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동아일보 2004.05.18
“빛을 조각한다” 박충흠 개인전
산비둘기와 소쩍새가 날아들고 할미꽃이 지천으로 핀다는 5월의 환기미술관(서울 종로구 부암동) 정원은 아름답고 싱그럽다. ‘조각가 박충흠 전’(6월27일까지)에 나온 작품들은 그 정원 입구에서부터 만날 수 있다. ‘빛을 담는 그릇’이라는 이름의 작품은 구리 조각들을 용접해 만든 작가의 대표작. 구리판을 4∼10cm의 작은 사다리꼴 조각들로 자른 뒤 용접으로 이어 붙여 커다란 그릇 모양으로 만들고 이것을 다시 어른 키 만한 철 기둥에 꽂아 세웠다.
○ 구리조각 틈새로 빛 투과시켜 몽환적 세계 연출
그의 작품의 특징은 조각들을 이어 붙일 때 그물처럼 작은 틈들을 낸 것. 작품 아래 서니 한낮의 햇빛이 잘게 부서져 쏟아졌다. 따갑고 지루하던 햇살이 부드럽고 오색찬란한 빛으로 변했다. 차가운 금속이 공간과 빛을 새롭게 창조한 것이다. 새삼 조각이라는 장르가 주는 ‘힘’에 놀랐다.
박충흠(58)의 작품에선 ‘빛’이나 조명이 외부적 혹은 2차적 요소가 아니라 없어서는 안 되는 내부적, 1차적 요소다. 이 같은 사실은 전시장 안쪽 밀폐된 방에 전시된 비행접시 모형의 작품에서 뚜렷이 드러난다. 작품 한가운데 놓여진 조명등(燈)의 빛이 용접 이음새 틈 사이로 새어나오면서 사방 흰 벽에 수놓는 오묘한 그림자 무늬들은 방 안을 몽환의 세계로 만들고 있다.
흔히 조각작품은 공간을 단절하고 가르기 십상이다. 그러나 작가는 땅과 하늘, 안과 밖을 이어주는 대상으로 탈바꿈시켰다. 바로, 여기에 ‘박충흠 조각 읽기’의 키워드가 있다.
서울대 대학원 재학시절 이미 국전 입상으로 유명세를 탔고 프랑스 파리국립미술학교 유학 후에는 동년배들보다 이른 나이에 대학 교수(이화여대) 자리를 잡아 부러움을 샀던 중견 조각가. 그러던 그가 1989년 갤러리 현대에서의 개인전을 마지막으로 활동을 접었고, 급기야 2000년에는 교수직까지 그만둔 뒤 과천 작업실에 칩거하면서 은둔자처럼 살았다. 세상도 그를 잊어갔다.
○ 교수직 버리고 은둔끝 15년만에 전시회 열어
그러던 그가 15년 만에 갖는 이번 전시회는 비록 잠시 은둔했으나 발은 언제나 땅을 딛고 서 있던 작가의 치열한 예술혼을 증명이라도 하듯 구도자적 분위기로 가득하다. 구리조각들의 접합 부위에 틈이 생겨 하늘을 향해 펼쳐져 있는 작품들은 단절에서 소통, 닫음에서 열림, 거부에서 인정, 작위에서 자연으로 가는 중년 작가의 열린 세계관의 반영이다. 조각가 안규철씨는 “이번 전시에 보이는 작가의 변화는 분석이나 추론의 결과라기보다는 도를 닦듯 마음을 비우는 반복적인 작업과정 중에 서서히 이뤄진 것이라 생각된다”며 “현기증 날 정도로 급속히 변하는 오늘날 미술의 흐름에 비춰보면 박충흠 선생의 변화 속도는 느리지만 그래서 더욱 값진 것”이라고 말했다.
수천 도의 순간적 불꽃에 의지하는 용접작업은 엄청난 집중을 필요로 하는 반복노동이다. 몸에 해롭기 짝이 없는 작업이지만 작가는 한 줄기 사유의 틈도 허용하지 않는 강도 높은 노동을 통해 오히려 정신을 쉬게 하고 마음을 비워 낸다고 고백한다. 단단한 금속이 발갛게 달아올랐다가 녹아 붙고 다시 차갑게 식은 뒤의 생생한 흔적들이 그대로 남아 있는 그의 작품들에서 오히려 사색과 성찰의 울림이 전해져 오는 것은 집요한 노동과 몰두의 에너지가 가져온 역설이기도 하다. 02-391-7701
허문명기자 angelhuh@donga.com
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ALIS(ALluring Imaginary Space)
김계형_변현진_주하영展
2004_0517 ▶ 2004_0529
ALIS(ALluring Imaginary Space)_전시 설치 전경_2004
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초대일시_2004_0517_월요일_06:00pm
그린포토갤러리
서울 중구 충무로 2가 52-10 고려빌딩 지하 1층
Tel. 02_2269_2613
ALIS전은 김계형, 변현진, 주하영 세 명의 작가가 한 공간에 모여 각자의 이상적인 세상에 대해 서로의 이야기를 주고받는 전시이다. 우리는 일상 속에서 거리를 거닐거나, 먹고 마실 때, 쇼핑을 할 때 새로운 자극을 얻기를 바라며, 누군가를 만날 때 소통을 하기를 원한다. 평범한 삶이지만 항상 미래에 대한 막연한 상상을 하면서 그 현실 너머의 세상을 동경하곤 한다. 이번 전시에서는 세 작가가 사진과 드로잉과 설치 작업으로 각자의 개성을 살려서 서로의 이상에 대해 표현하였다. 전시된 모든 작품들은 경계가 서로 연결이 되어 마치 이어 달리기를 하듯이 서로의 이야기를 전달하면서 하나의 소리를 내기 원한다.
김계형_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
김계형_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
김계형은 평소 그의 눈길을 끌었던 이미지들을 수집하여 작은 방 속에 그 이미지들을 채우는 작업을 하였다. 3차원인 입체적 대상들을 2차원의 평면인 사진으로 만들어 다시 3차원의 공간 속에 재구성 한 것이다. 그의 작업은 이미지들의 새로운 복제와 거기서 일어나는 이미지의 반전으로, 관람자로 하여금 강렬한 느낌을 받게 한다. 결국 그의 작업은 각기 다른 현실의 이미지들이 반복됨으로써 순환의 고리에서, 결국 동일한 대상이 되고 있다.
변현진_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
변현진_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
변현진은 우리가 대상을 보고 인식하고 이해하기 위해서는 빛이 반드시 필요하다고 말한다. 그가 세상을 인식하고자 하는 방식에는 빛으로의 접근이 있다. 왜냐하면 빛은 보기위한 필수조건이기 때문이다. 빛과의 만남의 장을 포토그램이라는 기법을 통해 표현한 작가는 그 빛을 프레임으로 하여금 공간 속에 응집해 버린다. 이 작업은 결국 그에게 생명에너지의 근원이 된다.
