을 차용해 그린 일종의 그림지도 정도로 정의할 수 있을 것 같다. 지도가 그런 것처럼 평면 위에 각종 일상적인 정경이나 모티브를 재배열해 놓은 탓에 그림들은 현저하게 평면적으로 보인다. 주지하다시피 지도는 첨단의 미디어 환경의 도움으로 현재 눈에 띠게 진화하고 있는 중이다. 우리 모두는 인공위성이 심지어는 개인의 안방까지 촬영하고 이렇게 촬영된 시각정보를 누구든 열람할 수 있는 환경을 실현한 구글이 현대인의 엿보기 욕망을 부추기는 한편 사생활침해논란을 불러오고 있는 기묘한 세상에 살고 있다. 작가의 그림은 아마도 이런 디지털 환경을 전통적이고 회화적인 아날로그 방식으로 구현하고 있는 경우로 볼 수 있을 것이다. 다만 이를 통해 작가가 제공하는 시각정보가 개인의 사생활을 엿보는 것이 아닌, 동시대적인 일상의 정경과 정황을 대변해주는 것이 다른 점이다. 말하자면 시사성 있는 풍경이나 일상적인 풍경, 그리고 때로는 정치적인 풍경으로 부를만한 어떤 정황을, 비전을 예시해주고 있는 것이다. ● 서울 일대를 소재로 한 그림들인 만큼 서울의 주요 행정지역들이 그대로 반영돼 있다(물론 사생여행을 계기로 제주도 정경을 그린 예외적인 경우가 없지 않지만). 이를테면 탑골공원이나 용산 일대, 청계천과 시청 주변 풍경, 북악산이나 북한산 정경, 덕성여대와 영등포의 주변 정경이 한눈에 들어온다.
김봄_북한산하_캔버스에 먹, 아크릴채색_181×227cm_2008
김봄_시청_캔버스에 먹, 아크릴채색_130×164cm_2008
특히 덕성여대와 영등포 지역은 작가에게 특별한 의미를 갖는 것이지만 이를 작가의 개인사와 연결시키기보다는, 그만큼 작가의 그림이 일상적이고 보편적인 계기나 모티브를 소재로 해서 쉽게 공감을 자아내는 경우로 이해하는 것이 타당할 듯싶다. ● 해서, 그림들에서는 서울의 대표적인 모티브를 한눈에 알아볼 수 있다. 특히 한강을 가로지르는 각종 다리들이나, 청계천 복원 이후 그 위에 설치한 마치 장난감과도 같은 다리들이 한눈에 들어온다. 다리들 저마다의 생김새 그대로를 재현한 탓에 그 다리의 정확한 명칭과 위치를 가늠해볼 수 있을 정도다. 일종의 인덱스 즉 지표성을 실현하고 있다고나 할까. 그리고 그 지표성은 단순히 지정학적 위치를 지시하는 이상의, 지금여기에서 일어나고 있는 일상성이나 현장성과 같은 시대적 정황을 아우르는 것으로 볼 수 있지 않을까. ● 이와 함께 지도의 형식적 차용과 관련해 볼 때 한라산을 중심으로 제주도 전체를 섬처럼 그린 그림이 다른 경우들에 비해 지도의 형식을 즉각적으로 떠올려주며, 특히 북한산 정경을 소재로 한 그림은 전통적인 고지도의 포맷을 상기시킨다. 병풍처럼 가장자리를 에워싸고 있는 산맥의 한 가운데에 도시가 들어 있는 형국이다. 아마도 지형 자체가 그렇겠지만, 이보다는 도시가 산맥들에 의해 보호받고 있다는 느낌이나 염원을 반영한 경우로 볼 수 있지 않을까. 말하자면 지도로 나타난 객관적인 기록물에서조차 사사로운 바람이나 소망을 투사한 공공연한 관행과 그 흔적으로 볼 수 있을 듯싶다.
