류호열_4월 6일-2 6일 두아트갤러리
"작가가 찍은 사진을 컴퓨터 작업을 통한 조작으로 우리 주변의 일상을 미니어쳐같이 보여줍니다." - 전시도록중에서..
----------------------------------------
다시 그리기류지선 회화展
2005_0413 ▶ 2005_0429 
류지선_응시Ⅰ_캔버스에 지우개 가루_91×73cm_2004-5
● 위 이미지를 클릭하면 갤러리 도올 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2005_0413_수요일_05:00pm
갤러리 도올
서울 종로구 팔판동 27-6번지
Tel. 02_739_1405
www.gallerydoll.com
욕망, 이미지의 정치학 혹은 소비되는 이미지 ● 류지선의 그림들은 친근하면서도 낯설다. 친근한 것은 예술의 자율성과 회화의 내재율에 천착한 형식논리보다는, 재현과 서사의 논리에 바탕을 둔 내용중심의 방법론에서 기인한다. 그리고 무엇보다도 동물이나 사물과 같은 일상적인 소재들과, 만화와 애니메이션으로부터 현실 속으로 곧장 걸어 나온 듯한 친숙한 캐릭터들에서 기인한다. 그리고 낯선 이유는 이 친근한 소재들을 조합하는 방법론에서 기인한다. 동물과 사물, 동물과 사람, 사람과 캐릭터, 이미지와 오브제, 현실적인 풍경과 비현실적인 풍경, 구상적인 방법과 비구상적인 방법을 하나의 화면 속에 조합해냄으로써 일상을 낯설게 하고 있다. ● 주지하다시피 일상을 낯설게 하는 것은 아방가르드의 주요 전략 중 하나다. 이는 일상이 관습과 관례, 선입견과 편견, 상식과 합리의 지층으로 덧칠된 나머지 결코 그 자체를 투명하게 들여다볼 수 없다는 사실을 전제한다. 따라서 일상을 비틀음으로써 일상이 은폐하고 있는 억압의 계기들을 발견하고 주지시킨다는 실천적 행위에서 그 당위성을 찾으며, 이는 그대로 일상이라는 텍스트에 대한 행간 읽기와 이면 읽기 그리고 재독서를 요구해오는 형태로서 나타난다. 임의적이고 자의적으로 재편된 세계와 이렇게 재편되기 전의 세계를 비교해볼 수 있는 계기를 제안하고, 이를 통해서 그 차이와 거리를 주지시키는 것이다. 친근한 것과 낯선 것이 하나의 결로 만나고 있는 작가의 그림들은 이렇듯 일상을 낯설게 하기의 전략에 그 맥이 맞닿아 있다. ● 따라서 작가의 그림에서는 온갖 이질적인 현실의 편린들이 서로 만나고 있으며, 친근하고 낯선 다중적이고 양가적인 의미의 지층들이 중첩돼 있다. 이는 일련의 동물원을 소재로 한 그림들과, 동물에 빗대어 삶의 풍경을 들여다 본 그림들, 그리고 특히 토끼를 캐릭터로 불러들인 일종의 우의적인 풍경화의 형태로 나타난다. 그리고 팝아트에 대한 반응으로서 현상한다. 여기서 팝아트는 단순한 역사적 사실로서보다는 동시대적이고 당대적인 삶의 풍경의 한 형태로 보아야 한다. 리얼리즘과 마찬가지로 항상적으로 유의미한, 당대적으로 재정의되는 열려진 개념의 한 형태로 보아야 한다. 다시 말해서, 물신화된 페티시즘과 자본주의의 욕망이 결부된 상황조건 속에서 들여다본 시대적 논평의 관점으로 읽힌다. 형이상학적인 비전과 인간의 실존과 같이 정신적이고 가치론적인 것들, 애매하고 불투명한 것들, 비물질적인 것들을 물질적인 것으로 끌어내리고, 이를 계량화하고 수치화 하려는 자본주의의 욕망의 관성에 대한 비판의 한 형태로 읽히는 것이다. 그리고 이는 상대적으로 더 정제되고 함축적이고 암시적인 형태의 지우개 연작으로서 현상한다. 작가의 작업에 있어서 이러한 경향들이 순차적으로 나타난 것으로 보이지만, 실상은 그 이면에서 서로 긴밀하게 상호작용을 하고 있다. 일관된 주제의식의 다중적인 표현으로, 상호 내포적이고 중층화된 경우로 보인다.