주하영_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
주하영_ALIS(ALluring Imaginary Space)_2004
주하영은 가려진 인간의 모습을 통해서 그 안에 감춰진 비밀을 보려한다. 그가 말하는 일상의 한 순간은 거대한 삶을 형성하는 원천이다. 순간이 모여 일상이 되고 그 일상은 다시 삶이 되기 때문이다. 따라서 정지되어 있는 한 순간은 무한한 에너지를 함유하게 된다. 고정된 하나의 방향을 거부하고 밀고 당기면서 허구 속의 자신과 싸우며 세계를 바라보는, 그의 감춰진 진실과 미지의 세계로 뛰어드는 그의 모습을 사진과 드로잉으로 담아내고 있다. ■ 그린포토갤러리
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숨은 그림 찾기
강선미 설치展
2004_0515 ▶ 2004_0525
강선미_인식되다_라인 테이프_설치_2004
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갤러리 아티누스
서울 마포구 서교동 364-26번지
Tel. 02_326_2326
어릴 적 숨은 그림 찾기를 하면서 그저 즐거운 놀이 중 하나였던 그 시간을 내내 묘한 긴장감 또는 스트레스로 그림을 찾는 대부분의 시간을 보냈던 기억이 난다. 지금 생각 해 보면 짧은 시간 내에 누군가가 그려 숨겨 놓은 그림을 내가 빨리 찾아내어 표면화하고 싶은 욕심이었다. 그림 찾기를 끝낸 나는 또 다른 그것을 찾기 위해 눈을 돌리고 있었다. 삶은 이렇듯 숨은 그림 찾기를 하고 있다는 생각이 든다. 비록 정해져 있는 그림은 아니지만 계속 무언가를 찾기 위한 꾸준한 노력들 말이다.
강선미_빠지다_라인 테이프_설치_2004
강선미_적응 못하는 악어_라인 테이프_설치_2004
이번 전시는 전시장이라는 정해진 큰 그림을 선택하고 그 공간 안에 숨어 있는 나만의 그림을 찾아내기다. 사실 거기에서 거기인 비슷한 구조의 이 공간들은 그저 아무 말 없이 정지된 거만한 모습으로 나의 찾기 능력을 관조하고 있는 듯 하다. 하지만 그 안에서 나는 새로운 그림들은 그렸다(사실 붙였다는 표현이 옳겠다).
강선미_채우다_라인 테이프_설치_2004
강선미_구석_라인 테이프_설치_2004
전시장에는 악어가 숨어있었고 보는 사람을 빨아들이는 블랙홀이 있기도 했다. 한쪽에는 서랍들이 나란히 모습을 감춘 채 드러나기만을 기다리고 있었다. 모두 연관성이 없는 듯 보이는 이러한 이미지들을 우리가 살아가면서 찾아내는 내 안에 또 다른 가능성과 다양한 모습이라 하겠다. 라인 테잎으로 그려진 이 그림들은 전시가 끝나면 모두 없어질 것들이다. 다시 원래의 큰 도화지 즉 비어있는 전시장 예전의 그 모습으로 말이다. 우리가 찾기를 끝내고 돌아서는 그런 모습이라고 할 수 있겠다.
강선미_......?_라인 테이프_설치_2004
강선미_줄서다_라인 테이프_설치_2004
내가 찾아내어 마음껏 공간을 부린 이번 전시에 관람객들 또한 그들만에 또 다른 그림들을 발견하길 바란다. 내가 던진 언어에 그들만에 또 다른 해석이 있다면 서로 즐길 수 있는 그림 찾기가 될 것이다. ■ 강선미
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Move on Asia
Animation & Single Channel Video Art Festival
2004_0510 ▶ 2004_0523
Meiro Koizumi_Fhe Way a Very Veautiful Woman..._단채널 비디오 영상_00:07:20_2001_일본
주최_덕성여자대학교_SBS
주관_대안공간 루프_Yellow Sea Publications
후원_한국문화예술진흥원_한국국제교류재단_Art in Culture_www.neolook.com
기획_양만기_서진석_윤재갑 / 진행_문희채_이주현 / 기술감독_김기라
SBS 목동 신사옥 1층 아트리움
서울 양천구 목1동 920
Tel. 02_2113_3449
목적 ● 아시아 11개국 큐레이터 18명이 선정위원이 되어 47명의 단채널 영상미술 작가를 추천. ● 새로운 표현 매체로 주목받고 있는 영상을 서사적인 상업영화와는 다른 순수 미술 매체로서의 작가적 고찰을 표현한 다양한 실험적 시도 소개. ● 애니메이션을 포함한 다양한 실험적 형식의 작품들을 통해, 영상의 표현 영역 확장 가능성 모색. ● 아시아 국가 각국의 작품들을 한자리에 모아 소개함으로서, 비슷하면서도 다른 문화적 토대에서 보여지는 현 영상 문화의 다양한 모습 고찰 및 미래 진단. ● 이를 통해 아시아 미술문화에서의 한국의 위치를 진단하고 아시아 문화 교류의 허브로서 한국 현대미술의 위상 확립.
장지아_Princess Said_단채널 비디오 영상_00:08:30_2004_한국
Li Yong Bin_Face 12_단채널 비디오 영상_01:02:00_2003_중국
Tochka_BUILD_단채널 비디오 영상_00:05:00_2001_일본
김재정_Memory of Four Corners_단채널 비디오 영상_00:05:40_2004_한국
Enoch H.S. CHEUNG_Walk 100 meter to peach Garden_단채널 비디오 영상_00:07:13_2004_홍콩
안세권_Dream Express Way 내부순환로_단채널 비디오 영상_00:10:00_2001~2002_한국
개최 취지 ● SBS는 목동 신사옥을 시청자들과 함께 하는 문화공간으로 만들고자 5월부터 신사옥 1층 아트리움에서 ‘SBS 아트리움 페스티벌’을 개최합니다. ● 그 첫번째 행사로 덕성여자대학교와 공동으로 요즈음 각광받는 현대미술의 한 장르인 Visual Arts 영역 가운데 "싱글 채널 영상" 작품들을 소개하는 『Move on Asia : Animation & Single Channerl Video Art Festival』을 계획하였습니다. ● 이와 같이 ‘SBS 아트리움 페스티벌’은 SBS가 방송 뿐 아니라 순수예술분야에 대한 적극적인 지원과 함께 보다 다양하고 수준 높은 문화서비스를 시청자들에게 제공할 수 있도록 하기 위해 준비한 시청자와의 만남의 장입니다. ● SBS는 이 행사가 일반 시청자들에게는 질 높은 문화 컨텐츠를 제공하고 국내 미술계에는 신선한 자극이 되어 우리의 우수한 작품들을 아시아권에 널리 알려 향후 우리나라가 문화선진국으로 우뚝 설 수 있는 기반을 구축하는 데에 도움이 되고자 노력할 것입니다. ■ SBS
Aidan WONG_Fountain_단채널 비디오 영상_01:00:00_2003_홍콩
Sakarin Krue-on_Circle of Hope_단채널 비디오 영상_loop_2003_태국
김용경_정전 Power Outage_단채널 비디오 영상_00:01:40_1999_한국
Surachok Sangthumchai_Fighting Fish_단채널 비디오 영상_00:03:00_2002_태국
Haruo Ishii_A small country,s-03 Kengei, saito_단채널 비디오 영상_00:05:29_2004_일본
