전시장: 대안공간 건희(02-762-7332)
전시일정:2005-12-22 ~ 2005-12-31
전시서문
In the Green Heaven
도심의 여가공간에서 드러나는 군중과 유명 관광지를 찾은 관광객들에서 보이는 감정의 층위에는 어떤 유사한 연관성이 있다. 그들은 일상의 현실을 벗어나 잠시 휴식을 취하고 있다는 것과 비노동 시간에 여가를 위해서 휴식 공간을 원한다는 공통점을 갖는다. 그러나 그들이 개별적이라고 생각되는 지점은 그들 개개인의 무의식속에 잠재된 자신의 표상과 상황에 따라 반응하는 모습이 다르게 드러난다는 것이다. 도심의 공원이나 야외수영장에서는 그에 상응하는 모습으로 관광지에서는 공간의 속성에 따른 다양한 행태로 드러난다. 따라서 공간과 인물 사이의 개입으로 생겨나는 사건과 획일화된 제스처 혹은 아이러니한 제스처를 만들어 낸다.
In the Green Heaven시리즈는 2002~2005년 사이에 제작된 것으로 초기에는 도시의 여가공간과 도시의 빌딩을 대치시키며 개별적 인물보다는 군중의 움직임과 행태를 관찰한다. 그 안에는 크고 작은 다양한 이벤트를 위해 모인 사람들과 고층빌딩에 둘러싸인 고궁을 관람하기 위해 가이드를 따라 움직이는 사람들이 있다. 그리고 인공의 개울가를 친숙하게 자연적 대상으로 인식하며 휴식을 취하는 사람들과 도심에 조성된 분수대에서 마치 수영장에서처럼 짖굳게 놀고 있는 아이들이 있다. 이처럼 대도시에서의 여가 시간은 현대와 전통, 인공과 자연의 경계에서 우리에게 많은 체험을 제공한다. 따라서 군중과 주변을 둘러싼 현실은 판타지로써 작동하며 무의식의 제스처를 수반한다.
중반 이후에는 관광지를 다니면서 여가를 즐기고 있는 인물과 공간이 어우러진 상황들을 기록했다. 도시를 벗어나 자연의 공간으로 여행 중인 관광객은 자연이라는 현실적 공간과 무의식적인 비현실의 공간과 만나 개인과 군중의 제스처가 좀더 다양하게 드러나게 되었다. 이를테면 바닷가와 유적지에서 연출되는 군중의 모습은 무질서한 듯 펼쳐져 드러나지만, 그 속엔 나름대로의 질서정연한 반복적인 제스처로 표출된다. 자연적 공간을 대하는 그들은 마치 숨 막힐 듯 질식할 공간을 뒤로하고 무작정 밖으로 뛰쳐나가는 어린아이의 심정 같이 들떠있고, 그 안에는 어떤 해방감과, 탈출, 비현실, 휴식과도 같은 감정이 내재되어있는 것처럼 보인다.
이번 전시는 현실의 시간을 비켜가고 있는 우리들의 움직임과 행태, 군중의 무질서 속질서, 의식적 제스처가 카메라와 접촉하여 발생한 사건의 이미지를 만들어 내고자 한 것이다. 대도시의 여가공간과 도시민 그리고 지역의 주요 관광지를 떠도는 인물의 제스처와 움직임의 장면을 딥틱 이미지와 여러 장의 이미지로 묶는 방법으로 표현한다. 이로써 근대적인 시간의 고정성과 단절을 지양하고 현실과 비현실, 의식과 무의식, 공간과 비공간 사이를 넘나드는 운동성과 소통의 가능성을 획득하고자 한다.
글 / 방병상(사진가)
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Angel-Soldier / 天使-戰士
이용백 영상.설치展
2005_1223 ▶ 2006_0214 / 1월 1일 휴관
이용백_Angel-Soldier / 天使-戰士_단채널 비디오 영상_2005
● 위 이미지를 클릭하면 이용백 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2005_1223_금요일_06:00pm
개막 퍼포먼스_'Angel-Soldier_天使-戰士'
대안공간 루프
서울 마포구 서교동 335-11
Tel. 02_3141_1377
www.galleryloop.com
이용백: 전복적 힘으로서의 가상성에 대한 탐구 ● 국내 미술계에 한정해 볼 때 작가 이용백이 '첨단 디지털 매체와 예술을 접목'이라는 실험에 있어 가장 선두에 서 온 작가 중 하나라는 점에 이견이 있기 힘들다. 물론 '미디어아트' 즉 매체예술은 이미 국내에서도 미술계의 주된 흐름이 된지 오래이지만, 구체적으로는 제작과 전시의 기술적 측면에서 용이한 '싱글채널 비디오 작업'과, 이것에 약간의 변형을 가한 정도의 형식이 위주를 이루고 있다는 점을 상기할 필요가 있다. 그런 점에서 일반적인 의미의 '영상작업' 뿐만 아니라, 다양한 상호작용, 음향예술, 키네틱, 심지어 로보틱스 기술에 이르기까지 최근 매체예술의 가장 첨단적이고 까다로운 영역들에 거침없이 도전하는 이용백의 작업은 그 시도의 모험성만 가지고도 충분히 주목의 대상이 될 만하다고 생각된다. 단 이용백의 경우는, 대부분의 관객들이 단지 그러한 외적인 측면 즉 '첨단매체예술'이라는 이국적 측면을 통해서만 흥미를 가져왔고, 정작 그의 작업내용이나 예술적 의미, 동시대 미술과의 상호연관의 맥락 등에 대해서는 숙고해 볼 기회를 별로 갖지 못했던 것으로 생각된다. 따라서 이 글에서 나는 이용백의 과거의 몇몇 주요 작업들을 다시 소급하여 논하면서 그의 작업이 놓여있는 전체적 지평을 간략히 조망해 보려 할 것이며, 바로 그러한 조망 속에서 이번 '대안공간 루프'에서의 작업들 역시 선명히 이해되리라 생각된다.