류지선_응시Ⅱ_캔버스에 지우개 가루_91×73cm_2005
동물들, 타자 ● 류지선의 그림들 가운데 일련의 동물원 연작 그림은 인공환경 속에 사육되고 있는 동물들을 보여준다. 정교하게 손질된 인공자연과 콘크리트 구조물이 기묘하게 결합된 동물원의 이질적인 풍경 속을 동물들이 묵묵하게 지키고 있다. 이로부터는 괴이한 적막감을 불러일으키는 절대 고요와 함께 이질적인 인상이 동물들의 박탈당한 자연(성)을 침묵으로써 증언해주고 있다. 동물원은 이처럼 그림으로서 재현되기도 하고, 더러는 전시 공간 자체가 일종의 동물원으로 연출되기도 한다. 이는 작가에 의해서 제시된 상황 속으로 관객을 끌어들여 작업의 일부로서 참여시키려는 작가의 욕망이 반영된 것으로 볼 수 있다. 그 제시된 상황이란 관객들의 체험 속에서 동물원을 삶의 장으로 전이시키는 것이다. 동물원의 안쪽과 바깥쪽을 나누는 경계가 허물어지면서, 동물을 쳐다보는 사람과 그에 의해서 보여지는 동물의 정체성이 서로 연속되는 경험을 유도한 것이다. 그러니까 의미론적으로 동물원은 그대로 삶의 장의 한 형태인 셈이다. 인공적인 환경과 제도와 구조에 길들여진 인간의 현실이, 고도의 물질문명 사회와 지식문명 사회에서 비롯되는 소외를 그 자체 피할 수 없는 절대적인 현실로 받아들이는 현대인의 초상이 동물원과 오버랩 된다. ● 이처럼 동물원 연작 그림에는 동물에 빗댄 인간의 우의적 풍경이 배어져 있다. 여기서 동물원은 식물원과 함께 인간에 의해서 해석된 자연 곧 인공자연의 한 형태로 제시된 것이다. 그리고 그 이면에는 자연을 자기화하려는 인간의 욕망이, 자연을 관리하려는 제도의 욕망이 놓여 있다. 여기서 자연은 단순한 물질적 지평을 넘어, 정형화된 인식과 지식의 안쪽으로는 붙잡아 들일 수 없는 모든 비합리적이고 비논리적인 것들을 아우른다. 그러므로 자연을 관리하려는 제도의 욕망은 자연의 본성을 부인하고 억압하는 전제 위에서만 가능한, 그 자체 모순율의 산물에 지나지 않는 것이다. ● 그런가하면 동물을 소재로 한 작가의 그림들 중에는 유독 토끼가 많이 등장한다. 소심하고 겁이 많은 만큼 외부로부터 요구되는 억압의 계기에도 순종적인 토끼가 일종의 보이지 않는 손이랄 수 있는 제도에 의해 길들여지고 훈육된 현대인의 무기력한 모습을 대변해주고 있는 것이다. 이는 무엇보다도 물 속에서 허우적거리는 인간의 신체와 토끼의 머리가 결합된 그림에서, 그리고 어둠 속을 향해 몸을 던지고 있는 토끼 그림에서도 확인된다. 여기서 물은 삶의 바다를, 그리고 어둠은 그 깊이를 헤아릴 수 없는 심연과 무의식을 암시해준다. 그런가하면 화면을 온통 가득 메우고 있는 과일과, 이와는 상반되게 실루엣으로만 처리된 토끼 그림에 등장하는 토끼는 일종의 반어법을, 아이러니를 불러일으킨다. 말하자면 자본주의라는 이름의 풍요로운 제국에 초대받은 그 실체가 없는 토끼, 주체를 상실한 익명적 토끼를 말해준다. 그러므로 그 토끼는 엄밀하게 말해서 그 제국에 초대받지 않은 것이며, 단지 자기의 소외를 전제로 해서만 그 초대에 응할 수 있는 것이다. 작가는 이처럼 비교적 의미론적 성향이 뚜렷한 그림들을 그린다. 그렇다고 단순히 판에 박힌 메시지의 전달에 치중하기보다는, 그 메시지나 의미가 많은 경우에 있어서 암시적이고 다중적인, 서사적이고 문학적인, 여러 이질적인 지층들에 중첩되거나, 그 이면으로 잠수하는 것으로 나타난다. 