Angelika Bunoan_SOS-collaboration with Ronald Anading_단채널 비디오 영상_00:10:22_2003_필리핀
Kazumasa Urui_The Stairs_단채널 비디오 영상_00:03:00_2001_일본
주제 ● 20세기 후반을 장식한 세계사의 가장 중요한 두 장면은 동서독 통일과 구소련의 해체라고 할 수 있다. 이 두 사건을 계기로 촉발된 현실 사회주의의 몰락과, 전 지구적 자본주의의 궁극적 승리로 표상되는 세계화는 1990년대 이후 인류의 새로운 삶의 환경이 되었다. 이렇게 자본주의로 완벽하게 통합된 세계에는 3개의 극이 존재한다. 유럽연합과 미국, 아시아가 그것이다. ● 『Move on Asia』는 1990년대 이후 새롭게 부상하고 있는 아시아라는 정치-경제-문화적 블럭에 대한 성찰을, 비디오 아트를 중심으로 조망하는 기획이다. 아시아 11개국 18명의 큐레이터들이 추천한 46명의 비디오 아트를 통해, 세계사적인 격변과 상이한 문화지리에 반응하는 작가들의 날카로운 감성들을 확인할 수 있기를 기대한다. 이는 아시아 속에 존재하는 또 다른 다양한 아시아성에 대한 확인이자, 상이한 삶의 조건들에 대한 작가의 진솔한 고백이 될 것이다. ■ Move on Asia
김기라_아름답게 하다 Give a Fair_단채널 비디오 영상_00:04:37_2003_한국
Chen Sheih-jen_Factory_단채널 비디오 영상_00:30:00_2003_대만
To the woods_Steinturm 1&2_단채널 비디오 영상_00:16:17_1999~2002/2004_일본
박승훈_Conversation_단채널 비디오 영상_00:03:23_2003_한국
Tsui Kuang-yu_The Shortcut of Systematic Life-Superficial Circumstance Superficial Life
단채널 비디오 영상_00:10:00_2002_대만
참여 큐레이터_11개국, 18명 ● 호주_Brett Jones / 중국_Davide Quadrio_Liu Lu_Pi Li / 인도_Johan Pinapple / 인도네시아_Mella Jaarsma / 일본_Yuko Ohno_Hiramatsu Nobuyuki_Fumihiko Sumitomo / 홍콩_Chin-fung Leung_Howard PH Chan_Ringo Bunoan / 싱가포르_Audrey Wong / 대만_Hui-chiao Chen / 태국_Tanavi Chotepradit / 한국_서진석_전성희_김성연
참여작가_총 47명 ● 호주_Van Sowerwine_Domonic Redferm_Ryszard Dabek / 중국_8gg_Liu Wei_Feng Jiang Zhou_Lan Yan_Li Yong Bin_Xu Zhen / 인도_Shilpa Gupta_Tejal Shah_Nalani Malani_Sharmila Samant_Tushar Joag_Valey Shende / 인도네시아_Jompet_Eko Nugroho_Hanura Hosea / 일본_To the woods_Haruo Ishii_Tochka_URUI Kazumasa_Meiro Koizumi_Atsushi Suzuki / 홍콩_Tam-ming Woo_Khong-chang Kong_Enoch H.S. CHEUNG_Aidan WONG / 필리핀_Ronald Anading_Angelika Bunoan_Ma.LENA cobangbang / 싱가포르_Ho Tzu Nyen_Michael Tan_Victric Thng / 대만_Chen Sheih-jen_Tsui Kuang-yu_Wu Chi-tsung / 태국_Sakarin Krue-on_Surachok Sangthumchai_Wannapa Promgeen / 한국_김용경_김기라_김재정_박승훈_장지아_안세권
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'철길옆 옥상전시'
강승훈 회화展
2004_0513 ▶ 2004_0530
강승훈_전등아래_에스키스_2004
● 위 이미지를 클릭하면 강승훈 홈페이지로 갑니다.
전철 4호선 철길연 옥상
산본역과 금정역 사이 현대오토바이빌딩 옥상
Tel. 011_9952_2443 강승훈
산본역에서 금정역 사이에서는 이색 전시회가 열리고 있다. 바로 '전철길 옥상 전시회'다. ● 산본역에서 금정으로 출발하는 전철을 타고 가다, 왼쪽 창문 밖으로 옥상들이 보이고 그중 한 곳에 커다란 그림들이 설치되어있다. 여성의 누드 그림이 잡지형태를 빌려서 그려진 것도 있고 구찌나 말보로의 상표를 응용한 팝적인 그림들도 전시되어 있다. 사람들은 전철을 타고 가다가 일상 생활 속의 미술을 맛 볼 수 있다.
강승훈_우리에게 필요한 건 신선한 공기_에스키스_2004
강승훈_born to shop!_에스키스_2004
강승훈_vogue_에스키스_2004
강승훈_그남자는 고구마 장수_에스키스_2004
강승훈_누군가 돌을 던지면 슬픔이 밀려와_에스키스_2004
강승훈_철길옆 옥상전시_에스키스_2004
이번 전시를 기획한 작가 '강승훈'씨는 전시를 열면서 세 가지 목표가 있는데, "첫번째는 잠들어 있는 옥상 공간의 활용이고, 두 번째는 어려운 현실의 미술가들에게 현실적인 대안공간을 제시하는 것이며, 세번째는 관객을 기다리는 전시가 아니라 찾아가는 전시를 하는 것"이라고 말했다. ● 작가의 홈페이지 http://radio.er.ro/로 가면, 작업과정과 옥상전시를 하기까지의 문제해결 과정을 볼 수 있다. ■ radio.er.ro
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이상화된 이상함_Idealistic Oddity
데비한 설치展
2004_0514 ▶ 2004_0530 / 월요일 휴관
데비한_Agrippa's class_150×190cm_디지털 프린트_2004_부분
● 위 이미지를 클릭하면 브레인 팩토리 홈페이지로 갑니다.
데비한 홈페이지는 www.debbiehan.net 입니다.
초대일시_2004_0514_금요일_06:00pm
후원_한국문화예술진흥원_파라다이스 문화재단
관람시간_11:00am~06:00pm
브레인 팩토리
서울 종로구 통의동 1-6번지
Tel. 02_725_9520
"이상한 나라의 비너스", 이이러니와 패러독스의 변주 ● 미국 교포 1.5세대에 속하는 데비한은 레지던스 프로그램으로 한국에 와서 생활하면서 아주 기묘하고 낯선 체험을 한다. 홍대 앞의 어마어마한 규모의 미술학원에서 비너스와 아그리파 같은 서구 고전들이 양산되고 있음을 목격한 그녀는 강렬한 문화적 쇼크를 받는다. 그녀의 의아함은 500년 전 도제의 조형실습의 기본인 '모방'이 가장 감수성이 예민한 미대지망생들의 창의력에 어떤 영향을 미칠 것인가에 대한 심각한 질문에서 시작한다. 그러나 결국 그녀의 관심은 확대ㆍ재생산되는 미대 입시제도를 질책하는 것뿐만 아니라, 서구 맹종의 이데올로기에 길들여진 피폐한 사회구조 속에서 신음하는 인간성의 말살에 대한 고발과 저항으로 확산된다. 이로써 그녀는 미의식에 근간한 한국적 정체성의 문제를 치밀한 개념적 사유와 정교한 조형적 작업으로 표현하기에 이른다.
