zabel

(2004-03-12 08:52:29, Hit : 1018, Vote : 280)

http://gelatinemotel.byus.net

[전시]일민 + 몽환 + 김영섭 + 그린 + 경인 + 잔다리 + 룩스 + 문화일보

----------------------------------------------------------------------------------------------- 아마도 오형근 사진의 가장 큰 전환이 될만한 테마가 아닌가 한다. 여고생. 어떻게 하려하는 것인진, 정말 모르겠다.----------

오형근 사진전 <소녀연기 Girl's Act>

전시기간 : 2004-3-26~2004-5-2
전시장소 : 일민미술관
문의:02-2020-2055
http://www.ilmin.org

< 전시개요 >

소녀연기(少女演技)
사진가 오형근에게 ‘아줌마’는 넘어서야 할 콤플렉스일까, 아니면 든든한 백그라운드일까. 오형근은 ‘아줌마’ 사진작업으로 당시 사회적 신드롬을 재 확인했고, 또한 이로 인해 미술계에 이름을 알리게 됐지만 정작 그는 아줌마가 싫다고 말한다. 그런데 사진가 오형근이 이번에는 ‘소녀연기’라는 제목으로 여고생을 찍었다. 그렇다면 ‘소녀연기’는 또 다른 신드롬을 위한 전략일까. 아니면 사회구조에 대한 관심의 발현일까. 또한 작가로 하여금 여고생 작업을 가능케 한 우리 시대의 모습은 무엇인가. 그는 이 작업을 통해 사회의 기득권이 만들어낸 여고생 이미지를 드러내고, 그 밑에 담겨진 은밀한 시선을 이야기하고자한다. 흥미로운 것은 그 들춰진 이미지를 바라보는 시선에는 작가 자신도 있음을 오형근은 부정하지 않는다는 사실이다.

오형근 사진작업의 절반은 영화에 관련한 것이다. 이러한 사실이 그가 영화적 시선을 잘 잡아내는 능력을 영화인들에게서 인정받는 것인지, 아니면 본래 그의 사진에 영화적 요소가 담겨있는 것인지는 확실치 않다. 무엇이 먼저이던 간에 오형근은 예의 사진작가들과 다른 색채를 지닌 작가다. 그가 미국에 머무르는 동안 찍은, 거리에서 어울리는 미국인들의 모습을 담은 ‘미국인 그들(Americans Them)’이나 영화 촬영현장의 시민 연기자들과 군중을 기록한 ‘광주 이야기(Kwangju Story)’는 작가가 비록 사진의 기본 전제인 스트리트 포토그래퍼(street photographer)로서의 사진을 추구했다 하더라도 다른 사진작가들과는 상당히 다른 면모를 보이고 있다. 미묘한 연출력이 엿보이고, 여기에는 인물의 내러티브가 담겨져 있다.

일민미술관이 마련하는 오형근의 <소녀연기>작업은 이제까지 보여줬던 작가의 연출력을 조금 다른 각도에서 보여준다. 기존의 작업들이 무의식적 연출이었다면 이번의 여고생 작업은 의도적인 연출이라는 점에서 그러하다. 작가는 사진 상에는 잘 보이지 않지만, 무대를 만들기도 하고 장치를 사용하기도 함으로써 여고생 이미지를 형상화하고자 한다. 작가에게 여고생이 지니고 있는 실제 이미지의 진정성에 대한 고민은 무의미하다. 작가는 우리 사회가 만들어낸 표피적 상징으로서의 여고생 즉 소녀 이미지를 마치 채집하듯 잡아내고, 이것을 펼쳐 보이고 있다.

사진가가 갖기 마련인 허구와 실제 사이의 갈등은 더 이상 의미가 없어 보인다. 오히려 <소녀연기>연작은 이 두 요소를 적극적으로 결합하고 있음을 드러낸다. 작가는 이번 작업에서 사진의 방법론적인 고민을 넘어, 그의 작업을 자신이 구성원으로 속해있는 사회의 한 현상을 읽어내는 도구로써 그 가치를 살려내고 있다.

교복을 착용한 소녀들은 자신들이 이제껏 익혀왔던 표현능력을 맘껏 발휘한다. 학생 신분의 표식인 교복이 그 일차적 기능에 앞서 권력집단의 취향임을 인식하지 못한 채 렌즈를 향해 정면대응의 소녀연기를 펼친다. 순수하고 풋풋한 향기가 더 아름답다는 것을 깨달을 새도 없이 그녀들은 사회가 쳐놓은 미적 욕망의 그물망에 걸려들어 버리는 것이다. 그렇다고 이를 부정한다는 것은 무모하다. 오히려 반복하여 정렬된 여고생 연작에서 우리는 단정할 수 없는 미지의 아우라를 깨닫게 된다. 오형근은 자신이 지닌 영화적이고 대중문화적 재능을 유감없이 발휘하며 사회의 한 단면을 이야기하고, 우리는 그의 작업을 통해 현실을 확인하고 있다.