이 일련의 동물 그림들에 나타난 동물들은 레비나스(Emmanuel Levinas)의 타자를 상기시킨다. 그에 의하면 타자의 얼굴은 곧 절대자의 현현이다. 말하자면 동물들로 대리된 현대인의 초상은 그 자체가 고통과 연민을 자아내는, 도덕적이고 윤리적인 공감에 호소해오는 절대자의 얼굴인 것이다. 동물들에게서 나는 너의 초상을 보고, 이와 동시에 나의 초상을 본다. 너는 곧 나인 것이다.
류지선_꽃밭에서_캔버스에 지우개 가루_91×73cm_2005
욕망, 이미지의 정치학 혹은 소비되는 이미지 ● 류지선은 동물 그림과 함께 근작에서는 ‘중독’이라는 명제를 주제로 한 일련의 작업들을 진행해오고 있다. 이를테면 초점이 맞지 않은 TV 화면의 화려하지만 흐릿한 화면을 배경으로 하여, 그 위에다가 가는 실로 인간의 두상 형상을 중첩시킴으로써 영상에 중독 된 현대인의 일상을 풍자한다. 이때 소재로서 차용된 실은 그 자체 조형적인 한 요소로서 기능할 뿐만 아니라 표정과 같은 일말의 의미론적인 기능마저 내포하고 있다. 또한 웃고 있는 인간의 얼굴과 토끼의 형상을 대비시킨 그림에서는 타자와의 관계에 있어서의 웃음 뒤에 숨은 공허함을(이는 타자와의 진정한 소통에 대한 회의로 나타난다), 그리고 쇼핑백과 팝콘과 같은 현대 소비사회의 일상적인 아이템을 소재로서 도입한 그림들에서는 쇼핑 중독을 각각 풍자한다. ● 이처럼 작가는 현대인의 일상적인 삶의 풍경이 돼버린 명품중독, 게임중독, TV중독과 같은 일련의 중독현상을 그려내고 있으며, 그 속에는 욕망에 바탕을 둔 자본주의의 메커니즘에 대한 반성이 함축돼 있다. 여기서 자본주의의 욕망은 욕망 자체를 충족시켜주기보다는 새로운 욕망을 불러오기 위한 계기로서 작동할 뿐, 결코 그 대상에는 이르지 못한다. 오히려 욕망은 끊임없이 지연되고 보류된다. 결국 자본주의의 본질은 욕망의 충족이 아닌 욕망 그 자체에 있으며, 이에 대해선 그 자체 순수한 이미지, 추상적이고 허구적이고 심리적인 이미지에 지나지 않는다고까지 말할 수 있을 것이다. 그런가하면 욕망은 결핍과 결여로 나타난 인간의 존재론적 조건이기도 하다. 이로써 작가의 작업의 이면에는 결코 채워지지 않는 욕망에 바탕을 둔 자본주의의 메커니즘과 인간의 존재론이 맞물려 있는 상호관계에 대한 이해가 깔려 있는 것이다. ● 그리고 이는 그대로 현대인이 겪는 정체성 상실과 혼란의 한 징후에, 그리고 무의미한 삶을 보상받기 위한 일종의 자기암시에 바탕을 둔 중독 현상에 접맥된다. 여기서 중독은 그 자체 하나의 구체적 실체를 갖는 물질적 대상으로 나타나는가 하면, 소비에 대한 무모한 욕망의 형태로 나타나기도 한다. 그리고 무엇보다도 하나의 순수한 이미지의 형태로 나타나기도 한다. 말하자면 장 보들리야르(Jean Baudrillard)가 현대사회를 소비사회로 규정하면서 내놓은 시뮬라크르(Simulacres) 개념에 맞닿아 있는 것이다. 그리고 이런 순수한 이미지, 소비되는 이미지, 시뮬라크르는 그 자체 소외를 부르는 원인이자 결과로서 작동한다. 그러니까 노동으로부터 삶의 의미를 소외시키고(자본주의의 본질로서의 소외), 타자와 주체와의 유기적인 관계를 소외시키고(대타적 소외), 마침내는 자기 자신으로부터 스스로를 소외시킨다(실존적 소외).