김봄_영등포구_캔버스에 아크릴채색_162×227cm_2008
김봄_용산_캔버스에 먹, 아크릴채색_181×227cm_2008
이 그림지도에 나타난 모티브들은 대개 일상적인 것들이지만, 각종 시사성 있는 정경들이 이와 더불어 긴밀하게 직조돼 있어서 일종의 정치적 풍경 혹은 이데올로기적 풍경으로 부를만한 한 전망을 열어 놓고 있다. 그리고 그 전망은 대개 역사적인 풍경과 겹친다. 내가 속해져 있는 지금여기는 단순히 현재만이 아닌, 과거의 흔적과 미래의 비전이 하나의 결로 포개진 어떤 중층적 지대이며, 따라서 현재는 과거의 역사가 밀어올린 시간 혹은 시공간의 한 단층으로 볼 수 있다. 그런 만큼 그림에는 일상적인 모습과 시사적인 정경이, 그리고 현재와 과거의 역사적인 사건이 어우러져 있다. ● 이를테면 주로 공원에 자리하고 있는 각종 동상들(역사적인 인물이나 정치적인 인물들을 모티브로 한)이 단순히 과거를 기념한다는 의미를 넘어, 현대인의 의식 속에 여전히 살아 숨쉬는 일종의 이데올로기 내지는 아이콘으로 작동되고 있음을 주지시킨다(이를테면 교육과 윤리의 형태를 빌려). 그리고 하늘공원은 난지쓰레기장을 매워 만든 친환경 생태고원의 성공적인 사례라고 하는 정치적 치적을 암시한다. 그런가하면 도시에는 유독 한국 근현대사를 대변해주는 아이콘이 있기 마련인데, 청계천이 그렇다. 작가는 청계천의 과거와 현재를 나란히 그려 놓음으로써 이런 시대적 아이콘을 강조한다. 천변에서 빨래하는 아낙네들과 청계천 복개공사 기공식 장면, 그리고 복원 이후 설치된 다리의 정경을 하나로 그려 청계천이 겪어온 역사적 현실과 그 변천과정을 한눈에 개괄할 수 있게 한 것이다.
김봄_제주도_캔버스에 아크릴채색_130×194cm_2008
김봄_청계천_캔버스에 먹, 아크릴채색_181×227cm_2008
도시에는 이런 시대적 아이콘이 있는가 하면 광장도 있다. 그리고 그 광장은 단순한 현재적 시점을 넘어 역사적 현실과 만나지고, 정치적 풍경과 오버랩 된다. 이렇게 탑골공원에는 일제치하의 3.1만세운동이나 주요 인사들이 모여 시국선언을 하는 장면이 광우병 소 수입반대 1인 시위 장면과 어우러진다. 재밌는 것은 사주 관상 천막인데, 언젠가부터 탑골공원 일대가 사실상 노인의 쉼터로 자리 잡은 현실을 엿보게 한다. 하나의 장소가 그 자체 정태적이기보다는 매순간 주어지는 역사적이고 정치적인 그리고 일상적인 정황과 목적과 편의에 의해 변태되는 유기적 현실을 반영하고 있는 것이다. 이로써 작가는 일종의 시간여행을 감행하고 있는 것이며, 이를 통해 역사적 현실과 현재를 날실과 씨실삼아 긴밀하게 직조해낸다. 청계천 복개공사가 갖는 정치적 의미나 광우병 소 사태로 시위대와 경찰이 대치하는 정국을, 국보 1호인 숭례문이 방화로 소실된 어처구니없는 사건이나 나무 벤치 위에 모로 누워 잠을 청하고 있는 노숙자를, 반환이 결정된 미군기지 내 환경오염을 문제시하는 플래카드나 동대문 철거 저지시위현장을 통해 작가는 일종의 시대의 증언자 내지는 기록자로서의 의미기능을 수행하고 있는 것이다. 그리고 이 모든 일상적이고 역사적이고 정치적이고 사회적인 풍경의 지점들 위로 한국의 상징 꽃인 무궁화를 그려 넣어 아이러니를 강조한다. ● 이로써 김봄은 그 자체 장소특정성이 강하게 작용하는 그림을 예시해준다. 그 장소는 서울이라는 지정학적 장소이기도 하고, 각종 이데올로기적 현실과 사건이 부침하는 정치적 풍경이기도 하며, 과거와 현재가 하나로 만나지는 시간이 열어 놓은 전망이기도 하다. 그 장소, 그 풍경, 그 전망을 통해 우리는 작가의 개인사를 넘어 일상적이고 보편적인 동시대적 역사에 동참할 수 있게 된다. ■ 고충환
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기억을 위한 회화
김남희展 / KIMNAMHEE / 金南希 / painting
2008_1112 ▶ 2008_1203 / 일요일 휴관
김남희_바람이 불어도Windy days_캔버스에 아크릴채색_90×73cm_2008
● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.071003g | 김남희 회화展으로 갑니다.