데비한_Agrippa's class_150×190cm_디지털 프린트_2004
이번 작업 역시 사물에 대한 고정관념과 편견을 꼬집고 비트는 것으로부터 시작해 그것이 가지고 있는 이중성 혹은 다면성을 사유하도록 유도하는 데 초점이 맞춰진다. 예컨대 「지우개 드로잉_Eraser Drawing」은 언뜻 두터운 목탄으로 그려진 듯 보인다. 그러나 그것은 그리기와 지우기를 반복하는 과정에서 생긴 지우개 찌꺼기를 재사용한 작품이다. 이 작품은 지우개 찌꺼기가 기막힌 미술재료가 될 수 있다는 단순한 내용을 드러내는 것이 아니라, 지우기를 통한 반복과 실수와 폐기의 의미 등 그리기에 대한 우리의 인식과 고정관념을 깨뜨리는 방법론을 환기한다고 보는 편이 옳을 것이다.
데비한_Terms of Beauty_디지털 프린트_80×120cm_2004_부분
데비한_Terms of Beauty_디지털 프린트_80×120cm_2004
또한 청자로 만들어진 「전지전능한 일상의 얼굴들_The Almighty Faces of Reality」은 일종의 종교제단의 우상처럼 드러난다. '조작된 미의식의 숭배'라는 도그마에 대한 조소이다. 작가는 기본적으로는 패러디적 방법론을 통해 아이러니와 패러독스를 표현한다. 이를테면 서구 미의식의 기준으로서(이미 한국인의 미의식의 전형이 되어버렸지만) 비너스를 일차적 대상으로 선택한다. 그리고 한국의 정통적 미의식의 정체성을 대변하는 청자를 형식적 기법으로 결합시킨다. 이로써 비너스와 청자라는 낯선 사물과 기법이 만나 새로운 컨텍스트를 발생시킨다. 반전은 여기에 머물지 않는다. 일견 동일하게 보이는 비너스의 얼굴은 조금씩 심드렁하게 일그러진 표정들이다.
데비한_The Almighty Faces of Reality_도자기에 청색유액_각각 33×13×13cm_2004_부분
데비한_The Almighty Faces of Reality_도자기에 청색유액_각각 33×13×13cm_2004
역시 서구적 미의 기준으로 평가받는 비너스의 얼굴을 그리도록 강요된 현실사회의 모순된 구조를 드러내는 것이다. 또 다른 작품인 「아그리파의 클래스_Agrippa's Class」와 「미의 기준_Terms of Beauty」은 70~80년대 고등학교와 현대의 미인대회를 예로 들어, 개성을 말살하고 다양성을 인정하지 않는 획일적인 교육제도와 미의식을 섬뜩하도록 명료하게 질타하고 있다. 그러나 이 작품이 주는 메시지는 어쩌면 과잉일지 모른다. 그렇게 되면 관객의 참여와 상상력의 개입이 느슨해질 우려가 있기 때문이다.
데비한_Eraser Drawing-Arias_종이에 지우개와 풀_79×56cm_2004_부분
데비한_Eraser Drawing-Arias_종이에 지우개와 풀_79×56cm_2004
 
데비한_Eraser Drawing-Venus / Agrippa_종이에 지우개와 풀_각 79×56cm_2004
데비한의 이번 작업은 개별적 작품은 물론 총체적으로도 완결성을 지닌다. 더불어 이 전시는 현대미술의 맥락에서 주요시되고 있는, 철저한 사유를 근간으로 하는 개념적인 측면과 그것을 정교한 수공성으로 보충한다는 감각적 측면이라는 두 요소의 유기적 결합이 조화를 이룬 주목할만한 전시임에 틀림없다. ■ 유경희
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Doing Nothing
이경민 사진展
2004_0522 ▶ 2004_0528
이경민_Doing Nothing_흑백인화_2004
● 위 이미지를 클릭하면 갤러리 SP 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2004_0522_토요일_04:30pm
갤러리 SP
서울 강남구 청담동 80-6 성원빌딩 2층
Tel. 02_546_3560
Doing Nothing_'아무것도 하지 않음'에 관하여 ● 대상을 구체적이고 감각적으로 재현해낸 것을 이미지라고 한다. 뷔넨 뷔르제는 이를 좀 더 세련되게 표현했는데 그에 의하면 이미지란 "지각의 관점에 따라 현존 혹은 부재 하는 물리적 대상이나 관념적 대상을 구체적이고 감각적으로 재현해낸 것"이다. 이미지라는 표현양식이 감각과 의미, 즉 한 존재의 즉각적 양태로서의 감각적인 것과 인간의 순수한 사고의 내용으로서의 지성적인 것의 중도에 있으며 그것을 맺어 준다는 것이다. 이미지가 존재하려면 반드시 우리의 지각을 관통해야 한다. 이미지의 다양함은 우리 몸의 감각이 다양함에 기인한다. 결국 몸의 반응이 이미지를 가능하게 한다고 말해볼 수 있다. 세계는 나의 감각활동에서 나에게 대상적으로 있는 것이 아니라 '나와 관계하면서' 존재한다. 세계가 지각적으로 이해될 때, 그리하여 느끼는 내가 세계 속에 있음을 지각할 때, 이 지각은 대상적. 물리적으로 일어나는 것이 아니라 나와 관련되어, 나와 세계가 상호작용 하는 가운데 일어난다.
이경민_Doing Nothing_흑백인화_2004
이경민은 한 장의 사진을 보여준다. 그러나 사진 속에는, 사진 안에는, 표면에는 뚜렷한 인증의 자취나 시각적 표상이나 상기의 흔적이 대부분 지워져있다. 모든 사진이 우리에게 볼만한 이미지를 제시하거나 드러내는 것이라면 오히려 이 사진은 그것들을 꼭꼭 감추고 숨겨놓았다. 인화지 자체만을 즉물적으로 들이대는 느낌이다. 순간 보는 이의 시선이 무력감에 빠지고 공허해진다. 가시적인 영역에서 미끄러져 애매하고 모호한, 미세한 얼룩이나 선, 조짐을 예감시키는 상처만을 단서로 해서 상상력을 자극하는 그런 사진이다. 보는 것을 기계적으로 재현하고 추적하며 건져 올리는 사진의 속성과 힘을 맥빠지게 만드는 전략은 다분히 의도적으로 보인다. 그것은 사진에 대한 미니멀한 접근이 아니라 보여주는 것을 최소화하고 대신 상상력과 기억, 보는 이의 참여와 개입을 독려하는 측면에 무게추가 기울어져있다는 생각이다. 따라서 동양화의 여백에 가깝다. 그것은 비어있는 무의 공간이 아니라 보이지 않는 기운으로 가득 찬, 기로 충만한 공간이다. 바람으로 채워진 화면이다. ● 그런가하면 우리 주변의 모든 사물, 대상은 언어와 의미로 무장되어 있으며 특정한 코드로 인식되어진 것들이다. 그녀는 그렇게 '네이밍'된 모든 것들을 해체하고자 한다. 특정한 의미나 거창하고 무거운 담론의 그늘과 관념의 무게를 덜어내고 그저 아무것도 하지 않고, 아무런 의미도 없는 것, 그래서 시욕과 의미로 번잡하고 무성한 이미지의 세계를 명상과 휴식으로 돌이켜 세우는 틈을 만들어 가는 것도 같다. 안과 겉을 구분하는 것, 처음과 끝, 탄생과 죽음 같은 경계 역시 지우고자 하며 그에 따라 '아무것도 하지 않고, 모양도 없지만, 자발적으로 흐르는 의미 지어지지 않은 것들'에 주목한 것이다. 그리고 그 한 예로 선택된 것들이 바로 물, 불, 공기(바람),땅 즉 자연의 4원소다. 작가는 자신의 가장 가까운 곳에서 찾을 수 있는 것들, 특히 바람이나 땅, 물을 촬영하고 그것들을 오래도록 파인더를 통해 들여다보는 시간의 소중함에 대해 이야기한다. 그 순간을 영원토록 기록하고자 한다.