류지선_침묵_캔버스에 지우개 가루_130×162cm_2005
류지선의 그림에는 소비를 종용하고, 중독으로 유도하며, 마침내는 소외를 내재화하는 광고, 매스미디어, 에로티시즘, 상품, 영상, 만화, 쇼핑백, 팝콘과 같은 온갖 대중문화의 부산물들이 차고 넘친다. 결핍과 결여에 바탕을 둔 인간의 존재론에 과잉과 잉여에 바탕을 둔 또 다른 존재론이 포개진 것이다. 이 과잉과 잉여의 부산물들은 삶의 풍경을 욕망의 만화경으로 변질시키고, 이는 그대로 매스미디어가 생산한 이미지로 연출된 스펙터클 사회 즉 구경거리의 사회가 소외와 억압을 종용하는 현실을 은폐한다고 보는 기 드로브(Guy Debord)의 상황주의 논리에 연속된다. 그 논리의 연장선에서 나의 정체성이 소비되고, 나의 몸이 소비되고, 나의 의식이 소비된다. 나는 비로소 하나의 순수한 재화, 상품, 이미지가 된 것이다. ● 작가는 이질적인 것들을 병치시키는 방법을 통해서 이런 순수한 이미지로 화(化)한 인간의 존재를 표상한다. 특히 사람과 피자를 결합한 피자맨에서 욕망의 주체는 욕망의 대상과 뒤범벅된 형태로 나타나며, 이는 정체성을 구분하기 위한 최소한의 근거마저도 상실한 극도의 혼란 상태를 보여준다. 욕망의 대상이 욕망의 주체를 집어삼킨 욕망의 전도 현상을 그려내고 있는 것이다. 그런가하면 제트비행기 혹은 공군기와 피자를 결합한 그림에서는 자본주의의 얼굴을 한, 자본주의를 내세운 신제국주의 혹은 후기 식민주의에 대한 논평을 엿볼 수 있다. 이 일련의 그림들에서 욕망은 거만한 소파의 형태로 나타나며, 그 욕망의 정신병리학적 증상을 치유하기 위해서 캡슐 형태의 알약이 동원된다. 욕망은 팝콘처럼 부드럽고, 솜사탕처럼 달콤하며, 소파처럼 푹신하기도 하지만, 때로는 제트기처럼 공격적이다. ● 근작에서는 이처럼 외관상 서로 무관하게 보이는 온갖 이질적인 요소들이 하나의 화면 속에서 재구성된다. 팝아트의 소재가, 동물적인 우화가, 기타 의미론적인 요소가 중첩된다. 초콜릿과 팝콘과 같은 작은 소재들을 화면 가득히 크게 확대하여 그리거나, 이질적인 사물들을 서로 결부시킨 그림들에서는 일말의 낯설음, 생경함, 의외성이 발견된다. 그리고 이를 반어법과 아이러니의 화법이 지지해주고 있는 것이다.