-김희령/ 일민미술관 디렉터

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수경 개인전

"자학기계"

2004년 3월 1일 ▶ 3월 31일

복합문화놀이공간 "몽환"

관람시간_05:00pm~02:00am

서울 서대문구 창천동 52-30번지 Tel. 02_325_6218

재미와 가벼움으로 대중과 소통하는 작업을 해온 수경 작가의 이번 전시는 <자학기계>이다. 등장하는 소재들을 한지에 그려 넣어 붙이는 작업을 통해 관객들은 마치 스티커처럼 이동할 수 있는 자유로운 상상의 공간을 만들어 내게 되고 관객 스스로 다양한 이야기를 구성할 수 있게 된다. 발의 냄새를 맡는 남자, 사나운 개의 이빨을 향해 뻗은 손, 선인장을 밟기 직전의 발 등 비일상적인 표현들은 그러한 상상의 공간 안에서 자유롭게 유희되고 고통은 배설된다. 그럼으로써 관객은 시원함을 느끼게 된다. 특히나 이번 전시는 차와 음료를 즐길 수 있는 공간에서 열림으로써 작가의 작품들을 한층 가볍게 즐길 수 있을 것이다.

수경 개인전 <자학기계-킬킬킬, Kill, Kill, Kill>

오마이뉴스 김조영혜(0shine) 기자

손가락 사이를 오가는 컴퍼스, 찔리기 위한 놀이를 즐기는 손가락들. 보기만 해도 지독한 냄새가 풍겨지는 신발을 향해 킁킁거리는 코. 찔리면 족히 한달은 고생할 만한 날카로운 가시가 돋힌 선인장에 들이민 발.

작가 수경의 개인전 <자학기계-킬킬킬, Kill, Kill, Kill>은 일상 속의 자학을 '킬킬'거리며 비웃는다. 찔리고, 뜯기고, 물리는 엽기 발랄한 그녀의 작품 앞에서 관객은 "킬킬" 웃음을 날리지만, 그 웃음 뒤에선 억눌려왔던 무의식의 자학성이 수면 위로 고개를 내민다. 관객은 놀이로써의 '자학'을 대면하며, 내면에 숨겨 놓았던 자신의 자학성을 배설하고 유희한다.

작가 수경의 세 번째 개인전인 <자학기계-킬킬킬, Kill, Kill, Kill>에 등장하는 인물들은 짝사랑하던 여자의 발 냄새를 맡거나 스스로 간지럼을 태우며 화를 낸다. 육체적인 괴롭힘을 통해 정신적 쾌감을 얻는, 자학의 본성들이 작품을 통해 재현된다. 하드 코어 포르노에서나 등장하는 것으로 여겨졌던 '자학'이라는 주제가 '일상'을 소재로 함으로써 '재미와 가벼움'으로 관객에게 다가서고 있는 것.

이번 전시에 출품된 작품들이 '이동성'을 담보하고 있다는 것도 작품의 일상화를 추구하는 수경의 작품 세계를 보여준다. 한지에 그려진 작품들을 오려내 스티커처럼 벽이나 판넬에 붙여 놓은 것은 관객에게 자유로운 상상의 공간을 선사하고 있다.

특히 <차돌박이의 자학>은 전시 공간의 '빨간' 벽지를 염두에 두고 그린 것으로 벽지를 '싱싱한 차돌박이 고기'로 인식한 배고픈 젓가락질을 '자학'의 행위로 해석하고 있다. 얼핏 "픽" 웃음이 나는 일상의 소재들이 작품으로 생산된 것이다.

수경의 이번 작품들은 지난해 열린 두번째 개인전 <얘기들>과 마찬가지로 '이야기'를 전면에 내세우고 있다. 한국화를 전공한 작가로서는 색다른 작품 세계를 보여주는 그녀의 최근 작품에서는 만화적 요소를 찾아낼 수 있다.

단순화한 드로잉과 강한 색채 대비로 마치 한컷 만화를 연상시키는 그녀의 작품들은 작품 전면에 '이야기'를 배치함으로써 만화적 요소를 더욱 가미하고 있다.

"내 그림이 만화책이나 드라마처럼 대중들에게 무리없이 읽혀지기를 바란다"는 수경은 기존 화단의 흐름에서는 드문 스토리성 강한 회화를 선보이고 있다. 수경의 작품들은 그림을 그림만으로 보게 하지 않고, 글을 배치함으로써 작가의 의대도로 읽히게 하는 일종의 장치를 두고 있는 셈이다.

활발한 작품 활동을 보이고 있는 수경은 오는 5월, <가수 앵앵이 양의 삶과 죽음>이라는 주제로 '앵앵이'라는 가수의 일생을 조명할 예정이다. 그녀는 '앵앵이'란 이름은 "가장 조악하고 천박한 말이 없을까 하다가 생각해 냈다"라며 "가상인 여가수의 일생을 통해 남성중심적인 사회의 속성을 꼬집을 것"이라고 말했다.