이용백_인공감성_인터렉티브 미디어 설치_360×450×240cm_2002
90년도 초반 이후 현재까지 이용백의 작업은 전체적으로 작품의 내용이 다양하고 심지어 잡다하다는 인상을 줄 수도 있는데, 내가 보기에 이러한 면은 작가로서의 활동초기부터 한 두가지 인기있는 시리즈로 스스로를 협소하게 한정시키고 그럼으로써 진부한 매너리즘에 빠지기보다는, 폭넓고 충분한 실험을 통해 작업의 폭과 깊이를 자연스럽게 확보하려는 작가의 장기적 선택에 기인한 특징이라고 생각된다. 그리고 이번 대안공간 루프 개인전에서의 작품구성을 보면 작가가 그러한 다양한 실험들을 좀 더 압축된 한 두가지의 관심사를 향해 모아가려는 의도가 분명히 읽혀지고 있다. 우선 90년대부터 2004년도까지의 작업들을 살펴보면, 다양함 가운데에서도 의외로 이들 전체를 포괄할 법한 중대한 주제어 하나가 떠오르는 것은 흥미로운 일이다. 그것은 "이질성, 불경(不敬), 재현과 상징에 대한 공격, 탈중심화된 정체성" 등과 같이 오늘날 디지털매체문화의 생태에 밀접히 연관된 특징들로서 이용백은 이들을 형식적 측면에서는 '공감각'(synesthesia)이나 환각적 입체영상 같이 최근 해외의 첨단매체예술들이 탐구해 나가고 있는 면모들과 결합시켜 독특하게 가시화 해내고 있다.
이용백_Abnormal_비정상_5채널 비디오 영상_2002
그에 해당하는 몇 가지 사례를 들어보자. 2002년 『미디어시티 서울』전에 전시되었던 「Abnormal_비정상」이란 작품은 몰핑(morphing)의 기법을 통해 디지털예술의 가장 중요한 면모인 '액체성'과 '가역성'(可逆性), '변형성'을 부각시킨 작품이다. 그 작품은 부처의 도상이 예수의 도상으로, 다시 예수가 부처로 끊임없이 변형되어 나가는 과정을 보여준다. 이것은 괴기스러운 변신의 몸부림과 효과음의 연속으로 이루어져 있는데, 이 모든 변형과정은 사실 그 도상들이 지니는 상징적 궤도로부터 일탈을 시도하는 불경스런 의도로 가득 차 있으며, 나아가 그러한 불경스런 변신을 죽음을 충동과 자해의 쾌락, 무아적 황홀경의 상황으로 보여주고 있다. 상징적, 문화적 경계를 위반하는 이러한 거역적 운동은 사실 몰핑과 합성기술이 지배하는 인터넷 사이버공간의 가장 중요한 문화적 특성이고 생태라고 할 수 있다. 무엇이든지 차용, 합성되어 제 3의 변종으로 '전락'하는 과정 말이다. 사이버공간에서 순수함과 지역적 경계는 존재하지 않는다. 모든 시각적 기호는 변형을 겪게 되고, 고착된 상징적 질서로부터 분리되며, 이 작품은 바로 그러한 디지털 문화의 문화생태적 특성을 암시한다. 이러한 특성은 달리 표현하면 '이질적 세계들의 혼성적 공존'과 같은 것이며, 이는 철학자 장-프랑수아 리오타르(Jean-Francois Lyotard)가 이미 80년대 포스트모던 문화의 중요한 특징으로 제시한 '이교도주의' 혹은 '이단성'(paganism)의 개념과 밀접히 연관된다는 생각이 든다. 한편 오래 전에 초현실주의 이론가이며 이단적 사상가인 조르유 바타이유(Georges Bataille)는 타자의 침범과 공격에 의해 "자기적 동일성을 유지할 수 없는 것", "하나의 단일한 형태(form)로 정의될 수 없는 것", "잡다성에 의해 세계가 무너지는 순간"들을 성스러움과 비천한 세계가 상호 조우(遭遇)하는 순간으로 보면서 이를 비정형(l'informe)이라는 '반 미학적', '반 형식주의적' 함의를 지닌 표현으로 총괄하였는데, 이 역시 이용백의 작업의 특성을 잘 드러내주는 표현이라 생각된다.