류지선_동상이몽(同床異夢)_캔버스에 지우개 가루_73×61cm_2005
지우개 그림 ● 작가는 화면에다가 지우개 가루를 부착하는 방법으로써 일종의 동물 형상을 재구성해낸다. 동물을 소재로 차용한 점과, 그리고 동물에 빗대어 인간의 삶을 들여다본 점에서는 그 주제의식이 전작에서의 여타의 동물을 소재로 한 그림들에 이어져 있다. 지우개 가루를 이용하여 재현해낸 이 동물의 형상들은 그 질감이 실제 동물의 표피와 유사성을 암시해주고 있음에도 불구하고, 대개는 그 세부가 지워진 실루엣의 불완전한 모습으로 나타난다. 또한 정면을 응시하고 있는 포지션 자체는 물론 보는 이로 하여금 심리적인 불편함을 유도하기 위한 것이지만(일종의 인지 부조화 현상에 바탕을 둔), 이 역시 불완전한 모습이기는 마찬가지다(이에 반해 일부 측면으로 묘사된 동물 형상은 상대적으로 실제에 더 가깝다). 따라서 이는 그대로 익명적이고 양가적이고 다중적인 주체로 나타난 인간의 불투명한 정체성을 대리한다. 또한 동물들은 흔히 화면을 가로 세로로 교차하는 빈 막대에 의해서 가려진 형태로 현상한다. 이때 빈 막대는 일종의 양가적인 의미를 내포하고 있다. 즉 막대 자체는 동물들을 억압하고 가두는 창살이면서, 이와 동시에 타자로서의 동물들에 대한 공감을 호소해오는 십자가(인류애의 상징인)일 수도 있다. 마치 심리 테스트를 위한 그림처럼 이미지와 의미가 모호하게 만나고 있으며, 그만큼 중의적인 의미를 향해 열려 있는 것이다. ● 그런가하면 이 일련의 지우개 그림들은 재료의 확대라는 관점에서 접근해볼 수가 있다. 전작에서 작가는 이미 실리콘을 이용한 그림을 그리기도 했었다. 흔히 지우개 가루는 창작의 부산물로 간주되기 마련인데, 작가는 이와는 거꾸로 버려진 지우개 가루를 이용하여 그림을 그림으로써(엄밀하게는 그림을 재구성해냄으로써) 그리기 자체의 문제에 대해 반성한다. 특히 연필화에서 그리기란 연필에 의해 그려진 일방적인 프로세스로서보다는, 연필에 의한 그리기와 지우개에 의한 지우기(교정하기)의 상호 역동적인 관계로 보인다(목탄과 같은 단색의 묘화 재료를 이용한 그림 역시 그 경우가 다르지 않다). 그러므로 지우개에 의한 지우기는 실은 그리기의 한 부분인 것이다. 실제로 지우개 가루는 어떤 이미지를 낳는 과정에서 비롯되는 산물이며, 따라서 그 속에 그려진 그림을 숨기고 있는 것이다. 그러므로 지우개 가루를 이용하여 재구성해낸 작가의 그림은 그리기와 지우기의 역동적인 관계를, 그 불투명한 경계를 함축해내고 있는 것으로 보인다. ● 류지선의 그림들은 재현적이고 서사적인 문법에 그 바탕을 두고 있다. 그러면서도 직설적인 화법을 빌려 이데올로기와 메시지를 전달하려는 유혹에 빠지지는 않는다. 그보다는 외관상 무관한 여러 이질적인 의미의 편린들을 중첩시키고 대질시키는 방법으로써 다중적이고 중의적이고 암시적인 의미를 향해 열려 있다. 대중적인 소재와 동물적인 우화가 어우러진 그 그림들에서 삶의 풍경은 때로는 결핍으로, 그리고 때로는 과잉으로 나타난다. 인간의 부질없는 욕망(욕망은 결코 그 대상에 이르지 못한다)을 대리하는 동물들이 연민을 자아낸다. ■ 고충환
---------------------------------------------------
Play hysteria
고훈주 사진展
2005_0413 ▶ 2005_0424
고훈주_Play hysteria_컬러 프린트_152×254cm_2005
● 위 이미지를 클릭하면 스페이스 셀 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2005_0413_수요일_06:00pm
스페이스 셀
서울 종로구 삼청동 25-9번지
Tel. 02_732_8145
www.spacecell.co.kr
현대를 살아가는 인간은 이미 자기 자신을 스스로 제어하는 기술을 체득하고 있다. 이는 합리주의를 중심으로 이성과 감성을 나누는 이분법적 사고가 가져온 결과이다. 감정의 동선을 따라 본능적으로 행동하는 것이 사회체계의 붕괴를 불러올 것이라는 막연한 두려움은 과거 인간과 자연이 교감했던 영역을 스스로 폐쇄시켜왔다. 또한 근대의 역사는, 우발적으로 드러나 현실사회의 가치체계를 위협하는 인간의 동물적 본성을 저급하고 결함 있는 것으로 폄하해왔다. 따라서 사회화 된 인간들은 자연스럽게 작은 본능적 선택조차 불가능의 영역에 감금한다.