초대일시_2008_1112_수요일_06:00pm
관람시간 / 평일_11:00am~07:00pm 토요일_11:00am~06:00pm / 일요일 휴관
갤러리 차_GALLERY CHA
서울 종로구 통의동 35-97번지
Tel. +82.2.730.1700
집으로, 밖으로, 안으로 ● 현실이 이성의 법칙에 따라 꿈의 언어에 사로잡히지 않고서 돌파해 가는 반면에, 환상은 쾌락원칙의 언어, 즉 억압 및 억제로부터의 자유로 간주되는 속박 없는 욕망들과 충만들에 대해서 끊임없이 이야기한다…즉 환상에는 악의에 가득 찬 인간적인 현실에 대한 극복이 담겨있다.(마르쿠제)
김남희_흔한 풍경1A common landscape1_캔버스에 아크릴채색_80×80cm_2008
김남희_흔한 풍경2A common landscape2_캔버스에 아크릴채색_80×80cm_2008
최근 회화가 강세다. 지난 백년간을 돌아보면, 상전벽해가 따로 없다. 몇몇 예외를 제외하면, 회화는 꾸준히 죽어갔기 때문이다. 시각예술의 제왕으로서 누렸던 오랫동안 권좌는 간데없이 사라졌다. 여러 가지 이유가 있었다. 사진 같은 경쟁 장르가 치고 올라오기도 했고, 전위대가 낡은 매체로 비판하기도 했고, 회화만의 표현력이 고갈되기도 했다. 때때로 힘을 축적해 반격하기도 했지만, 역부족이었다. 회화는 완연한 조롱의 대상으로 전락했고, 화판은 배설의 공간으로 타락했다. 그랬던 터라, 회화는 오늘날 감개가 무량할지 모르겠다. 잘 팔리고 인기도 끌고 있으니, 금상첨화다. 역설처럼 들리겠지만, 회화는 심각하게 ‘소외’되어 있다. 마치 중병의 환자에게 모르핀을 투여해 잠깐 동안 의식만 반짝인다고 할까. 살아도 산 것이 아닌 것이다. 이유는 간단하다. 회화가 복권된 것은, 자본을 등에 업은 결과이기 때문이다. 현재의 전세계 미술판도를 생각해 보라. 오랫동안 예술경향을 주도했던 비엔날레는 영향력을 급격히 상실한 반면에, 경매를 비롯한 아트페어는 거침없이 영역을 넓혔다. 한국도 예외는 아니어서, 신규 자본들이 속속들이 미술판에 진출하여, 여러 가지 변화를 일으켰다. 물론 순기능도 있었다. 전근대적 미술시장을 일신할 계기가 만들어졌기 때문이다. 하지만 자본과 예술의 거리는 너무나 빨리 좁혀졌다. 이 결과 자본이 기존의 제도를 건너뛰고 ‘직접’ 예술가를 관리하기 시작했다. 이것은 악몽이다. 완충지대 없이 작가의 정신을 식민화시키기 때문이다. 특히 신진작가는 존재의 기반이 취약한 탓에, 외부의 손길에 취약할 수밖에 없다. 현재 젊은 작가들 사이에서 유행하는 평면의 갈래를 생각해 보라. 그들은 포토샵그림을 그리는 ‘프로그램’이 되기도 하고, 하이퍼 리얼리즘작업을 하며 ‘사진기’가 되기도 하고, 각종 대중문화의 아이콘을 차용하는 ‘매개자’가 되기도 한다. 각자 선택한 양식을 갖고서 왈가왈부할 문제는 아닐지 모른다. 하지만 자신이 무엇을 하는지 ‘성찰’하지 않은 채, 스스로 기계처럼 도구가 되어 반복해 찍어대는 모습은 ‘사물화’의 정수를 보여주는 듯하다. “문화와 문명(즉 자본주의와 사물화)이 인간을 사로잡아감에 따라서 인간은 시간이 갈수록 자신이 인간이기를 중단한다는 것이다.”(루카치) 흥미롭게 김남희는 반대로 간다. 이 부박한 갈래길을 마다하고, 오래된 길을 천천히 걸어간다.