이경민_Doing Nothing_흑백인화_2004
이경민_Doing Nothing_흑백인화_2004
그래서 이경민은 그 '바람'을 찍었다. 바람을 촬영한 것인데 그것을 표현하기 위해 불가피 하게 나무를 매개로 끌어들였다. 결과적으로 눈에는 보이지 않는 바람을 촬영하였지만 가시적인 이미지는 나무만이 존재하게 된 그런 사진이 되었다. 결국 찍고자 한 것은 사진에서는 무로, 부재로 나타났다. 그러나 그것을 없다고 말할 수는 없다. ● 오랜 시간 노출을 주어 비로소 드러난 이미지는 무엇인가로 가득 찬(빈)공간에 아주 흐릿하고 미약한 자취, 선들로 머문다. 사진은 온통 무색, 딱히 설명하기 힘든 흐린 색조로 채워져 있다. 그 위에 바람에 의해 나무가 허공 속에서 조금씩 흔들리고 뒤척인 자국이 슬쩍 얹혀져 있다. 아주 오랜 시간을 바람의 자취를 추적한 이 사진에 시간은 영원성으로 무늬져 있다. 아니 시간은 결국 망각되어 버렸다. 늘 변함없이 지속성 아래 자리하는 이 바람이나 나무(사물)는 실은 항구적인 변화 속에 있는 것이다. 항구적인 것이 있다면 그것은 미묘한 변화의 항구성일 뿐이다. 우리 눈은 바람이나 나무의 생애를 제대로 인식하지 못한다. 아니 오래도록 그 바람만을 그렇게 쳐다볼 시간과 여유가 없을 것이다. ● 여기서 이경민의 눈/사진은 바로 그 일을 해낸다. 그녀는 오래도록 바람만을 바라보았다. 사물은 그저 있다. 사물은 말없음으로 존재를 증명한다. 그 자체로 있든, 그림으로 표현되었든, 사진 속에 나타났든 간에, 사물은 말없는 가운데 자신을 말한다. 물론 이는 바라보는 사람의 인상으로 가능하다. 사물의 존재방식은 이를 바라보는 나라는 주체에 의해 고찰되는 것이기에, 사물의 존재방식은 내 감각과 사고의 존재방식에 대한 고찰과 더불어 탐색되어야 한다. 이경민은 바람을 바라보면서 결국 자신의 초상, 몸을 만난다. ● 작가는 제자리에서 오랜 시간을 제 몸으로 뒤척이고 흔들리는 바람의 숨결과 호흡을, 나무의 몸을 조심스레 응시했다. 아무런 의도도 지니지 않은, 목적론적인 행위에서 벗어난 바람에 스침과 흔들림, 파동과 떨림이 보여주는 무욕과 무위의 한 극치를 그림자처럼 부감시킨다. 인화지는 그러한 바람결, 시간, 흔들림을 담담하게 기록한다. 이 기록성, 다큐멘터리는 사실 아무런 얘기도 해주지 않는 편이다. 그저 시간의 흐름만을 저장하고 있어 보인다. 묵언과 침묵이 공기처럼 내려 앉아있을 뿐이다.
이경민_Doing Nothing_흑백인화_2004
드라마틱한 바람의 행적과 그에 대한 구체적인 정보는 지워져있다. 심미적이랄까, 혹은 사진적 대상으로 자리한 바람에 대한 모든 가시적 결과 역시 증발되어있다. 보는 것들에 지친 눈들이 순간 명상에 휴식에 접어들 듯이, 우리들은 몸을 대지에 수평으로 눕히고 휴지기에 접어든 대지처럼 꿈꾼다. 이 텅 빈(텅 비어보이는) 사진은 그런 만큼 역설적으로 더 많은 상상과 몽상을 가능하게 한다. 그 자리에 바람의 존재가 다시 새롭게 다가온다. 보이는 것만이 아니라 보이지 않는 것까지 바라보기 위해서는 명료한 정신과 꿈의 상상력이 그래서 필요하다. 이 꿈과 상상력의 도움으로 우리는 사물의 배후를, 그 피부와 내부의 굴곡들을 헤아릴 수 있게 된다. 사물의 외관만이 아니라 그 내장까지 알 때, 우리는 비로소 사물의 전체와 친해질 수 있으며 그 존재와 하나가 된다는 메시지가 은은하게 깔려있다. ■ 박영택
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불멸의 신화 ANSEL ADAMS
안셀 아담스 사진展
2004_0520 ▶ 2004_0620 / 월요일 휴관
안셀 아담스_Tenaya Lake, Mount Conness, Yosemite National Park, California, c.1946
● 위 이미지를 클릭하면 와이트월 갤러리 홈페이지로 갑니다.
■ 불멸의 신화 ANSEL ADAMS展 관련 강의 예약 접수 안내
기간_2004년 5월22일부터 6월12일까지_매주 토요일_02:00pm~04:00pm
장소_서울 강남구 청담동 101-5번지 와이트월 갤러리
수강인원_각 강의 당 50명 선착순 마감 / 전화 및 방문 신청
수강료_강의당 1회 10,000원 / 전체 강의 수강시 33,000원
접수방법_방문 접수하시거나 아래의 계좌로 입금하신 후 와이트월갤러리로 확인 전화주시기 바랍니다.
전체 강의 수강이 아닌 경우는 입금시 해당 강의번호를 기입해 주십시오.