고훈주_Violent_컬러 프린트_152×254cm_2005
고훈주_Play hysteria_컬러 프린트_101.6×76cm_2005
작가 고훈주는 이러한 본성의 억지스러운 감금이 가져오는 정신의 피폐함에 눈을 돌린다. 작가의 개인적 경험에서 출발한 ‘Tic’-불안 심리를 반영하는 현상으로 스트레스와 억압에 대한 방어자세 이며 위험에 대한 적신호로, 반복적인 행위를 함으로서 증폭되는 불안을 잠식시키고 심리적인 안정을 꾀하는 본능의 적신호- 연작에서 볼 수 있었던 동물적 본성과 공격성, 방어본능의 직선적 뿜어짐은 이제 상호방향적 변형을 꾀한다. 작가는 이성이 지배하는 현실을 일방적으로 비난하지 않으며, 더욱이 동물적 본성이 더 고결한 것이라는 주장을 하고 있지 않다. 그의 작업과정의 궁극적 목적은 본능적인 것이 이성과 동등하도록 하는 균형의 몸짓을 되찾는 것이며, 그 몸짓의 주체가 건강한 정신을 유지하도록 자가 치료의 처방 법을 깨닫는 것이다.
고훈주_Play hysteria_컬러 프린트_101.6×76cm_2005
고훈주_Play hysteria_컬러 프린트_101.6×76cm_2005
형식적 측면에서 볼 때 고훈주의 작업은 미술사적으로 세 가지 흥미로운 특징을 보여준다. 우선, 첫 번째로 형상과 상징을 드러내는 ‘표현주의적 방법’이다. 작업의 과정에서 순간적으로 드러나는 본성의 폭발과, 즉흥적으로 터져 나오는 성격 등은 순간적으로 화면에 포착된다. 검은 칠을 입은 육체의 원시적인 행위와 가변성의 알레고리인 원색의 홀로그램 배경은 감각적이며 자극적이다. 두 번째는 특징은 ‘신체행위’이다. 70년대 퍼포먼스의 특징은 행위보다 우선되는 주체와 주체의 ‘신체’였다. 신체는 단순히 이성의 결과물로서 행위를 수행하는 보조적 매개가 아니라 미메시스MIMESIS의 언어가 다른 전개과정 없이 즉각적으로 표현되는 날것 그대로의 육체이다. 마지막으로 세 번째는 ‘사진’이라는 매체의 특성이다. 사진은 회화와 다르게 순간의 껍질을 잡아낸다. 인간의 눈이 도달하지 못하는 찰나의 조각을 집어내는 카메라셔터의 속도는 회화의 진정성과는 다른 사진만의 방법론을 가졌다.