김남희_K와 K의 특별한 저녁Exceptional dinner with K for K_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2008_부분
K와 K의 특별한 저녁(Exceptional dinner with K for K)_캔버스에 아크릴채색_162×130cm_2008
우선 김남희의 첫 번째 전시 「위로의 순간」(2007)부터 살펴보자. 여기서 그녀는 자신이 짧게 겪었던 기억을 ‘집으로’ 투영했다. 집은 이른바 인간이 사회적 존재로 성장하는 모태다. 때문에 그곳에는 인간의 기억이 사물의 형태로 자연스럽게 녹아있다. 책상에도 침대에도 저 멀리 뒹구는 신발 한 짝에도 저마다 고유한 기억의 흔적이 새겨져 있다. 기억의 단편들이 여기 저기 흩뿌려져 있는 것이다. 사회적인 동시에 개인적인 ‘내면’이라고 하면 정확할까. 「위로의 순간」에서 그녀는 그렇게 집을 무대로 삼아 자신과 주변사람의 기억을 소소한 드라마를 엮어냈다. 그녀는 사물처럼 외부에 그대로 반응하는 것 같지는 않았다. 대신에 무엇이 되었든 실마리를 잡아서, 속에다 쟁여두고 일정한 형태를 부여하려 애쓴다. 감각에만 머물지 않고 온전히 내면을 응시하는 전통을 따르는 셈이다. 이것은 초기의 작품을 보면 훨씬 확연하게 드러난다. 2006년에 제작된 「심장을 버리고 살 수 있을까?」와 「심장의 소리를 따라가다」를 보면, 여느 소녀가 겪었을 법한 연약한 상처가 ‘소박하고도 직접적으로’ 나타났다. 그랬던 것이 나중에 타인의 아픔을 공유하고 위로하는 단계로 확장된다. 자신이 겪었던 상처를 타인과 공유하는 기억으로 만든다고 할까. 그녀는 그렇게 ‘밖으로’ 한발 한발 걸어간다. 이러한 벡터는 2008년 「기억을 위한 회화」에서 더욱 강력해진다. 우선 집의 기능이 달라졌다. 이전까지 집은 그녀의 세계이자 무대였다. 모든 것이 집을 중심으로 회전했다. 하지만 이제는 극적으로 작아진다. 아예 ‘집 바깥으로’ 나오기 시작한 것일까. 형태도 다른 사물과 다를 바 없어지고, 비중도 여러 가지 소재 가운데 하나로 축소된다. 대신에 다채로운 색면이 화면을 꽉 채운다. 「파도 속의 꿈」이 대표적이다. 여기에는 이전 작업처럼 집도 있고 사람도 있다. 하지만 맥락이 달라진 만큼 전과 같을 수가 없다. 전에는 집이라는 구체적 대상을 매개로 하였기 때문에, 왜곡된 형태로나마 ‘외적인 세계’가 표현됐지만, 이제는 그런 역할을 하는 것이 없다. 있다면 색면인데, 색면은 대상의 대상성을 약화시키지 강화시키진 않는다. 게다가 그녀의 색면은 숨죽여 있지 않고 극적으로 약동하는 탓에 화면의 구도까지 비틀어 버린다. 그런 곳에서 대상들은 이리저리 휘말릴 수밖에 없다. 집들은 납작해져 가라앉았고, 사람들은 작아져 부유하는 것이다. 옛날에 보였던 집과 사람의 관계는 약해지다 못해 아무 관계없어 보일 정도다. 그전까지 집에 내면에 속박된 끈을 끊어버린 것일까. 이제 중심은 대상에서 색면으로 전환되고, 벡터는 다시 ‘안으로’ 향한다. 물론 옛날과 똑같진 않겠지만 말이다.