이용백_Twins in Monitor_모니터 속의 쌍둥이들_비디오 영상설치_2001
그 다음으로 「Twins in Monitor_모니터 속의 쌍둥이들」(2001년작)라는 작품을 보자. 이 작품들은 앞서 언급한 비정상성에 대한 탐구라는 주제와 기본적으로 연관된 주제에 입각한 작품으로서, '돌연변이'와 '자기 정체성, 자기이마고(imago)의 분열'을 마치 마술적 환각을 보는 듯한 입체영상으로 보여주는 작업이다. 그 영상은 마치 태반 속에서 꺼낸 듯한 몸이 붙은 돌연변이 쌍둥이의 모습으로서, 이것은 실은 반투과 유리 밑에 감추어진 채 작은 레일 위에서 전후 왕복운동을 하는 모니터로부터 나오는 영상이며, 이로부터 마치 환각을 보는 듯한 입체 영상이 연출된다. 가두어진 암흑 속에서 사라지지 않고, 부유하는 이 쌍둥이의 영상은 손에 잡힐 듯 허공에 떠 있는 그 비현실적인 느낌을 통해서 보는 이에게 일종의 퇴행적 환상처럼 다가오며, 그 괴기스런 분열적 신체는 '하나의 순수한 나'라는 우리의 주체개념에 대해 교란으로 작동한다. 이렇게 신체의 이미지를 분열, 다중화시킴으로서 '탈중심화된 주체'라는 포스트모던적 주제를 탐구하는 작업은 이미 매체예술의 발생 초기부터 여러 작가들에 의해 탐구된 바 있는 다양한 작업들의 계보에 연결되고 있다는 사실에 주목하자. 예를 들어 피터 캠퍼스(Peter Campus)나 댄 그래함(Dan Graham)등의 작가들이 비디오 매체를 일종의 '거울복제'로 간주하고, 카메라의 교묘한 위치설정이나 시간지연 등의 방법을 통해, 복제된 자기이미지의 분열이나 주체와의 동일시가 실패하는 과정을 부각시킨 것은 그 고전적 사례들이라 할 수 있다.
이용백_Tactile documentary_촉각적 다큐멘터리_비디오 영상설치_1999
이와 같이 매체테크놀로지가 혼성적, 분열적, 다중적 존재론이라고 하는 일종의 '후기인간적'(Posthuman) 영역으로 우리를 인도해 가고 있음을 여러 작품을 통해 드러내고 있다. 그러한 관심사가 색다른 형식으로 표현된 또 다른 사례로서 「Tactile documentary_촉각적 다큐멘터리」(1999년작)를 들 수 있다. 이 작품은 레일 위를 수평으로 왕복하는 LCD모니터로 구성되어 있으며 이를 통해 한 게이 동성애자의 벌거벗은 몸을 보여주는 작업인데, 일단 그 소재 상에 있어서도 '양성적 몸'이라는 불순한 상태, 성적 질서의 와해를 내포하고 있다는 점에서 커다란 맥락에서는 앞서 언급한 작품 「Abnormal」과 동일한 관심사 위에 놓여져 있는 작품이라 할 수 있다. 여기서 주목할 점은 그러한 주제론적 측면만이 아니다. 이 작품은 그 신체를 극도의 클로즈업을 통해 마치 '눈으로 천천히 애무하듯이', 대상과의 거리가 소멸된 느낌을 만들어낸다. 그리고 이러한 방식을 통해 그 '불경스런' 대상은 '나'의 완고한 관념적 질서를 무너뜨리는 힘을 행사하고, 또 바로 이점 때문에 그것은 일종의 '공포감', 과잉된 '거부감'을 불러일으킨다.
이용백_Angel-Soldier_천사-전사_단채널 비디오 영상_2005
이용백의 작품 대다수에 대한 총체적이고 빠짐 없는 고려는 아닐지라도 이와 같이 몇몇 기존 작품사례들에 대한 고려를 통해, 우리는 이용백이 이질성, 혼성성, 분열적 주체 등 디지털문화와 예술의 가장 중요한 쟁점들을 적절히 집어내며 이를 작업주제로 탐구해 왔음을 알 수 있다. 이를 염두에 두면서 이번 대안공간 루프 개인전에서의 작품들을 살펴보면, 그러한 기존의 주제 위에 "가상시뮬레이션 시대의 인간의 존재론적 위상과 '실재'(The Real)의 개념"이라는 인접한 주제가 새로이 부가되고 있음을 발견할 수 있다. 이번 작업들 중에서 그러한 면모를 잘 드러내는 작업으로서는 「Angel-Soldier_천사-전사」(2005년작), 「Window in Window_창 속의 창」(2005년작) 같은 작품들을 들 수 있다. 이 작품들은 비디오 영사와 오브제 설치 등 다양한 혼합적 요소들로 구성된 작업으로, 이들은 큰 주제 하에 같이 포섭되는 하나의 작품으로도, 또는 여러 개의 분리된 작품들로도 볼 수 있다.