고훈주_Violent_컬러 프린트_50.8×61cm_2005
Play hysteria라는 명제가 말해주듯 공격적이고 자기 방어적, 신경질적인 신체의 반응은 제거해야 할 것들이 아니다. 그것들은 오히려 삶을 건강하게 하기 위해 향유 될 수 있는 값진 것들이다. 건강한 히스테리의 장(場)에서 생산 되는 것은 결국 삶을 긍정하는 생산적 에너지이다. 여기에서 로고스logos의 잣대는 다른 세계의 메아리일 뿐이다. ■ 안현숙
--------------------------------------------------
인생
한재철 입체展
2005_0415 ▶ 2005_0428
한재철_돌아가시오!_자개, 혼합재료_30×110×195cm_2005
초대일시_2005_0415_금요일_05:00pm
갤러리 꽃
서울 마포구 서교동 337-36 지하 1층
Tel. 02_6414_8840
이번 전시는 그 동안 수집해 놓은 자개판넬을 일부 풀어 놓는다. 1997년 이후로 수년에 걸쳐 모아 놓은 자개판넬을 이사할 때 마다 곤혹을 치렀었는데 이번 전시를 통해 일부 제몫을 하게 되었다. ● 이번 전시의 주제는 일상에서 인간하고 가장 가깝다고 생각되는 기호들 중 「인생」이란 테마에 맞는 몇 개를 골라 입체적으로 형상화 해 보았다. ● 작업 내용면에서는 상투적이고 형식면에서는 다분히 디자인적인 요소가 강하다. 평소 전시장을 둘러보면 간혹 감동은 없고 난해한 작업들을 대하게 되는데 무지함에 답답해하고, 막연함에 안타까워 할 때가 많았다. 그래서 조금은 쉽게 풀어 보려 했다. 제목을 잘 나열해 보면 한편의 글처럼 서술적이다.
한재철_꿈_자개, 혼합재료_37×97×122cm_2005
한재철_끝없는 항해_자개, 혼합재료_46×250×46cm_2005
제목은 「LIFE」, 「WAY」, 「꿈」, 「돌아가시오!」, 「비상」, 「끝없는 항해」, 「S+11」, 「X+/ 」, 「?」 등이다. 「LIFE」, 「WAY」, 「꿈」은 문자를 조형화해서 인생을 객관적이고 심플하게 표현하고, 약간의 내용을 가미시켰다. 「돌아가시오! 」는 도로표시 중에 U-turn을 입체로 거대하게 형상화하였다. 어떻게 보면 이번 전시의 핵심이 되는 작업이라 할 것이다. 「비상」은 작업 후 남은 자투리를 모아 조합해서 날개를 만들어 날고 싶어 하는 인간의 희망이 상처투성이 임을 상징화 해 보았고, 「끝없는 항해」는 인생에 있어 진로를 이탈해 망망대해에 길을 잃고 방황하는 모습을 은유적으로 형상화하려고 했다. 「S+11」는 현실이고, 「X+/ 」는 영혼이 기댈 수 있는 종교를 말한다. 「?」는 알지 못함을 의미한다.
한재철_X+/_자개, 혼합재료_16×80×48cm_2005
한재철_LIFE_자개, 혼합재료_35×70×38cm_2005
한재철_S+11_자개, 혼합재료_32×58×66cm_2005
나의 작업 표현방식은 장인들이 취하는 미세한 처리방법은 피하려고 했다. 장인들의 섬세하고 미세한 표현을 빌려 쓰지만 내가 담고자 하는 본질을 방해할까 조심스럽다. 그래서 수집한 자개판넬에 감정이입을 절제하며 절단해서 다시 재구성하여 완성하는데, 재료의 특성상 빛을 받아 찬란한 반응에 비해 인생은 그다지 화려하지 않음을 보여주려 한다. 다르게 보면 무거운 인생살이가 위태롭고, 되돌리고 싶지만 삶 자체만으로도 의미있는 인생인 것으로 해석해도 좋겠다. ■ 한재철
----------------------------------
갤러리 인 (02-732-4677～8)
2005-04-15 ~ 2005-05-06
2005-04-15 오후 5시
<전시소개>
척박한 1960년대 한국현대사진의
메마른 땅위에 사진의 기록성에 본질을 두고 모던사진의 씨앗을 뿌렸던 사진작가 주명덕의 10번째 개인展이 팔판동 갤러리 인에서 열립니다.
<전시서문>
40년간의 그의 사진에서는 많은 변화를 보인다. 최초 다큐멘터리 사진으로
근대화의 뒤안길에 숨어있던 혼혈아, 초가, 정신대할머니들의 표정에서 사회적 문제들을 제기하고 한국의 샤머니즘과, 문화유산으로 앵글을 옮겨가면서
잊혀져 가는 우리의 것에 대한 향수를 불러 일으켰다. 최근 20여년간 보여주었던 풍경사진의 연작들은 조형성이나 구도 등 회화적인 면을 강조하면서
보다 형이상학적인 주제로 옮겨진다.