김남희_파도속의 춤3Beyond the waves3_캔버스에 아크릴채색_324×130cm_2008_부분
김남희_파도속의 춤3Beyond the waves3_캔버스에 아크릴채색_324×130cm_2008
이렇게 내부와 외부가 뒤섞이면, 대체로 초현실적인 세계가 구축되어, 무엇인가 긴장되기 마련이다. 이질적인 것들이 결합되기 때문이다. 김남희의 화면에서도 그 같은 갈등이 없다고 하기는 힘들다. ‘감정-내면-색면’과 ‘대상-외부-묘사’의 짝패가 분명히 존재한다. 하지만 날카롭지 않고, 고분고분하다. 그 이유는 내면에서 현실을 꿈처럼 ‘소박하게’ 화해시키기 때문이다. 그렇다, 환상이다. 이 결과 첫 번째 전시 때 보였을 내용적 긴장은 형식적 긴장으로 완연히 전화된다. 이것이 그녀가 가다듬는 언어(기법)의 문제인지, 응시하는 대상(세계)의 문제인지, 아직 분명치 않다. 어쩌면 과정에서 두 가지 가 뒤섞이며 진동하는 것일 수도 있다. 그러나 어쨌든 그녀의 작업이 ‘일기’로 끝나지 않으려면, 바깥의 인식을 저버려선 안 된다. “사체로부턴 유물이 나오며, 경험이나 미화된 그 죽어버린 과거의 사건들로부터는 추억이 나오는 것이다.”(벤야민) 물론 저 옛날 꿈꿨던 주체와 현실의 화해는 오늘날 불가능할 것이다. 하지만 최소한 냉혹한 현실을, 부박한 미술판을, 냉정히 응시할 시선을 가슴과 화폭에 쟁여둬야 할 것이다. 그래야 그림에서라도 지나간 과거가 아니라 다가올 미래를 꿈꿀 수 있으리라. ■ 김상우
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제5회
김정아展
놀이처럼 비우다.130×160(cm)
2008년
11월 21일(금) ~ 11월 27일(목)
gallery
k
서울시 서초구 서초3동 463-10 t,02.2055-1410
www.galleryk.org
opening.11.21(금)오후 5시
놀이처럼 비우다.130×160(cm)
소외감 융해 : 공동체 속 유희를 통하여
김정아
나는 삶에서 느껴지는 다양한 내용의 이야기를 인물들의 다중적인 이미지를 통해
표현하는 데 주력한다. 그것은 던져진 내 삶의 위치를 확인하고 초월하려는
실존적인 의미와, 인간의 본성을 이해하고 따뜻한 시선으로 바라보고자 하는 노력을
동시에 포함하고 있다.
속삭이다.110×60(cm)
따라서 각각의 작품에는 사소한 일상적인 사건을 통해 내가 느낀 진솔한 감정을
진지하고 의미 있게 이끌어 내고자 하는 노력과 동시에, 유희적인 시각으로
감정적인 무거움을 가볍게 풀어나가려는 열망이 공존하고 있다.
신부들.195×160(cm)
근본적으로 우리는 군중과 절대적인 하나가 될 수 없으며 타자와 나는 항상 갈등
관계일 수밖에 없다. 샤르트르는 그 갈등의 주된 원인이 타자가 각자의 시선대로
나의 한계를 결정짓기 때문이며 이러한 갈등 구조 속에서 우리들 각자는 피할 수
없는 허무감과 상실감을 경험하게 되어 있다고 설명한다. 우리는 이런 근본적인 상실감과
고립감으로부터 벗어나기 위해, 공동체를 갈망하며 타인과 연결되려 하거나, 춤추기,
놀이 등의 가벼운 치유형식을 개발하기도 한다.