수경의 두번째 개인전 <자학기계-킬킬킬, Kill, Kill, Kill>은 3월 한달간 신촌의 복합문화놀이공간 몽환에서 전시된다.

http://www.tnrod.com (수경작가의 홈페이지)

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zabel (2004-03-16 04:03:52)

49개의 방

로댕갤러리기획

안규철 展

2004_0305 ▶ 2004_0425

초대일시_2004_0304_목요일_04:00pm

작가와의 대화
3월13일(토) 오후2시

로댕갤러리
서울특별시 중구 태평로 2가 150번지
삼성생명빌딩 1층
Tel. 02-2259-7781~2

로댕갤러리는 "개념적인 미술"의 대표작가로서 미술이 시각의 영역을 넘어 문학과 사상의 세계로 확장되는데 기여해 온 안규철의 작품세계를 통해 '생각하는' 미술의 가능성을 가늠해 보는 『안규철 : 49개의 방』전을 개최한다.

1980년대이후 사진과 조각, 글쓰기 작업을 통해 사회 비판적인 시각을 견지해온 작가는 1992년부터 만드는 오브제 조각을 통해 압축된 단어와 조형이 결합된 독자적인 조형의 세계를 구축했다. 또한 1990년대 중반부터는 직설화법을 버리고 은유의 세계로 들어서, 사회와의 일정한 거리두기를 통해 더 많은 상상력을 확보하기도 하였다.

이번 개인전에서 새롭게 선보이는 일련의 <방> 작업은 관객들의 보다 실제적인 신체의 경험을 유도하는 것으로서 일종의 가상현실을 통해 현실의 불완전함과 모순을 되돌아 볼 수 있는 작품이다. 뿌리내리지 못하고 부유하는 삶에 대한 시선과 사라지는 현실을 버티고 보존하려는 열망, 그리고 미지의 공간 앞에 설 수 밖에 없는 상황 속에서 관객은 낯설고 내 안에 부재하는 삶에 대해 사유하는 계기를 맞게 될 것이다.

1999년 개인전 이후 5년 만에 열리는 이번 전시는 신작 중심의 설치 작품 6점과 드로잉, 모형 시리즈로 구성되어, 사회적 모순을 우화적, 만화적 감수성으로 공간화 하면서 말과 사물, 내용과 형식 이라는 두 가지 목표를 동시에 추구하고 있는 작가의 독자적인 예술세계를 심도있게 조명하는 계기가 될 것이다.

zabel (2004-03-19 08:14:57)

'夜'

최영진 사진展

2004_0315 ▶ 2004_0327

최영진_夜_한지에 흑백인화_88×32cm×3_2002~3

● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.030903b | 최영진 사진展으로 갑니다.

초대일시_2004_0315_월요일_06:00pm

그린포토 갤러리

서울 중구 충무로 2가 52-10 고려빌딩 지하 1층

Tel. 02_2269_2613

언제부터인가 난 사소한 것들에게 다가가서 관찰하고 말을 거는 일이 습관처럼 되었다. 도시가 잠든 밤의 풀과 나무들은 가로등과 마주하고 뒤 편 벽에 길게 벽화처럼 보여지는 그림자들은 영혼의 조각처럼 내 안에 들어와 자리한다.

최영진_夜_한지에 흑백인화_32×88cm×2_2002~3

최영진_夜_한지에 흑백인화_88×32cm×3_2002~3

최영진_夜_한지에 흑백인화_32×88cm×2_2002~3

그림자는 실존이 아니라 실존과 빛이 만나 흔적이 보여지는 모습이고 이는 공간 위에 존재하지만 공간을 만들지는 않는다. 불투명하게 보이지만 투명하며 하나의 실존에 몇 개의 존재로 보여지고 그 위에 겹겹이 겹치지만 침묵한다. 여기에는 큰 것도 작은 것도 비교되지 않으며 많은 것과 소소한 것과도 아무런 관계가 없는 무중력 상태인 것이다. 이 작업은 내 의식의 통로로 작용하고 하나의 흔적으로 기억된다. ■ 최영진

zabel (2004-03-19 16:00:01)

강홍규 개인전

Ultra Chrome 70cm * 50cm

Ultra Chrome 50cm * 70cm

Ultra Chrome 50cm * 70cm

▣ 전시장소 : 경인미술관 (02-733-4448)
▣ 전시일정 : 2004년 3월17일-3월23일
▣ 초대일시 : 2004년 3월19일(금) 오후5시

| 전시서문 |

窓으로 본 아비뇽

● 정 병 설 (서울대 국문학과 교수)

창문은 세상을 향한 출구다. 그 출구는 인간의 세상에 대한 생각을 보여준다. 큰 창문, 작은 창문, 네모 창문, 원형 창문, 흰 창문, 검은 창문, 철제 유리 창문, 목재 종이 창문, 밖에서 안을 볼 수 있는 낮은 창문, 그럴 수 없는 높은 창문. 다양한 형태의 창문들은 다양한 인간의 모습이자 복잡한 인간성의 반영이다.