이용백_Angel-Soldier_천사-전사_퍼포먼스_2005
우선 「Angel-Soldier」의 경우 그 상황설정이 매우 독특하다. 공간은 다른 사물은 일체 없이 오직 화려한 인조 꽃들로만 채워져 있는 인공적 공간이며, 이는 오직 모조물(시뮬라크르)로만 순수하게 구성된 극단적 시뮬레이션의 세계를 함축적으로 제시한다. 그리고 우리는 그 안에 인조꽃 무늬로 완벽히 위장하고 총을 든 채 살금살금 전진하는 군인이 숨겨져 있음을 알게되고 놀라게 된다. 이러한 상황설정을 통해서 이 시뮬레이션 공간은 주체의 필사적 생존이 걸려 있는 극한적 전쟁터와 같은 것으로 묘사된다. 여기서 그 인조 꽃들은 일종의 강한 유혹의 힘을 행사하는 시뮬라크르이며, 군인은 그 환경과 완전히 분리된 독립적 개체가 아닌, 그 시뮬레이션 환경의 일부로 변환되어 있는 상태라고 할 수 있다. 즉 일종의 '위장의 존재론'이라고 부를 수 있는 상황인데, 이는 보호색과 같은 '위장' 또는 '의태'(mimicry)를 행하는 곤충을 인류학적 관점에서 확대해석한 로제 카이유아(Roger Caillois)의 이론을 빌어 고려해 봄으로써 매우 시사적 함의를 발견해 낼 수있다. 로제 까이유아는 곤충의 위장이 '개체가 능동적으로 행하는 행위'가 아니라, 개체가 외부의 강한 자극에 대한 굴복, 즉 일종의 피동적 과정이라고 규정한 바 있다. 이는 곤충의 입장에서는 '자아의 실체성의 상실'과 같은 것으로서, 생물의 주체성은 '탈-소유화'(De-possesion)되게 되고 외부공간의 강한 외부적 유혹에 굴복하는 것이다. 그리고 이로부터 곤충과 인간이 같은 본성을 공유한다는 관점 하에 일종의 '의식의 사회생물학(socio-biology)'을 지향하려 한 것이다.
이용백_Angel-Soldier_천사-전사_혼합재료 가변설치_2005
이러한 관점은 여러가지 다른 학술적 개념들로 변형되어 최근의 많은 사이버문화이론에서 표현되고 있는데, 그것은 바로 사이버스페이스, 가상공간과 같은 새로운 환경이 창출해내는 '액체적 자아'(Arthur Kroker)라는 것이다, 이것은 디지털 시뮬레이션의 기표들이 주체의 내부로 침투하여 주체의 자아를 변형적으로 재구성하는 과정을 가장 중요한 의제로 설정한다. 단 작품 「Angel-Soldier」에서 놓쳐서는 안될 점은, 그 안의 군인은 동시에 하나의 독립된 주체로 분리되어 행동하려는 시도를 하는 존재로 묘사되고 있다는 점이다. 정리하자면, 그 군인은 '시뮬레이션된 기표들 혹은 가상공간의 단편적 경험들로 치환되어 버린 인간' 대(對) '그로부터 독립된 주체의 가능성을 찾아나가는 존재'라고 하는 두개의 상반된 존재론 사이를 오가는 이중적 존재를 의미하며, 이는 오늘날 사이버공간에 특유한 인간존재론에 대한 포괄적이고 함축적인 스케치라고도 할 수 있다. 그리고 바로 이러한 점에서 내게는 이 작품이 이번 개인전의 전체적 주제를 함축하고 있는 가장 중요한 작업이라 생각된다.
이용백_Angel-Soldier_천사-전사_혼합재료 가변설치_2005
이 작품에 연속된 또 하나의 부분이라고 할 수 있는 '군복' 오브제 설치작업은 디지털매체시대의 예술가와 창조의 개념에 대해 명쾌한 발언을 하고 있다. 이는 「Angel-Soldier」 비디오에서 활용된 꽃무늬 위장군복과 헬멧 등의 실물을 나열한 설치인데, 각각의 군복에는 높은 계급인 장성 계급장과 함께, "Windows", "Quicktime", "Word", "Explorer" 등의 로고들이, 그리고 명찰에는 보이스, 피카소, 뒤샹, 백남준, 다빈치 등 미술사의 중요한 대가들의 이름이 기입되어 있다. 이 작품은 인조 꽃무늬, 전투복, 디지털 문화의 주요한 상징, 예술적 창조의 상징 등 4가지 요소들을 교차시키는 방법을 통해 시뮬레이션 시대에 새롭게 변모한 예술적 창조의 개념을 암시하고 있다. 그것은 오늘날의 예술이 가상공간 속에서의 무수한 복제와 편집, 변형의 과정 속에서 이루어지는 매우 가변적이고 전략적인 산물로 바뀌고 있다는 사실에 대한 암시이다. 예술의 진정한 생존과 위상 자체가 모호해지고, 예술가는 '기원적 창조'가 아닌 '복제물의 차용과 재구성'이라는 시뮬레이션 형식을 빌어서만 자신을 표현할 수 있는 역설적 존재, '창조-이후'(Postcreation)의 존재로 나타난다.