신부들.200×130(cm)
나는 타자와의 관계 속에서 끊임없이 이어지는 상실감과 허무감을 극복하기 위한
대안으로 춤추기, 놀이 등의 유희가 가미된 회화적 표현을 선택했다.
먼저 작품들에 표현된 소녀들의 형상은 여성도 남성도 아닌 미완성의
인물로, 어떻게 성장하고 변화할지 모르는 미래에 대한 희망을 의미한다.
이것은 태초의 인간으로, 성이 구분되지 않은 소녀다운 순수함을 그리워하는 열망의
표현이다.
죽은 새를 위한 거짓눈물 200×60(cm)
나는 또한 타자 앞에서 내가 나에 대해 갖는 의식에 관심을 갖는다. 그러므로
작업방식에 있어 인물들의 시선처리에 중점을 두었는데 이것은 나의 존재가 그들에게서
소외될지도 모른다는 두려움의 가능성으로 그 시선은 타자의 냉정하고 무관심한 직접적이고
구체적인 시선을 보여준다. 이에 반해 시선처리의 의미와는 역행하도록 표현된 인물들의
유희적인 놀이의 형태는 이런 불안한 상상을 뒤집는 반전의 의미라 할 수 있다. 또한
이러한 놀이적인 이미지는 나와 타자사이의 소속감과 화합을 기원함과 동시에 환상적인
행복을 표현하는 매개체이기도 하다.
춤추다.110×80(cm)
나는 이제 절망을 표현하지는 않는다. 나와 타자와의 관계가 끊임없이 갈등의
순환구조 속에 있더라도 나는 우리들 모두가 열망하는 사랑과 따뜻함을 믿고 있기
때문이다. 이것은 내가 모든 관계들 속에서 이끌어내고자 하는 희망이며 이 희망을
구체적으로 표현해 내는 것이 내 작업의 궁극적 목표라 할 수 있다.
호기심-덜 감추어진.130×160(cm)
나는 이런 인간의 다양한 모습들을 끊임없이 회화로 탐구하면서 우리가 지녀야
할 인간애를 표현하고자 한다. 어찌 보면 이러한 따뜻한 사랑이 우리들 삶의 궁극적인
목적이 아닐까 싶기도 하다.
입맞춤.130×160(cm)
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관찰의 기술
사진아트센터보다 제2기 레지던시 작가展
2008_1112 ▶ 2008_1118
이상영_길_잉크젯 프린트_74×94cm_2008
초대일시_2008_1112_수요일_05:00pm관람시간 /
10:00am~06:00pm
갤러리 우림_GALLERY WOOLIM
서울 종로구 관훈동 30-27번지
Tel. +82.2.733.3788~9
www.artwoolim.com
사진이 새롭고 거대한
흐름의 시각 매체로서 대두되었을 때 가장 주목 받았던 특성은 기계적인 기록성이었다. 사진의 기록성은 무엇보다 사실적이고 진실과 특별한 관계를
맺고 있다고 인식되었다. 지금도 여전히 사진은 사실적인 재현과 필연적인 관계를 맺어 왔고, 이러한 연유로 선명하고 명료한 기록을 위해 동원되는
기술(技術)은 전통적인 사진 제작에서 각별한 의미를 갖는다. ● 사진아트센터 보다 2기 레지던시 프로그램에 참여했던 4인의 작가는 이전부터
사진과 재현의 새로운 관계를 모색해왔는데 시각적 인상과 기억, 풍경과 유희, 사회에 대한 관심을 다양하고 능동적인 관찰의 통로를 통해
기술(記述)하고 있다. 작가들은 대부분 일상의 소재와 공간을 사적인 관계에서 출발해 다루었는데, 특정한 관찰의 태도와 시각적 기술에 대한
재해석을 통해 사회적인 영역의 의미로 확장한다. 놀이 공간의 기억, 남성성의 미시적 권력, 변모하는 인위적 풍경, 대중매체 캐릭터에 대한 미혹을
자신의 작업으로 호출하며 재현의 관계와 방법을 새롭게 하고 넓히는 것이다. ■ 김수혁