프랑스 남부를 들러본 사람들은 누구나 너른 들, 따뜻한 기후와 함께, 개성적인 창문들에 쉽게 매혹된다. 다양한 인간의 모습과 복잡한 인간성이 모두 예술적으로 표현되고 있어서, 다양성과 복잡성이 어지럽고 혼란스러운 것이 아니라 인간의 풍요로운 자산임을 깨닫게 한다.

강홍규 교수는 그 예술적 자산을 렌즈에 담아내고 있을 뿐만 아니라, 디지털 기술로 편집함으로써 더욱 극적인 국면을 이끌어내고 있다. 그는 창문을 안이 아니라 밖에서 담아내고 있다. 이는 인간이 보는 세계의 모습이 아니라, 인간이 세계를 보는 방식, 또는 세계와 만나는 방식을 알고자 한 것이다. 또한 그는 시종 어두운 벽과 밝은 창문을 대조하고 있다. 이는 인간의 세상에 대한 두 가지 모순된 욕망을 나타낸다. 열린 창문을 통하여 세상과 만나고자 하는 욕망을 표현하고, 동시에 벽을 통하여 안으로 숨고자 하는 욕망을 드러내고 있는 것이다. 강홍규 교수는 그런 대극적 욕망을 더욱 극대화하기 위하여 디지털 편집까지 동원하고 있다. 편집을 통해 표현된 기하학적 구도는 인간 욕망의 극단을 보여준다. 그의 사진들은 갇혀 있는 편안함과 열린 세상의 환한 빛을 동시에 보여주는 그림자다.

작가노트 |

우리는 지금 새로운 시대의 탄생, 즉 후기(post) 사진 시대에 접하며 살고 있다. 활동사진 기술에 의해 영화라는 새로운 예술 장르가 발생하였고, 비디오 기술에 의해 비디오아트가 생겨났듯이, 컴퓨터, 디지털, 인터넷의 발전은 새로운 사진의 형식을 낳고 있는 것이다.

“멈춰진 곳에 나의 시선을 두고 싶지 않다 ”
디지털 이미지는 그 자체의 원본성은 없다. 하지만 어떤 누구도 동일한 경험을 할 수 없기에 유사성은 없으며, 마치 Jazz 연주나 Live 공연과도 같이 자기만의 독특한 해석이 가능하다.

“이제는 해체 할 때가 왔다. 더 이상의 독재는 필요 없다.”
시간과 장소의 장벽을 허물고 자신만의 아름다움을 표현할 수 있는 것은 디지털과의 상호작용으로부터 시작되며 각자의 결정에 따라 독특한 길을 따라 갈 수 있는 기회를 제공 할 것이다.

많은 사람들이 프랑스의 아비뇽이라 하면 ‘예술과 문화의 도시’만을 떠 올린다. 하지만 나는 이 곳의 건축물의 일부분인 문과 창문을 통하여 작은 도시의 여유로움과 소박함속에서 나오는 그들만의 감각적인 삶을 이야기하고자 한다. 나에겐 사람들이 많이 다니는 대로 보 다는 그들의 관심 밖인 골목길들이 더욱 정감 있었다. 사진으로 모든 걸 이야기 할 순 없지만 여러 작업들을 통하여 사진적 요소와 조형적 요소를 공존케 하였으며, 디지털 사진과 비디오를 통해 창조성, 상상력을 마음껏 자랑하고자 한다.

● 강홍규 (전시작가)

작가약력 |

강 홍 규

1992.2 중앙대학교 사진학과 졸업
1996.12 Academy of Art College
Motion picture & Video 학과 대학원 졸업
2000.3 - 2001.9 계명문화대학 겸임교수
2002.3 - 현재 중부대하교 사진영상학과 교수

| 개인전 |
1996.12 미디어가 인간에게 끼치는 영향에 관한 16mm film "cannibals"
Academy of Art College 내 갤러리

| 단체전 |
2003.3 “민예총 사진전” 청주예술의 전당
2003.11 “이마고전” 대전 시민문화회관
2004.2 “신진사대부전” 현대백화점 하늘공원

zabel (2004-03-20 13:15:58)

도회풍경_都會風景_TOWNSCAPE

주명덕 사진展

2004_0326 ▶ 2004_0430

주명덕_Townscape_컬러인화_2004

● 위 이미지를 클릭하면 스타일 큐브 잔다리 홈페이지로 갑니다.