이용백_Window in Window_창 안의 창_비디오 영상설치_2005
현실공간이 곧 가상현실적 기술에 의해 시뮬레이션 된 기표들로 대체된다는 점, 그리고 로제 카이유아의 이론으로부터의 유추를 통해 보았듯이 독립된 주체가 이제 '주체-테크놀로지'라는 혼성적, 이종적(異種的) 상태로 변환된다는 점, 바로 이들이 소위 흔히 말하는 "실제와 가상의 뒤섞임, 혹은 양자간의 경계가 모호해짐"이라는 명제의 구체적 의미인 것이다. 이용백은 이번 전시에 그러한 경계의 모호성 혹은 상호중첩이란 면을 좀더 명쾌히 드러내려는 작업을 제시하고 있다. 「Window in Window」(2005년작)라는 작업은 창문을 통해 밖을 내다보며 놀고 있는 아이들의 모습을 보여준다. 그리고 중간 중간에 이러한 모습이 단지 데이터로 작성된 가상적 이미지임을 느껴지도록 청색 화면과 컴퓨터 명령어들이 아이들의 모습을 지워버리기도 한다. 그리고 이 '아이들' 앞에는 '시체'의 영상을 담은 LCD모니터가 반복적인 왕복운동을 하고 있으며, 아이들은 그것을 보고 "죽었다, 죽었다"라고 외친다. 여기서 우선 중시할 점은 관객에 의해 바라 보여지는 가상적 영역과 이를 바라보는 관객주체의 입장이 전도되고 있다는 점이다. 즉 아이들의 영상은 극장의 스크린처럼 관객의 시선이 한 방향으로만 집중되는 대상이 아니라, 영상 자체가 창문의 구조를 하고 있으며 이를 통해 가상공간의 아이들이 거꾸로 관객의 바라보는 상황을 연출한다는 점이다. 그럼으로써 다음과 같은 두가지 질문을 이끌어 낸다. 첫째, 아이들을 바라봄으로써 역으로 아이들에 의해 바라보여지는 식의 '시선의 상호중첩' 혹은 '상호반사'. 혹은 시선의 상호교차배어법적(chiasmatic) 중첩이라고 하는 현상학적 질문, 두번째 질문으로서, 창문을 세계를 향한 시선의 통로로 가정하고, 가상공간으로부터 우리를 역으로 바라보는 아이들을 통해 현재 관객이 점유하고 있는 실제세계의 실제성을 문제삼는다고 하는 존재론적 질문, 이러한 두가지 질문들을 「Window in Window」는 제기하고 있는 것이다. 한편 아이들의 영상 앞에 놓여진 시체의 영상은 그러한 시선과 실재의 문제를 부각시키기 위한 추가적 장치라고 할 수 있다. 이 장치는 앞서 인용한 이용백의 기존작품인 「Tactile documentary」와 거의 동일한 하드웨어로 구성되어 있다. 이것은 '아이들의 영상'과의 관계 속에서 작동하는 요소이지만, 그 자체로도 별도의 의미들을 내포하고 있는 별도의 작업으로 간주될 만한 가치가 있는 작업이다. 여기서 LCD모니터를 통해 스캐닝 하듯이 보여지는 대상이 비닐로 포장되어 방부처리된 음습한 시체라는 점이 중요하다. 아이들과 이 시체 사이에는 일종의 '부정의 부정'이라는 역설이 존재한다. 어차피 아이들과 시체, 양자 모두 실제적으로는 부재하는 가상적 존재들이며 '실재의 부재'일 뿐이다. 따라서 아이들이 '이미 부재하는 시체'에 대해 부여하는 "죽었다"라는 확언적(constative) 판단은 사실 이러한 구조 속에서는 역설에 불과할 뿐이며, 그 말은 결국 한 유기체의 죽음 뿐만 아니라, '실재의 죽음'이라는 이중의 의미를 내포하게 된다.
이용백_Window in Window_창 안의 창_비디오 영상설치_2005_부분
이 시체의 영상을 독립된 작업으로 간주하여 읽을 경우는, 이 역시 게이동성애자의 몸처럼 일종의 금지된 것과의 대면이라는 위반적 미학의 관점에서 이해할 수 있다. 이는 우리 안에 내재해 있는 '죽음의 충동'을 불러일으키는 면이라고 할 수 있으며, 이러한 죽음의 충동은 이용백의 작업 여기저기에 산재해 있는 중요한 주제이다. 이용백은 레일 위에서의 '반복적 스캐닝'이라는 방식을 통해 시체에 극도로 가까이 근접하고, 시체와 촉각적으로 교류하는 듯한 극한적 하이퍼리얼리티를 보여준다. 사실 그것은 시선이 아니라 일종의 착시이고 스펙타클의 과잉과 같은 경험이 된다. 여기서 또 하나 중요한 점은 '전체의 상실'이라는 면이다. 관객은 시체의 전체적 모습을 볼 수 없다. 단지 레일 위 모니터의 반복적 운동을 통해 상상적으로 전체를 재구성할 뿐이다. 오직 부분의 확대, 집적, 반복을 통해서만 전체가 추정될 뿐이다. 결국 '시체의 실재'는 단지 '파편들의 연속적 연결'을 통해서만 가능해지는 독특한 상황이 연출된다. 전체를 통합적으로 인지하게 해주는 형태 혹은 서사는 부재하며, 반대로 깨어진 서사적 단편, 상실된 기표의 파편들, '전체적이고 객관적인 실재의 부재'가 이 작품의 지배적 정조가 된다. 따라서 여기서 죽음이란 주제는 이중적 함의를 지닌다. 하나는 '불경스러운 것, 비사회적인 것, 공포스럽고 더러운 것과의 피할수 없는 대면'이고, 다른 하나는 '실제에 대한 믿음이 실제를 대체한 하이퍼리얼한 기표에 의해 위협받는 상황에서의 주체의 인식론적 무력함'이라는 보드리야르적 주제이다.