김정주_magic land16_디지털
프린트_75×100cm_2007
김정주_magicland6_디지털
프린트_75×100cm_2007
나는 이상을 위한, 인간들에 의해 도시 공간이
세워지게 되었다고 믿는다. 그러나 그 속에서 만나게 되는 우리들의 추억과 꿈을 재현한 이 매직 랜드에서 나는 두렵다. 거대하고 빠르고, 움직이는
괴물들과 들려오는 비명, 현란한 색깔과 이를 보기 위해 이토록 몰려온 사람들. 이 대단한 광경 앞에서, 나는 동심을 물신화 한 인간의 욕망에
그런 것이 아니다. 매직 쇼를 벌이기 위해 세운 수많은 트릭들, 완벽해보이면서도 일순간 조악한 그것들은 너무나 모순적이다. 놀이공원을 으레
그렇듯, 신비와 환상의 세계로 그려내지 않은 것은, 나는 그것을 도시의 일부로 보기 때문이다. 좀 더 조형적으로 요란하고 아름답거나 거대하고
치밀하거나 한. 사실 마법이란 것은 눈속임에 지나지 않는다, 하지만 성공을 위한 준비와 연습이 있어야 무대에서 완성되는 것처럼. 이 공간도
그러한 과정을 분명히 거친, 꾸며진 공간인 것이다. 그래서 나는 이곳을 도시 안에서 벌어지는 마법이 있는, 매직 랜드라 부른다. ■
김정주
이상영_산_잉크젯 프린트_74×94cm_2008
뉴타운 시리즈는 서울 근교의 고양, 의정부, 포천, 오산, 평택 등의 경기도
일대의 풍경에 관한 작업이다. 근교 도시들은 풍부한 자연환경을 보유하고 있지만 개발로의 변화의 진통을 겪고 있는 공간이다. 농경을 위한 전통적인
공간이 도시 공간으로 인위이고 급격히 변화하고 있다. 푸르른 논밭 사이를 가르는 회색빛 고가, 공사가 시작되어 붉은 속살을 드러낸 땅 위로
남아있는 오래된 주택과 같이 상반되는 시간과 공간이 동시에 공존하고 있는 아이러니한 장소이기도 하다. 근대와 전통, 도시와 농촌, 정겨움과
차가움, 자연의 웅장함과 철골의 황량함의 경계에서 근교를 바라본다. 인적 드문 공사장 너머의 산등성이에서, 푸르른 논밭과 붉은 깃발 사이에서,
뉴타운의 서정적 풍경을 찾는다. ■ 이상영
이상희_삼총사_디지털
포토그램_93.2×145cm_2008
이상희_우리는 친구 5_디지털
포토그램_80×114cm_2008
최근의 스케노-그라피 작업 에서는 우리가
익히 알만한 다양한 케릭터가 등장한다. 이들은 서로 다른 포스와 로망을 가지지만, 나의 작업 속에서 이들은 나열되고, 서로 섞이고 희섞되어지며
다양한 이야기를 전개한다. 조악하기 그지없는 다양한 캐릭터들은 일상 속에서 자연스레 채집되어진 피규어들로 내가 꾸민 가상의 공간속에서 자기들만의
이야기들을 조잘댄다. 이러한 새로운 공간 (브로콜리숲속, 버섯동산 삼겹살언덕, 구름속 하늘나라….)속에서 그들은 보는 이로 하여금 서로 다른
이야기로 읽혀진다. (작업 속에 등장하는 피규어들은 서로 다른 환경과 공간속에서 만나고 부딪치며 살아가는 우리들의 모습을 대변한다.) ■
이상희
김진형_sword 2_C
프린트_100×80cm_2008
김진형_target 1_C
프린트_100×80cm_2008
‘Men's Gallery’ 시리즈는 남성이
사회화되는 과정을 검토하고, 그 절차의 소재들을 시각화하는 작업이다. 유희, 노동, 폭력, 성性 등 남성적 영역에서 소비되거나, 남성성을
재현하는 물건들을 수집한다. 그것은 소년의 장난감부터 노인의 건강식품에 이르기까지 남성의 욕구와 열망을 충족시키거나 심지어 배반하는 소재들이다.