초대일시_2004_0326_금요일_05:00pm

스타일 큐브 잔다리

서울 마포구 서교동 358-121 2층

Tel. 02_323_4155

1. 예전에 자주 쓰던 '도회_都會'라는 말이 있다. '도시_都市'라는 좀더 커다란 경제 및 행정구역을 일컫는 말에 비하면 뭔가 아련한 추억이 있을 것 같은 빛 바랜 단어이다. 인구가 많고 번화한 지역을 의미하는 '도회'는 인간 생태 및 환경의 입장에서 여러가지 해석이 가능한 갖가지 경험들을 제공한다. ● 한적했던 마을이 점차 분주해지면서 낯설은 건물들이 다투어 들어서고 타지 사람들의 왕래가 잦아지면서 변화하는 생활에 적응하지 못하는 토박이들은 결국 뿔뿔이 흩어져 살아갈 수밖에 없는 안타까운 생활사가 오래전부터 펼쳐지고 있다. 이렇게 형성된 도회는 어느 순간 그곳에 살고 있는 사람들에 의해서가 아니라 스스로 커져만 가는 도회 자체의 상업화된 욕망에 잠식되어 하루가 다르게 그 높이와 너비를 확장해 나가기 시작한다. 급기야 메트로폴리탄. 안락하고 호젓한 생활을 보장한다기보다는 삭막하고 냉담한 경쟁과 규칙들에 얽매이게 만드는 피곤한 삶의 연속이다. ● 도회는 굳이 남한의 1960년대 1970년대 '이촌향도_離村向都'를 떠올리지 않더라도 시골사람들에게 '동경_憧憬'의 대상이었다. 어느덧 오늘날 서울사람들에게는 전원생활이 동경의 대상이 되었지만 첨단 물질문명의 혜택을 누릴 수 있다는 점에서 도회생활은 떨쳐버리기 힘든 매력을 지니고 있음은 분명하다. 특히 젊은이들에게는 무한한 가능성을 제공하는 장소로 예측할 수 없는 많은 만남과 기회를 만들어 준다. ● 요즘은 시골이라 하여도 험준한 산골이나 낙도를 제외하고는 이미 도회생활에 익숙해져 있다. 시골의 작은 마을에도 잡동사니 가득한 어수선한 '전방_廛房'이 아닌 밝은 형광등 아래 로또를 판매하는 '24시간 편의점'이 들어서고 있다. 물론 그 주변에는 어김없이 이동통신사들의 핸드폰 매장과 티비광고에 나오는 베이커리 또는 패스트푸드 체인점들이 각진 아파트들과 함께 자리잡는다. 이제 시골은 시골사람들의 생활보다는 도회사람들의 막연한 상상에 의해 존재하는 추억의 공간이 되어버렸다.

주명덕_TOWNSCAPE_컬러인화_2004

주명덕_TOWNSCAPE_컬러인화_2004

2. 작가 주명덕은 독특한 도회감성을 지니고 있다. 그도 그럴 것이 그는 40여년을 사진과 함께 지내왔다. 그리고 이와 더불어 서울이라는 장소의 변화무쌍한 모습을 묵묵하게 지켜보았던 까닭이다. 아마도 40여년전 서울의 모습을 돌이켜보고 그 당시 20대 중반이었던 주명덕의 활동을 상상해 보면 그닥 어렵지 않게 왜 주명덕의 최근 사진작품에 대해서 'Cityscape'가 아니라 『TOWNSCAPE』라 명명했는지를 간파해낼 수 있을 것이다. 당시 작은 마을이었던 서울이 지구촌에서 무시하지 못할 규모로 커져 왔던 것처럼 주명덕 또한 청년시절 사진에 대한 단순한 호기심으로 출발하였던 것이 이제는 무시하지 못할 시각 이미지 생산자로 성장하였기 때문이다. 그래서 그런지 그의 눈과 렌즈에 맺혀지는 서울의 풍경은 괴기스럽게 거대하다거나 냉담한 도시가 아닌 만만하고 익숙한 생활의 터전인 도회로 읽혀질 수 있겠다는 생각이다. ● 1966년 『섞여진 이름들』전(중앙공보관)의 홀트씨 고아원 사진에서 출발하여 1999년 『An die photographie』전(금호미술관)까지 주명덕 사진의 묘한 코드는 남한이라고 하는 지역성이다. 그리고 그곳 사람과 자연의 애틋한 현실이다. 이번 『TOWNSCAPE』전은 1989년 『LANDSCAPE』전(서울미술관) 그리고 1999년 『An die photographie』전과 호흡을 같이 한다. 다른 점이 있다면 이전의 전시들은 인공의 것이 전혀 없이 자연만으로 이 땅의 표정들을 담아내고 있었다는 것이다. 『TOWNSCAPE』전에도 자연은 들어와 있다. 당연히 인공물과 함께 어우러진 도회 속의 자연은 땅의 표정이라기 보다는 가꾸어진 자연이다. 하지만 『TOWNSCAPE』전에도 단 하나 꾸며질 수 없는 것이 포착된다. 그것은 하늘이다. 이번 전시에서 주명덕은 땅의 표정만큼 다양한 하늘의 표정을 인공 축조물들과 함께 읽어내고 있다.