이용백_Angel-Soldier in Timeline_타임라인의 천사-전사_디지털 프린트_설치_2005
이용백_Angel-Soldier in Water_물속의 천사-전사_단채널 비디오 영상_2005
이용백의 작업에 있어 '첨단 매체 테크놀로지의 활용'은 단지 외적인 면모이며 수단에 불과하다고 할 수 있다. 그는 첨단매체미술의 하드웨어적 측면에 현혹되기 이전에, 그것이 미학적인 면에서 수반하는 혁신적이고 근원적인 차이를 이미 경험적으로 터득하고 이를 농축된 주제로 좁혀서 탐구해 온 작가이다. 그의 작업에 있어 가장 중요한 개념을 몇가지 압축해내자면, 지배적 상징질서로부터 축출된 존재들, 금기, 불경스러운 것, 이질적 타자의 영역과의 대화이며, 이용백은 이를 이미지들간의 혼성, 영상과 관객주체와의 혼성, 감각들의 혼성(공감각) 등 다양한 방식을 빌어 능숙하게 표현하고 있다. 따라서 그의 작업을 보면서 우리는 오늘날 첨단매체 예술이 열어나가는 포괄적 지평을 함께 읽어내게 된다. 그것은 바로, '가상성'(The Virtual)이란 것이 이 실제세계의 인식론적 질서에 개입하는 '불순하고 전복적인 힘'으로 작동할 수 있다는 통찰, 그리고 이것은 우리를 기본적으로 반-휴머니즘적, 이종적, 혼성적, 반-미학적인 새로운 문화의 지평으로 인도해 가리라는 통찰이다. ■ 김원방
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갤러리 정미소 《미디어 퍼레이드 - 한일미디어 아티스트 4인 4색》전
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| ▲ 이하나 싱글채널 비디오 프로젝션, 3분 55초,
2005년 |
서울 동숭동에 있는 작은 전시장에서 젊은 미디어작가 4명이 만났다. 갤러리 정미소에서는
《미디어 퍼레이드 - 한일미디어 아티스트 4인 4색》전이 한창이다. ‘교감交感-공감共感-통감通感’이라는 주제로 열리는 이번 전시는 ‘한일 우정의
해’ 공식행사로 마련된 것으로 서울과 동경에서 이어서 개최된다.
미디어 아트는 예술의 최전선에서 많은 실험을 해 온 미술 장르로서 미술 영역 확장에
기여해 왔다. 그러나 그 과정을 통해 대중과 소통하기 어려운 미디어 아트가 생산되기도 했는데, 이는 미디어가 갖는 대중과의 친밀성을 생각할 때
아이러닉하다.
이번 전시 《미디어 퍼레이드》전에서는 한국과 일본의 신세대 미디어 아티스트 4명의 작품이
전시된다. 이들의 작품은 이미 고전이 되어버린 비디오 아트에서부터 최근 뉴미디어 아트의 선봉에 서 있는 인터랙티브 아트, 그리고 미디어 설치
작품에 이르기까지 다양하다. 또한 이제 막 미술의 문턱을 넘어선 애니메이션 작품을 일본 작가의 작품을 통해 관람할 수 있다.
이번 전시를 기획한 김연주 큐레이터는 전시 서문에서 “이 작품들은 ‘예술이란
무엇인가’라는 고리타분한 물음을 던지지 않는다. 대신 ‘이 시대의 예술은 무엇을 해야 하는 것인가’를 생각한다”고 말한다. 즉 “우리가 느끼고
살아가는 현재를 어떻게 담아낼 것인가, 우리가 현재 고민하고 있는 문제는 무엇인가, 그리고 이러한 문제를 어떤 방식으로 제기하고, 이렇게 제기된
문제들을 어떻게 대중들과 소통할 것인가에 대한 방법을 보여준다”는 것이다.
박소현은 <와양>, <손 그림자 놀이>를 통해 전통적인 놀이문화를
디지털문화의 시각에서 새롭게 접근하고 있다. 인도네시아 전통 그림자 인형극에서 소재를 얻은 <와양>은 관객은 장갑을 끼고 자신만의
인형극을 시연하는 작품이다. 작품과 관객의 관계성을 탐구한 작가의 의도를 읽을 수 있다.
이하나는 여성의 이미지, 그 중에서도 특히 미술사 속에서 나타나는 여성의 사회적 역할에
주목한다. 그는 미술사 속에서 여성은 주부, 하녀, 창녀라는 3가지 역할만을 갖는 것에 의문을 제기한다. 작품 에는
17세기 네델란드 바로크 회화에 대한 작가의 관심이 드러나는데, 그는 베르미어의 작품 를 미디어를
통해 재해석한다.
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홋치 카주히로 <소래> 애니메이션, 5분,
2005년 |
일본 작가의 작품도 눈길을 끈다. 수작업으로 표현한 이미지를 영상트릭을 통해 애니메이션으로 제작하는 홋치
카주히로는 일본의 독립 애니메이션을 이끌어 가는 젊은 아트 애니메이터다. 그는 샤프팬슬 또는 화려한 원색으로 채색한 원화 이미지에 클래식 음악을
덧붙여 작업한다. 예술로서의 애니메이션을 지향하며 표현의 확장을 가져 왔다. 코지마 치유키는 현대인의 일상성에 주목하여 관성화된 의식을
환기시킨다.