66년 홀트씨의 고아원로 시작된 내면적 경향의 저널리즘사진은 당시 사회의 센세이션을
불러일으키며 사진작가로써 그의 미래를 결정한다. 작가는 사진을 찍어도 아무도 실어주질 않았어, 보여주지 못하는 사진은 의미가 없지 그러면서
자연스럽게 풍경사진으로 관심을 옮기기 시작 했어라고 그동안 자신의 작품이 변하게 된 이유에 대해 설명한다. 사회적 암흑기에 다큐멘터리 사진의
한계를 느끼기 시작한 작가는 점점 대상에 대해 거리를 두고 보기 시작한다. 우리사회 가까이에서 잊혀져가는 것들을 기록하고 재현적 의미를 찾기보다
그것들이 생겨난 우리의 풍경에 관심을 가진 것이다. 주제는 작은 넝쿨, 꽃, 나무에서 숲으로 그리고 산, 도시로 옮겨 간다. 그러나 결국 대상을
기록하고 그 안의 감추어져있던 의미를 찾아내는 과정은 그가 40년동안 이뤄온 예술사진의 핵심이다.
이번전시에서 주제는
풍경(Landscape)을 이다. 지금까지 그의 풍경사진에서는 회화적인 구도 안에 보 일 듯 말 듯 한 어둠 속 형태에서 오는 깊은 내면의
무게가 느껴진다. 80년대 중반 첫선을 보인 풍경 시리즈는 한국의 풍경, 잃어버린 풍경으로 발전시켜왔다. 그러나 그의 관심은 다시
Landscape으로 돌아온다. 하지만 거꾸로 돌아간 풍경이 아니라 새롭게 태어난 풍경이다. 과거 풍경작품이 景致(자연적 아름다움)의 의미가
강했던 반면 지금은 넓은 의미의 Landscape이다. Land는 경작하거나 집을 지을 수 있는 장소, 넓게는 그 나라가 소유하는 장소를
의미하고 scape은 그 대상을 관망, 거리를 두고 바라보는 것을 뜻한다. 결국 우리가 살아가는 땅, 우리가 생활하고 우리가 뿌리내린 곳을
관찰함으로써 20여년간의 Landscape은 새롭게 탄생되었다.
그는 예전에 다뤘던 산을 다시 끄집어내지만 방법적인 면에서 커다란
변화를 보인다. 컬러 인화한 풍경이 그것이다. 전체적인 흐름은 흑백의 구도를 보이지만 자세히 보면 대상 그대로의 색으로 표현되었다. 포지티브인화
방식은 있는 그대로의 모습을 보여주고 고유한 색상을 드러냄으로서 사진의 사실성을 강조한다. 그러나 이번 컬러작업은 네거티브작품보다 더 깊은 암흑
속으로 빠져들게 한다. 실체를 드러냈음에도 불구하고 더욱 깊어진 느낌은 무엇일까? 어둠속에 사라져 존재를 가늠 할 수 없는 것보다 고유한 색과
형태를 그대로 보여 주는 것이 더욱 깊고 고요하게 다가올 수 있다는 사실에 놀라지 않을 수 없다. 한 가지 주제를 10년은 찍어봐야 그것이
무엇인지 조금 감이 오는 것 같다. 라는 그의 말에서 치열한 작품세계를 엿볼 수 있다.
이번전시는 주명덕식 거리 두고 바라보기를
통해 쉴 세 없이 앞만 보고 달려가는 각박한 우리의 현실을 한 발짝 떨어져 생각 해 볼 수 있는 여유를 제공하고 또한 한국 현대사진의 초석을
세웠던 주명덕 사진의 새로운 의미와 가치를 느낄 수 있는 계기가 될 것 이다
글/ 황인성(갤러리 인 큐레이터)
|
|