주명덕_TOWNSCAPE_흑백인화_2004

주명덕_TOWNSCAPE_흑백인화_2003

주명덕_TOWNSCAPE_흑백인화_2004

주명덕_TOWNSCAPE_흑백인화_2003

주명덕_TOWNSCAPE_흑백인화_2004

3.『TOWNSCAPE』전에서 주명덕은 인공 축조물, 자연 조경물, 그리고 하늘이라는 3가지 조건을 묘하게 융화시킨다. 때로는 대립일 것 같기도 하고, 때로는 주종관계에 놓일 것 같은 이들을 한 화면에 한 덩어리로 포착해 내기 위해서는 여러 해법이 요구된다. 때로는 비오는 날의 오후를 이용하기도 하고, 때로는 어두운 밤이나 잔뜩 흐린 날, 그리고 눈부시도록 쾌청한 날 등을 선택하여 이 셋을 묶었다. 아무래도 각기 다른 표정들을 포괄하기 위해서는 무언가 좀더 쌘 것이 필요했을 것이다. 주명덕은 대부분의 풍경화에서 그렇듯이 이 역할을 담당하는 것을 잘 알고 있었다. 그것은 바로 '대기의 흐름'이다. 주명덕의 『TOWNSCAPE』전이 『LANDSCAPE』전과 견줄 수 있는 힘도 바로 이 '대기의 흐름'으로부터 나온다. 그리고 밀도 있게 포착된 '대기의 흐름'은 하늘의 표정을 빌어 더욱 단단해진다. 그런 까닭에 『TOWNSCAPE』전에 출품될 몇몇 작품들에서 유독 하늘이 눈에 들어왔던 것 같다. ● 그리고 놓치지 말아야 할 것은 '대기의 흐름'만큼 중요한 '시간의 흐름'이다. 물론 그 '시간의 흐름'은 주명덕에 의해 셈해진다. 멀리 조선호텔이 함께 보이는 미도파 골목, 무거운 처마를 지고 있어 짓눌려 보이는 신라호텔 정원, 딱딱하게 각이진 세종문화회관 기둥에 흐드러지게 드리워진 나무그림자, 높다란 교보빌딩 옆에서 마냥 하늘거리는 나뭇잎, 어수선한 조명등이 얽혀있는 홍대앞, 비오는 날 남산타워가 보이는 찻집 창가... 여러 장소와 더불어 주명덕이 가졌던 짧지 않은 시간들이 겹쳐진다. 그래서 주명덕의 최근 사진을 도시가 아닌 도회풍경으로 읽어내려 한 것이다. ■ 최금수

홍대정문 맞은편 놀이터 올라가다가 4거리 오른쪽 가다 왼쪽 붉은 철판건물 2층

zabel (2004-03-26 13:58:36)

the exotic seoul

이종화 사진展

2004_0324 ▶ 2004_0330

이종화_031011 상도_컬러인화_20×24cm_2003

● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.030501a | 이종화 사진展으로 갑니다.

갤러리 룩스

서울 종로구 관훈동 185 인덕빌딩 3층

Tel. 02_720_8488

서울의 꿈은 서울 밖에서만 꿀 수 있다. ● 가끔씩 내가 서울토박이라면 이렇게까지 서울에 집착하였을까하는 생각이 듭니다. 한때 서울은 내게 있어 憧憬의 대상이었습니다. 단 한 번의 상경만으로도 강렬한 인상을 주었고 시간이 지나면서 그 인상은 생명력을 가지고 저 혼자서 살아 움직거리기 시작했습니다. 그 뒤로 서울은 나의 모든 것 위에 군림하는 존재가 되어버렸습니다. 그러나 그런 동경 따위가 없어진 지금까지도 서울에 집착하는 이유는 뭘까?

이종화_030815 상도_컬러인화_20×24cm_2003

이종화_030815 상도_컬러인화_20×24cm_2003

상도동을 지나다가 마지막까지 상도동을 지키고 있는 사람들이 내게 묻었습니다. 지금 당신은 여기에서 무얼 하고 있느냐? 나는 할 말을 잃었습니다. 나는 상도동에서 무엇을 하고 있는 걸까? 힘들게 버티고 있는 사람들의 눈에 나는 단지 지나가는 방관자이고 어떤 생각도 없는 구경꾼에 불과했습니다.

이종화_030815 금호_컬러인화_20×24cm_2003

이종화_030816 옥수_컬러인화_20×24cm_2003

나름대로 긴 시간동안 서울을 바라보아 왔지만 아직도 이 작업의 효용성에 대해 잘 모르겠습니다. 바뀌어 가는 서울의 모습을 일정한 거리감으로 담는 작업은 기록적인 면에서 분명히 가치 있는 일일 겁니다. 바라보는 나와 바라보이는 대상사이의 거리감이 사진을 이루는 근거가 되고 여태까지 서울이란 주제를 다루게 하는 지도 모르겠습니다. 하지만 이것이 또한 작업에 대한 지독한 회의감에 날 빠뜨리기도 합니다. ● 앞으로도 작업은 더 계속될 겁니다만 서울은 어쩔 수 없는 이방의 거리이고 나는 이국의 거리를 두리번거리는 낯선 여행객에 불과합니다. ■ 이종화

zabel (2004-03-26 18:55:18)

문화일보 기획공모당선전

'PLAY BUTTON'