입금계좌_신한은행 361-05-014818 / 예금주 와이트월㈜
문의_와이트월 갤러리_박소영 Tel 02-548-7520~1
제1강의_2004_0522_토요일_02:00pm~04:00pm / 안셀 아담스의 Zone System_강용석
제2강의_2004_0529_토요일_02:00pm~04:00pm / 한국인이 사랑하는 풍경, 풍경사진_신수진
제3강의_2004_0605_토요일_02:00pm~04:00pm / 안셀 아담스-흑백의 영혼과 절대미감을 찾아서_진동선
제4강의_2004_0612_토요일_02:00pm~04:00pm / 현대 사진 속에 빛나는 안셀 아담스의 발자취_홍순태
관람시간_11:00am~07:00pm
와이트월 갤러리
서울 강남구 청담동 101-5번지
Tel. 02_548_7520
Why Ansel Adams? ● 사진계의 거장 안셀 아담스의 사진전시가 와이트월 갤러리에서 선보인다. 이번 전시에서는 1920년대~1970년대 빈티지 작품 다수가 포함된 41여 점의 사진을 보여주어 안셀 아담스의 작품을 제대로 볼 수 있는 절호의 기회가 될 것이다. ● 현대 사진을 논하는데 있어서 안셀 아담스를 빼고는 설명이 안될 것이다. 그만큼 안셀 아담스는 현대 사진의 한 축을 이루고 있다. ● 안셀 아담스 이름이 지니고 있는 힘은 상당하다. 많은 사진가들에게 그들의 사진적 근원으로 자리잡은 안셀 아담스는 미국 전통적인 스트레이트 사진의 계보를 이어나간 사람이고, 또 많은 이들에겐 풍경사진의 대가로 알려져 있다. 그는 미국의 서부 요세미티 국립공원에 가보지 못한 수많은 사람들에게 요세미티의 진면목을 사진으로 보여준다. ● 또한 좋은 작품을 만들어냄에 있어 작가의 천부적 재능 외에 필수적인 것이 기술적 기초이다. 안셀 아담스의 존 시스템은 좋은 인화(fine print)를 얻기 위한 기술적 기초 이론이다. 양질의 인화는 숙련된 인화법도 필요하지만 그에 앞서 적정한 농도와 콘트라스트를 지닌 네가티브가 먼저 만들어져야 한다. 상황에 따라 필름에 얼마만큼 노출을 주고 어느 정도 현상해야 적절한 네가티브를 얻을 수 있는 지, 이러한 제반 문제 해결에 도움을 주는 것이 바로 존 시스템이다.
안셀 아담스_Barn, Cape Cod, Massachusetts
안셀 아담스_Orchard, Portola Valley
사진이 예술 매체의 한 분야로서 입지를 굳히고, 교육체계나 여러 단체와의 유대성에서 큰 힘을 발휘하는데 안셀 아담스의 공은 지대하다. ● 1937년 뷰먼트 뉴홀을 도와서 뉴욕 근대미술관에 사진 부분을 창설 시킨 것은 단순히 정보를 주는 보도사진에서 예술의 한 장르로 콜렉션될 수 있는 계기를 만들기도 하였다. 에드워드 웨스턴 등과 F-64그룹을 만들어 카메라를 통해서 만이 보여줄 수 있는 진정한 광학적 세계로서 현대사진의 발판을 만들었으며, 많은 사진가들에게 사진에 몰두할 계기를 마련한 장본인이기도 하다. ● 사진의 발명 이래로 사진기술의 계승은 주로 일대일 전수로 이뤄졌다. 오랜 시간을 사진과 씨름하며 보냈던 그 노하우를 전수 시키는 것은 제자에게 그만큼 또 오랜 시간을 두고 세세히 가르치는 방법이었다. 그만큼 그런 혜택을 받는 수도 적었고, 급속도로 바뀌는 세상을 쫓기엔 너무 부족하였다. 안셀 아담스는 존 시스템을 발표하여 사진촬영에서 현상, 인화까지를 데이터화하여 사진이 파급되고 교육적 체계를 구축하는데 큰 역할을 하였다. ● 이번에 선보이는 그의 작품들은 초기 20년대 작품부터 안셀 아담스의 작품 일대기를 조망할 수 있는 전시가 될 것이다. ■ 와이트월 갤러리
안셀 아담스_Dead Tree Stump,Sierra Nevada, California, 1936
안셀 아담스_Trailside, near Juneau, Alaska
Ansel Adams, 그 불멸의 신화 ● 인간은 자연에 둘러싸여 자연의 일부로 살아간다. 생각해보면 자연만큼 경이로운 것이 없지만, 숨 쉴 때마다 감사하기가 힘들 듯이 자연에 늘 감탄하면서 산다는 것도 쉬운 일이 아니다. 햇빛에 반짝이는 나뭇잎, 노을이 내리는 바다, 바람이 쓸고 지나는 풀섶- 문득 자연이 아름답구나 하고 느끼게 되는 것은 언제나 순간에 지나지 않는다. ● 풍경을 사진에 담는 것은 그 아름다운 내 마음의 순간을 붙잡아 두는 것이다. 그것은 마치 조화로운 선율을 작곡하듯이 자연에 질서를 부여하는 일이며, 잘 다듬어진 시를 써나가 듯 감정과 사고를 정제하는 일이다. 자연에 대해 아름다움을 느끼는 것이 감성이라면 그것을 사진에 옮기는 것은 이성의 도움을 필요로 한다. 그래서 풍경사진은 풍경보다 아름답다. ● 질서정연한 풍경 사진의 정제된 아름다움의 최고봉에 안셀 아담스(1902-1984)가 있다. 그의 사진은 역사 속에서 뛰어넘을 수 없는 하나의 완성품이며, 지금도 셀 수 없이 많은 추종자들을 만들어 내며 사라지지 않는 전설이다. 평생의 관심사이자 존재의 근원으로 여겼던 대자연에 대해, 그는 사진을 찍고, 책을 쓰고, 강연을 하였다. 체계적이고 분석적인 방법에 따라 풍경을 풍경사진으로 전환하는 능력을 그렇게 보여주었던 것이다. ● 안셀 아담스의 사진의 핵심에는 자연과 빛이 있다. 그가 주로 다룬 대자연은 인간의 발길이 거의 닿지 않는 미답의 세계이며, 사진가가 인위적으로 어떠한 조작도 가할 수 없는 웅장함 그 자체이다. 어찌할 수 없을 땐 그저 지켜보는 것이 미덕이 아닌가. 거대한 산과 나무, 바위와 풀은 매일 아침 빛을 입고 태어나서 밤이면 어둠으로 돌아간다. 변치 않고 그 자리에 있는 듯하지만 빛에 의해서 끊임없이 변신하는 것이 자연인 것이다. 빛은 자연의 변화무쌍한 의상이며 소품이다. 궁극적으로 사진가는 빛에 주목하며 인내함으로써 자연의 가장 빛나는 절정의 순간을 사진에 남길 수 있게 된다. ● 안셀 아담스가 대상을 바라보는 눈과 그것을 사진에 담아내는 방법은 충직하고 일관되며 진중하다. 그는 한 장 한 장의 사진에 어린 시절부터 지켜보아온 자연에 대한 그만의 느낌을 담고자 하였으며, 오랜 시간동안 눈에 익혀 왔던 것들을 순간에 압축시켜 넣기 위해서 사진이 표현할 수 있는 최상의 계조와 디테일을 추구하게 되었다. 지속적으로 변화하는 빛을 측정하고, 그것에 조응하는 필름과 인화지의 감광성을 이용하여 원하는 밝기와 콘트라스트를 얻어내는 방법을 꾸준히 실험함으로써, 그는 마침내 존 시스템(zone system)을 정리하기에 이르렀다. ● 20 세기를 통해 존 시스템은 사진을 만드는 방법임과 동시에 세계를 보는 방법이 되었다. 안셀 아담스는 이 방법으로 사진의 위대한 근대정신을 완성시킨 것이다. 그의 사진은 육안으로 볼 수 없는 것을 보여주고 사진만이 만들어 낼 수 있는 세계를 경험하게 해준다. 그리고 그가 사랑한 자연을 우리도 사랑할 수 있게 해준다. 자연이 신화가 될 수 있는 건, 우리 세계에 안셀 아담스와 같은 거장이 있었기 때문일 것이다. ■ 신수진