그 소재들은 남성 사회화의 각 단계마다 개별적인 신체와 의식에 구체적으로 작용하고, 사회적 요구에 따라 남성 자신의 정체성을 동일시하는 것과
연관된다고 생각한다. 나는 그것들로부터 사회가 부여한 남성적 가치와 의미들을 추출해 한국 남성성의 사회, 문화적 지점을 비평한다. 이 작업은
애초에 한국 사회에서 ‘남성다움이나 남자들의 정체성은 어떻게 만들어지는가?’라는 질문에서 출발했다. 이성, 결단과 의지, 절제, 목표 지향,
힘, 지배력 등은 남성의 사회적 가치를 표상해왔고, 그것은 오랫동안 남성들의 사회활동을 통해 축적되어 남성들에게 요구돼온 것들이다. 이러한
소품들을 수집하여 클로즈업Close-up 사진의 명징한 재현력으로 기록했다. 이미지들은 실물보다 훨씬 큰 사이즈로 확대되고, 결과물은 관객으로
하여금 엄정하고 객관적인 태도로 면밀하게 판독할 것을 요청한다. 이렇게 간결하게 조성한 시각적 맥락은 일상적인 물건들이 은밀하게 내포하고 있는
남성적 권력을 좀 더 효과적으로 환기하기 위함이다. 결국 촬영된 소재들은 남성들의 총체적인 권력 구조와 관계를 드러내는 미시적 단위로 읽혀질
것이다. ■ 김진형
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Stillness thinking_정적사유
전성균展 / JEONSEONGKYUN / 錢誠勻 / photography
2008_1114 ▶ 2008_1127
전성균_Stillness thinking-Mediterranean_디지털 프린트_20×30inch_2006
● 위 이미지를 클릭하면 전성균 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2008_1114_금요일_06:30pm
관람시간 / 10:30am~07:00pm
갤러리 브레송_GALLERY BRESSON
서울 중구 충무로1가 고려빌딩 B1
Tel. +82.2.2269.2613
cafe.daum.net/gallerybresson
정적사유 ● 한참을 바라본다. 보여지는,바라보는 것들. 다른 것은 보이지도 들리지도 않는다. 떠오르는 낱말들...그리고 한 줌 쥐어 가벼운 바람 한 점 없는 고요의 바다에 살포시 얹어 놓는다. 그렇게 느낀 것을 그렇게 표현한다.
전성균_Feeling empty 1-France_디지털 프린트_각각 16×24inch_2005
전성균_Feeling empty 2-Italy_디지털 프린트_각각 16×24inch_2006
사고(思考)의 이해 ● 내가 만난 사진 속 대상들은 지극히 일상적이며 매우 정적으로 묘사되어진다. 대부분은 낯선 장소에서의 우연한 만남 속에 이루어지는데 이성적 인식에 의한 선택은 아니라 생각된다. 정조(Sentiment)보다는 정조(tone)에 가깝다. 어렵게 고민하며 바라보지 않고 이성적 시각보다는 첫 순간의 감정에 의한 것들이 많다는 얘기다. 물론 순수한 의미의 우연한 첫 만남도 있겠지만 평소의 감정, 관심사, 주제의식 등이 대상과의 우연성과 일치해 셔터를 누르게 할 것이다. 때문에 주제와 시점, 단일작업과 연작, 복합 구성 등 다양한 방법으로 표현한다.
전성균_Even flow-France_디지털 프린트_각각 18×12inch_2006
전성균_Perception-France_디지털 프린트_각각 12×18inch_2006
아름다움을 바라보는 순수한 감정에 대한 예로 고대회화의 시작을 알리는 라스코동굴에 그려진 그림들� |
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