2004년 4월 1일(목)
▶ 4월 14일(수)

문화일보 갤러리
onclick="window.open('','new','toolbar=no,location=no,directories=no,status=no,menubar=no,scrollbars=no,resizable=no,width=370,height=200')"
href="http://artin.com/image_news/map_munhwailbo.gif" target=new> face=굴림>[약도보기]

http://gallery.munhwa.co.kr

서울 중구 충정로
1가 68번지 문화일보사 2층

개막식: 4월 1일(목)
오후6시

그 어떤 것이 진행되기 위해서는
시작에 있어서 에너지를 필요로 한다. 즉 '시작적 에너지'를 필요로 하는 것이다.
이는 무중력 상태에서 초기적 에너지에 의해 무엇인가가 계속 운동하게 되듯이 그
첫 에너지를 말하는 것이다. 이는 물질적 진행의 시작과 동시에 그 외의 정신적 진행의
시작 등 모든 것에 적용되어 지는 에너지이자 움직임이다. 이런 시작적 에너지는
미술의 시작에 있어서도 예외가 될 수는 없을 것이다. 이와 같은 움직임들을 작품으로
끌어 올 때 이 움직임은 좀 더 구체성을 가지고 관객의 시각을 통해 관객은 작품을
감상하게 된다. 이처럼 이번 전시의 의도는 작가들의 보여지지 않는 움직임(작가의
사고)들을 '시각적 에너지’를 통해 좀 더 구체적이고 활동적으로 이끌어내고자 함이며,
또 작가와 관객의 매개체인 작품을 관객이 보다 더 쉽게 접근 할 수 있도록 하고자
함이다. 더 나아가서는 또 다른 ‘시작적 에너지’를 바라보고자 한다. 이는 우리가
TV를 보기 위해 모니터를 '바라보는 행동'에서 끝나는 것이 아니라, 플레이 '버튼을
누르는 행동'으로의 구체성을 가질 때 비로소 그 안에서 방영되는 것을 감상 할 수
있다. 이와 같이 미술에 있어서도 관객이 작품을 감상하기 위해서 전시장에 왔을
때, 관객이 작품에 적극적인 움직임을 가질 때 전시는 보다 활동성을 가지고 진행되어
진다. 즉, 작가는 개념을 가지고 프로그램과 같은 체계를 만들고 이를 T.V와 같은
물체를 통해 표현함에 있어서 관객이 그저 T.V와 같은 물체(작품)를 보고 그저 스쳐
가는 것이 아니라 T.V란 겉 물체만이 아닌 그 속에 담겨있는 내용을 보기 위해서는
플레이 버튼을 누를 때 작가와 관객과의 소통의 길이 좀 더 가까워지는 것이다.

이와 같이 관객 행동화의(플레이
시킨다는 개념)시작은 곧 진행을 의미하게 된다. 이처럼 미술의 활성적 진행을 위해서는
우리의 시작에 있어서 관객의 활성화를 가져야 한다고 보는데 그에 따라 우리는 관객이
플레이 버턴을 누르는 적극적인 행동화를 이야기 하고자 한다. 즉 이는 결국 관객의
작품 참여를 이야기하는 것이 될 것이다.

이와 같은 시작과 그에 따른
진행은 관객과 작가 그리고 작품 관의 관계에 따른 시작과 진행이며, 이는 관객으로부터
자연스러운 작품의 참여를 가지게 될 것이라 본다. 또한 그 속에서 관객과의 소통이
진행될 것이다. 이와 같은 관계성 속에서 작가와 작품 그리고 관객은 작품의 하나의
요소로 자리하게 되는 것이다. 이와 같이 전시의 활성화를 위해서는 관객의 시작적
에너지를 필요로 하는데 이에 있어서 관객의 적극적인 태도, 즉 플레이 버턴을 누르는
관객의 참여를 유도 하고자 한다.

김영석 전시작품설명

도미노,
사진,
하드보드지를 이용한 조형물

본인의 작업에 있어서 참여라는
것 그것은 용기가 필요함을 말하고 싶다. 적극적 참여라는 것은 변화를 만드는 것이며
그에 따른 책임감을 부여하는 것이다. 이미 삶이라는 자체가 자의적이던 타의적이던
서로의 영향력을 주고받는 것일 것이다.

[기존작품 설명]

집합,
16 * 20inch
포토그램

사진적 의미파악에서 모홀리 나기라는
작가가 선보인 포토그램이라는 방법은 사진이라는 (photography) 그리스어로
빛으로 그림 그림이라는 합성어의 의미파악에서 나온 전유물이다. 포토그램이라는
사진적인 형태작업에서 공간과 비공간이라는 차원에서의 의미를 집합이라는 성격에
도용해 보았다.

my wish,
100 * 170cm
포토그램

나에게 있어서 살아간다는 것 그것은
사회를 알아가면서 어떻게 나라는 존재를 지탱해야 하는가가 큰 의문점 이였다. 안다는
것 현명하다는 것 깨우친다는 것 그 과정속에 옳건 그르건 간에 영향을 받아오는
나의 모습은 나약하다. 그 나약함 떨쳐 버리고자 하는 고대 주술적 모습과 나의 나약한
모습의 오버랩이다.