안셀 아담스_Bridalveil Fall, Yosemite National Park, California, c.1927
안셀 아담스_Vernal Falls_1920/1963
Who is Ansel Adams(1902~1984) ● 안셀 아담스는 1902년 미국 샌프란시스코에서 출생하였다. 14세때 요세미티 계곡에서 박스 카메라로 최초의 사진을 촬영한 것이 계기가 되어 열렬한 자연 보호론자가 되었다. 18세때 음악가를 지망하여 콘서트 피아니스트가 되었으나, 과도한 연습으로 건강을 헤쳐 사진으로 전향하였다. ● 1927년 그의 예술 후원자인 A. 펜터의 권유로 오리지날 인화의 포트폴리오를 발표했으며, 1929년 뉴멕시코를 방문하여 폴 스트랜드를 만나 커다란 감회를 받았다. ● 1932년 에드워드 웨스턴과 함께 F-64 그룹을 만들었으며, 1933년 뉴욕에서 알프레드 스티글이츠를 알게 되고 3년 후 그의 화랑에서 개인전을 열었다. 또 1934년부터 71년까지 샌프란시스코의 자연보호단체인 시에라 클럽 이사직을 맡아 보았다. ● 1940년 뷰먼트 뉴홀을 도와 뉴욕 근대미술관에 사진 부분을 창설시켰으며, 이해 미국 세계박람회의 사진의 페이전트 전을 조직했다. 1946년, 48년 58년에 구겐하임 재단의 장려금으로 미국 국립공원의 전면적인 촬영을 단행하였으며, 1955년부터 해마다 요세미티에서 연주회를 주체하기도 하였다. ● 1963년 샌프란시스코의 드.영 기념미술관에서 대 회고전을 열었다. 그동안 1950년부터 폴라로이드사 고문, 1962년 캘리포니아 대학으로 미술 박사학위를 받았다. 미국 예술,과학 아카데미 회원이기도 했다. ■ 와이트월 갤러리
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Bernd & Hilla Becher : 1962-2000
2004. 5.7-27
pkm 갤러리
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박영덕화랑
May 3, 2004 - 18, 2004
Unplugged Theater展
Unplugged Theater : 서울을 규정하는 사고(思考)의 촉매제
정훈 / 박영덕화랑 큐레이터
언플러그드 씨어터Unplugged Theater는 현대 서울을 사진으로 재현하는 전시이다. 서울이라는 한정된 공간이 갖는 동시대적 특징과 서울에서만 발견할 수 있는 사회·심리적 요인들이 반영된 사진들로써 서울이라는 도시적 개념을 활성화 시켜온 사고(思考)의 촉매제들에 대한 환기를 시도한다. 본 전시는 서울에 산재된 지엽적이고 메타적인 공간들에 시선을 던진 작가들을 통해 서울을 구축해 온 공간을 그곳에서 뒤엉켰던 작가들이 어떻게 감지하고 수용했는지 보여준다.
또한 언플러그드 씨어터는 실재적 공간으로의 서울과 가상적 공간으로의 서울을 구분하여 전래부터 이어져 온 도시적 이미지를 구성하는 사진의 역할-이를테면 도시에 대한 역사적 차원과 의식에 대한 기억-이 이제는 보다 파편적으로 나뉘고 있음을 드러낸다. 그것은 이미 파편화된 서울에 대한 입체적 재구성이기도 한 것이다.
임영균과 김상길은 사진의 다큐먼트적 속성을 기반으로 작업한다. 두 사람의 작업은 제작 프로세스와 표현 방식에서 상이하지만, 화면에 담겨진 인공물들의 무게감과 서울의 현대화 프로젝트 속에 숨어 있는 시대적 의미가 담겨져 있다.
임영균은 일상의 단편들을 전형적인 흑백사진 프로세스로 재현한다. 그의 화면 속에 각인 된 서울은 정적에 잠겨있다. 마치 수 시간 사이에 촬영된 것 같은 인적 없는 서울의 모습들은 실은 20년 이상의 시차를 머금고 있다.
그로 인해 사진 속 정적은 두 가지 현상에 집중하게 하는데, 하나는 시간의 간극 속에 기록된 인기척 없는 부재(不在)에 대한 의문이며, 다른 하나는 부재의 대상이 남긴 인공물의 흔적이다. 전형적인 스트레이트 사진은 일반적으로 역사를 내포한다고 믿어져 왔다. 촬영연도는 나와 있지만 구체적인 날짜가 드러나지 않는 임영균의 사진은 해당연도의 서울을 증거 하는 것처럼 여겨진다.
고속성장시대의 시간의 흐름 속에 남겨진 임영균의 서울은 현대인이라는 보이지 않는 거대한 매스의 무게를 감추고 그들의 흔적만이 남아있는 인공적 외형을 드러내어 시대적 폭력이 휩쓸고 지나간 듯한 부재의 공포를 경험케 한다.
김상길은 8x10인치의 대형필름으로 촬영한 실내 공간을 선보인다. 그의 화면을 채우는 실내 공간은 그 역시 무엇인가로 채워져야 하는 미완성의 공간이다. 'Like a Landscape'이라는 작품제목에서 알 수 있듯이 김상길의 사진은 비워져있는 실내 공간에 주목한다.
그곳은 대량소비-공산품으로 채워져야 하는 대형할인매장-와 대량생산-무형의 생산 공간, 사무실-의 장소이다. 그가 촬영을 한 시기가 IMF 시대 이후라는 점에서, 화면의 비워짐이 경제적 측면과 밀접하다는 것을 알 수 있다. 이 비어있는 공간은 여백의 공간이 아니라 유보와 협상의 상황을 드러내고 있는 것이다. 그곳을 가로지르는 하얀빛은 마치 모든 것을 초월한 듯한, 미완의 공간을 새롭게 환기시키는 구원의 빛이다. 그러나 그의 빛은 인공의 빛이다.
박홍천과 독일작가 베른트 할프헤어는 도시의 공동 생활구역에 시선을 둔다. 또한 이들은 사진의 이미지에 인위적인 조작을 가하지 않으면서 독창적인 조합화면과 사진오브제로 완성하여 사진매체의 표현 가능성을 넓히고 있다.
박홍천은 서울의 아파트를 야간에 무작위로 촬영한 밀착인화-필름을 인화지 위에 올려놓고 필름 크기의 사진을 만드는 방식-들을 규칙적인 배열로 집적하여 서울의 밤 풍경을 새롭게 모사(模寫) 한다.