《미디어 퍼레이드》전을 관통하고 있는 것은 참신함과 실험성이다. 참여 작가들은 한국과
일본이라는 문화적 차이에도 불구하고 관객과 소통하는 미디어 아트, 표현 영역을 확장시키는 미디어 아트를 제시한다는 점에서 공통점이 있다. 이번
전시가 작품과 관객간에, 한국과 일본간에 ‘소통하는 미디어 아트’의 가능성을 열어 주며 미디어 아트의 방향을 제시하는 기회가 되기를 기대한다.
오는 2월 6일(월)부터 26일(일)까지 일본 동경의 이케지리 디자인 인스티튜트
갤러리에서 열리는 일본전에는 박소현, 이하나와 함께 압인 드로잉 애니메이션이라는 형식실험을 해 온 김신일과 일상의 풍경을 시각과 청각 이미지로
환기시키는 작업을 하는 조득수가 참여하게 된다.
전시는 1월 19일(목)까지며, 전시에 관한 자세한 문의는 (주)아트컨설팅서울(전화
02-723-6277)로 하면 된다.
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인간과 장소의 사이
한국과 이스라엘 동시대 미술 교류展
2005_1220 ▶ 2006_0112
홍영인_The Performing City, Negoya, Japan_아시바 철골구조위에 망사천 방진막 제작_가변설치_2005
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초대일시_2005_1220_화요일_06:00pm
한국_홍영인_김수강_구자영_이현진_오인환_오순화_박윤영_서현석_장영혜중공업_유승호 ● 이스라엘_로미 아키튜브_야엘 바타나_암논 벤아미_가이 벤네_아야 벤론_그리샤 블루거_틸짜 에븐 & 브라이언 칼
도론 리브네_오리트 리브네_우지 쯔어
책임기획_로미 아키튜브_정윤아
쌈지스페이스
서울 마포구 창전동 5-129번지
Tel. 02_3142_1695
쌈지스페이스는 정윤아와 로미 아키튜브가 책임 기획한 한국과 이스라엘의 동시대미술 교류展: “인간과 장소의 사이”를 2005년 12월 20일 개최한다. 이 전시는 한국과 이스라엘의 작가 각각 9인씩 18인과 비평가 1인씩 2인(서현석/ 우지 쯔어)으로 총 20인이 참가하며, 동시대미술을 통해 문화적으로 별다른 교류가 없었던 두 나라 문화간의 대화를 시도하는 첫 번째 교류전이라는 의미를 지닌다.
김수강_inner wear-stockings_컬러인화
구자영_The Presentation_비디오 영상 스틸
이현진_Corresponding_비디오 영상 스틸
오인환_Street Writing Project_디지털 프린트
“인간과 장소”展은 세계화가 급속하게 진행되고 있는 오늘날, 작가들이 어떤 다양한 방식으로 자신들이 자라온 특정 배경의 언어, 시간, 장소와 맺는 관계를 작품으로 표현해내는가 하는 점에 주목하고자 한다. 이 전시는 상이한 문화적 배경을 갖는 작품들을 병렬함으로써 창조적이고 문화적인 과정을 탐색하기 위한 더 없는 기회를 제공할 것이다. 한국과 이스라엘은 어느 정도는 동양과 서양으로 문화적으로 나뉘어져 있다고도 볼 수 있지만, 양국 모두 먼 과거로부터 뿌리내린 문화를 지녔으며, 또한 세계화를 주도하는 외부 압력들에 의해 심각하게 좌우되고 있다는 공통점을 지닌다.
오순화_4 years in Astoria_디지털 프린트
박윤영_One Man of Importance and Two People of Unimportance_한지에 먹
장영혜중공업_MISS DMZ_플래쉬 애니메이션 스틸
유승호_Untitled_종이에 펜
세계화에 대한 주된 반대 의견의 하나는 세계화가 획일화되고 피상적이며 서구화된 대안들을 초래하면서 지역 특유의 문화를 약화시킨다는 것이다. 사실상 오늘날 이스라엘과 한국의 젊은이들이 20년 정도만 거슬러 올라가도 상상할 수 없었을 정도로 그 때에 비해 훨씬 더 비슷해져 있다는 것은 명백한 사실이다. 그러나 우리가 전 세계를 획일화시키는 영향력에 노출되어 있다는 것이 반드시 지역 문화의 파멸을 의미할 필요는 없는 것 같다. 이 전시가 증명해 보이고자 하는 것처럼 그와는 정반대로 그러한 외부 압력이 뜻하지 않게 오히려 변화와 적응을 위한 자극제로서 이바지하는 바가 있는 듯 하다. ● 이 전시는 미학적 가치와 주제를 공유하긴 하나 서로 다른 문화적 배경에서 만들어진 작품들을 병렬하여 함께 봄으로써, 문화적이고 개인적인 분류를 가로지르며 동시대미술 실천을 구속하거나 또는 분리하는 요소들이 무엇인지 그것들을 드러내 보기 위해 기획된 것이다. 따라서 이 전시의 중요한 목적은 첫째, 동시대미술 실천 속에 여전히 스며들어 있는 지역성의 표현을 강조한다. 둘째, 때때로 문화 유산이 동시대미술 비전에 끼칠 수 있는 미묘하고 간접적인 영향력을 드러낸다. 셋째, 동시대미술의 글로벌 언어, 형식과 컨셉을 이용하여 자신들의 사회적, 문화적 그리고 정치적 배경을 직접적이고 도발적인 방식으로 검토하려는 작가들에게 유용한 플랫폼을 제공한다.