조수연 전시작품 설명

움직임2,
설치-거울
, 낚시줄

이번 작업 ‘움직임’에서는 내가
경험한 자아관찰에 따른 사고변화 과정을 모서리라는 공간에서 거울, 낚시줄 그리고
언제나 나의 작업에 등장하는 날개로써 그 이야기를 풀어 나가고자 한다.

[기존작품 설명]

움직임1,
설치-거울 ,
낚시줄

모서리라는 소외된 공간에 거울이란
매체를 이용해 모서리의 공간성을 만들어 그 공간에 물체의 움직임을 가하는
작업이다.

땅,하늘...그리고...,
89x158, 모시 분채 라이팅

기준은 없다고 한다.

그래서 위도 없고, 아래도 없다고
한다.

하지만....

하늘은 있고, 땅도 있다.

손제상 전시작품 설명

The chaos part lll space,
335x1315x240
천, 빛, 소리 설치

‘사고’ 할 수 있다는 것은 분명
움직임이라는 것을 동반하게 된다. 신체적 움직임이 아닐지라도 머리에서는 무언가가
빠르게 움직이고 있다는 것을 의미한다. 이 작업에서는 인간의 ‘사고’와 ‘행동’과
‘무의식’의 세계를 말하는 작품이다. 인간은 꿈에서나 그냥 지각능력에서 약간
빗나간 시점에서 이상세계로의 갈망이 존재한다. 그래서 아무도 모르는 곳을 걸어가
보기도 하고 어딘가 왔었던 기억이 들기도 한다. 그건 추억과 이상과의 결합이라고
보아진다. 이러한 느낌을 작품화 했다.

[기존작품 설명]

why...,
300x500x300
천, 빛 설치

-인간의 사후에 대한 생각은 누구나
한번쯤은 생각을 하게 된다. 사후세계로의 길을 걸어갈때 느끼는 것과 생각할 수
있는 느낌은 어떨지에 대한 것을 작품화 해보았다.

The chaos part lll space,
500x400x240
빛, 소리, 동판 설치

-인간은 자아 정체성을 극복하기
위해 부단히도 노력을 한다. 하지만 자기도 모르는 시간, 자리를 뒤돌아보면 어느새
자신의 모습은 잃어버린 체 다른 존재의 모습을 걸어가고 있다는 것을 때닫는 때가
많다. 이것을 나는 ‘혼돈’이라는 이름으로 명명하고자한다. 동판의 작업은 이러한
자신의 모습을 발견하는 그 순간과 나와의 존새성의 상실을 이야기 한 것이고, 위에서의
물 방울은 잠시동안 깨어 있다가 그 자리고 돌아가는 (물 방울에서 물이라는 존재처럼
순수 자신에서 익명의 다른 나라는) 현대인이 겪고있는 모습을 표현한다.

이 공간은 그 두가지의 상반되면서도
관계성이 밀접한 모습을 자신의 모습으로 바라보게 된다.

이혜진 전시작품 설명

<love house> 부동산
l / <love house> 부동산 ll, 작품크기 및 재료: 50x50x20 아크릴
박스 25개 설치, 집 모형판매 / 서울시 지도 벽면설치

-작은 집모형들로 마을을 만든다.
그러나 정작 사람들은 보이지 않는다. 우리가 소원하는 love house이다. 집을 구입하는
일련의 행동들을 통해서, 우리는 수많은 사회문제들을 접하고 있다. 그러나 어떻게
생각해 보면 집이 생긴다고 해서, 모든 가정이 사랑스러워 지는 것은 아니다. 이
작업은 근본적으로 사랑에 관한 물음이다. 그리고 그밖에 집(사랑스러운 가정)을
획득하기 위한 사회 전반적인 문제에 관한 질문이기도 하다. 관객들은 전시장 바닥의
전원마을에서 모형집들을 구입해 간다. 그리고 팔려나간 자리에는 사랑에 관한 의문들이
이미지로 남게 된다. 작가(나)는 전시기간 내에 작품을 판매하게 되고, 관객의 적극적인
참여를 통하여 상호간의 소통을 유도한다

[기존작품 설명]

love machine,
100x100x100
캡슐 뽑기 기계, 각종 오브제, 스티커, 시트지

-<사랑>이라는 보이지 않는
의미를 표현하기 위해서, 사람들은 많은 오브제를 사용하며, 기념일을 만든다. 그리고
보이지 않는 것을 표현하기 위해서, 돈을 주고 무엇인가를 구입하고 선물한다. 과연,
사랑이라고 믿고 있는 오브제들이 진짜 사랑을 표현할 수 있는지, 관객은 동전을
넣고, 사랑을 상징하는 200여가지 오브제가 들어있는 캡슐을 뽑아가게 되며, 모든
진행과정을 캠코더로 영상기록하게 된다.