작품에서 일정한 거리 이내에서만 아파트의 그것으로 확인되는 사진 속 불빛들은 서울이 비대해져 갈수록 옅어지는 별빛을 대신하는 밤하늘의 상징이 된다. 또한 화면 속에 점으로 남게 되는 개별 가구의 공간들과 일률적인 화면의 배열구도는 거대 도시 속에서 획일화되어 가는 현대인들의 삶을 은유하고 있다. 베른트 할프헤어의 사진오브제는 시각의 관점을 결합시킨다.
베른트 할프헤어는 서울에 체류하는 동안 그가 독일에서 지속했던 두 가지 측면에서 주위를 반영하는 대안적인 시선을 보다 확장시켜 왔다. 그의 작업은 특정한 공간을 촬영하고 원형의 사진 오브제로 제작하여 그 공간에서 전시하는 방식으로 일상에 대한 새로운 시각의 관점을 제시하는 것이다.
베른트 할프헤어가 이방인으로서 서울에 관심을 가진 것은 무질서하고 강렬한 건물이다. 그의 작업은 파노라마 화면으로 펼쳐지는 서울의 랜드스케이프이다. 그것은 최종적으로 뫼비우스의 띠로 존재하기도 하고 구형 조형물로 드러나기도 하는 끊임없이 펼쳐진 공동생활구역이다. 서구적 시선으로, 베른트 할프헤어가 열광하는 서울은 불편함과 가능성이 혼재된 공동사회인 것이다.
박찬경과 이주형은 가상의 서울을 구현하고 있다. 이 두 사람이 선보이는 서울은 모두 영상제작물을 위한 가상 세트를 촬영한 것인데, 하나는 북한에서 제작된 서울 세트이고 다른 하나는 남한에서 제작된 서울 세트이다. 두 세트 모두 비슷한 시기를 재현한 것으로 보여 지며, 지구상의 유일한 분단국가의 수도인 서울을 바라보는 시각의 차이를 느끼게 한다.
박찬경은 160여 개의 35mm 슬라이드 프로젝션으로 선보였던 '세트Set'의 내용 중에서 북한의 <조선예술영화촬영소>에서 촬영한 가상 서울 세트를 디지털 잉크젯 방식으로 선보인다('세트'는 <조선예술영화촬영소>와 남한의 예비군 모의 시가전 훈련장, 그리고 영화 <공동경비구역 JSA>를 위한 판문점 세트의 연속 프로젝션). 그의 사진이 재현하는 서울은 해방 전후의 풍경으로만 연상될 뿐, 존재한 적도 존재하지도 않았던 서울이다.
때문에 박찬경의 서울 세트사진은 시간과 공간에서 유리된 낯선 헤테로피아이자 일종의 데페이즈망으로 전시장에 남게 된다. 프로젝션의 현상학적 특징에서 벗어난 그의 서울은 수십 년 전에 촬영한 듯한 퇴색된 색상으로 인해 보는 이들에게 서울에 대한 왜곡된 꿈의 기억을 현현(顯現)시킨다. 그것은 어린 시절 무의식 속에 내재되었던 전쟁의 공포에 대한 경이와 신비로 가득한 화면을 마주하는 전율을 전해준다. 그의 퇴색된 화면 색감의 원인은 박찬경이 북한에서 촬영한 슬라이드 필름들을 현지에서 현상한 데에서 연유하며, 화면의 색상을 결정하는 프로세스는 실재하는 남북의 시간의 층차를 방증하고 있다.
반면 이주형은 1940-50년대의 동아일보사나 화신백화점과 같은 서울의 역사적 모뉴멘트가 담긴 드라마나 영화를 위한 세트장을 촬영한다. 그의 사진에서는 과거 속 서울의 특정 지역까지 유추할 수 있는 거리의 간판이나 건물들이 등장하지만 다수의 보는 이들은 이전 시대의 역사적 환기보다는 텔레비전의 내용이나 시청 당시의 특별한 기억으로 유도하게 한다.
따라서 이주형의 사진은 화면에 담긴 대상만큼이나 허구로 가득 찬 동시대를 살아가는 현대인들의 기억에 대한 진실성에 의문부호를 던진다. 그의 사진은 오늘의 서울에, 아니 세계에 지극히 역사적이거나 개인적인 시선이 존재할 수 없다는 것을 확인시키고 있다.
이형종은 대형필름과 장시간의 노출로써 서울의 심리적 이미지를 기록한다. 그의 사진은 약 20분이라는 긴 촬영시간으로 인해 자연적인 색상의 조화가 무너진 독특한 색상 밸런스를 지니고 있다. 마치 짙은 황사에 잠긴 듯한 도시의 인공물들은 서울이라는 거대 도시가 놓여져 있는 동북아시아의 지리적 여건과 그에 따르는 부대상황을 상기시킨다. 또한 화면의 절반을 차지하고 있는 사적 내러티브-이형종은 대리운전이라는 서울의 특별한 아르바이트를 했었다-의 대상인 서울의 도로는 완연하고 보편 타당한 회색 빛의 무게로 도시를 압도한다.
비워진 듯 신기루의 흔적만이 남아있는 사진 속 도로는 과학적으로 20여 분간 지나친 무수한 자동차와 사람들이 담겨있는 공간이지만, 우리의 시계(視界)로는 오로지 회색 빛 아스팔트와 그 위의 신호표지만을 인지할 수 있다. 그곳에는 끝없이 펼쳐지는 서울의 혈관만이 메갈로폴리스의 욕망을 드러내고 있을 뿐이다.
서울이라는 개념을 규정하는 공간은 역동적으로 광범위해짐과 동시에 민감하게 파편화 되어 이제는 이미지를 통해서만 확인할 수 있게 되었다. 1987년 버클리의 캘리포니아 대학의 앨런 제이콥스(Allan Jacobs)와 고(故) 도널드 애플야드(Donald Appleyard)가 제시한 미래 도시환경의 목표 중의 하나는 '아이덴티티와 조절 능력'이며, 그 포괄적 개념은 '살 만함'이다. 그렇다면 서울은 과연 어떤 정체성으로 우리에게 살 만한 환경을 인지하게 하는가.
언플러그드 씨어터에 참여하는 작가들 중 타자로써 서울에 존재했던 베른트 할프헤어를 제외하고는 의도했건 그렇지 않았건 간에 작품이미지가 비판적 풍경을 내재하고 있음에 주목할 필요가 있다. 동시에 이들 일곱 작가가 재현하는 공간이미지들은 서울의 정체성에 대한 메타적이고 근원적인 접근을 통해 '어디서, 어떻게 살고 있는가'에 대한 사고의 지엽적인 끄나풀들을 확대하고 있다.
도시가 생산해 내는 엄청난 이미지의 범람 속에서 재구성된 서울은 연극을 위한 세트처럼 우리 앞에 모습을 드러내고 있다. 세트는 이제 너무나 포괄적이 되어 배우를 필요로 하지 않는 세트 그 자체로써 존재한다. 근대 이후에 형성된 서울의 외형적 이미지가 내포하는 사고의 동인(動因)은 사진이라는 커다란 거울을 통해 이렇게 드러나고 있는 것이다.
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