로미 아키튜브_Global Villager_비디오 영상 스틸
야엘 바타나_Kings of the Hill_비디오 영상 스틸
암논 벤아미_Biting Device For Two_혼합재료
가이 벤네_MobyDick_비디오 영상 스틸
아야 벤론_First Aid_디지털 프린트
이 전시의 제목 “인간과 장소의 사이”는 작품이 어떤 방식에 의해 표명되는가에 초점을 맞추기 위한, 또는 ‘장소’를 둘러싼 느낌이나 개념과 작가들이 맺는 관계의 다양한 국면들에 주목하게 하는 ‘보는 방식’으로서 주어진 것이다. 출품작들 중 일부는 명백하게 사회적이고 정치적인 작품들이며 또 다른 어떤 작품들은 사적이고 친밀한 느낌을 준다. 참여 작가 중 일부는 드러나지 않은 사회 체제를 폭로하는 것에 관여하며 다른 한편의 작가들은 묘사나 표현 그 자체의 언어를 관찰하는 데에 관심을 가진다. 출품작들은 DMZ에 관한 희망적인 공상을 말하기도 하고, 남성의 사회화 의식과 페미니스트 입장의 사회적 발언을 주제로 하기도 하며, 서정적이고 명상적이면서 친밀한 공간이나 수수께끼 같고 불안에 휩싸인 세상을 보여주기도 한다. 그러나 이러한 주제의 상이성에도 불구하고 전시에 출품된 작품들은 모두 개인의 비전과 관심이 그것들의 배경이 되는 문화와 나누는 대화의 미묘함을 내포하고 있다는 공통점을 지닌다.
그리샤 블루거_Sanzetti’s Run_디지털 프린트
틸짜 에븐 & 브라이언 칼_Kayam Al Hurbano_비디오 영상 스틸
도론 리브네_Sound_종이에 펜
오리트 리브네_Untitled_종이에 그래피티
이 전시의 또 다른 중요한 시도는 두 명의 비평가가 전시 논제들과 작품들의 주제에 대해 논하기 위해 작가로서 초청된 것이다. 비평 텍스트를 작품과 함께 전시에 진열하는 것은 감상 행위를 좌우하는 다양한 문화적 결정인자를 전방에 드러냄으로써 비교에 의한 또 다른 감상 차원을 제공하고자 하는 의도이다. 텍스트는 미술 작품으로서 진열될 것이며 진열 방식에 있어서 전시에 출품된 다른 작품들과 차별을 두지 않을 것이다. 이러한 “쓰여진 미술 작품”이 전시에 편입되는 것은 상징적이기는 하지만 말과 이미지간의 상호 혜택적인 교환, 즉 해석하는 것과 해석되는 것이 동시대 인간들의 커뮤니케이션 세계, 문화적이고 의미론적인 경계들이 흐트러지고 있는 그 세계를 구성하며 표류하는 기표들의 역동성을 반복하여 말하고 반영하면서 끊임 없이 그 역할을 맞바꿀 수 있는 상호 대화의 가능성을 구축하여 보고자 하는 것이다. ■ 쌈지스페이스
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칠레현대미술전
다른 세계로부터展
2005_1111 ▶ 2006_0130
로베르토 마타_아메리카의 탄생_캔버스에 유채_208×296cm_1952
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초대일시_2005_1110_목요일_03:00pm
① 강연회
2005_1111_금요일_02:00~04:00pm_국립현대미술관 소강당
주제_칠레현대미술의 흐름 / 강연_프란시스코 브루그놀리
② 칠레영화제
2005_1112_토요일~1113_일요일_01:00~05:00pm
국립현대미술관 대강당 / 하루 2편, 총 4편 상영
③ 전시설명회
매주 금, 토, 일요일_1일 2회_01:00/03:00pm_제2전시실
국립현대미술관 제2전시실
경기도 과천시 막계동 산58-1번지
Tel. 02_2188_6000
『칠레현대미술전: 다른 세계로부터』전은 국립현대미술관이 칠레의 대표적인 현대미술관인 산티아고 현대미술관과 공동주최는 한ㆍ칠레 교류전의 일환으로, 그동안 한국과 미술교류가 없었던 남미 지역의 미술을 처음으로 소개하는 전시이다. ● 1950년대 이후 현재까지의 칠레 현대미술은 여타의 다른 나라와 마찬가지로 유럽과 미국의 현대미술에 많은 영향을 받으며 전개되었으나, 거기에 머무르지 않고 제3세계 국가의 사회적, 역사적 상황을 반영하는 그들만의 독특한 특성을 드러낸다.
사미 벤마요르_무제_캔버스에 유채_165×165cm_1992
엔리케 사냐르투_방랑자_캔버스에 유채_194×129cm_1955
칼로스 보그니_화염 속의 궁_캔버스에 혼합재료_240×520cm_2005
이번 『칠레현대미술전: 다른 세계로부터』는 칠레현대미술을 한눈에 조망할 수 있도록 1950년대부터 현재에 이르기까지 55명의 작가의 작품들로 구성되어 있다. 전시는 크게 두 부분으로 나뉘어 진다. 첫 번째는 산티아고 현대미술관 소장품을 중심으로, 비교적 원로, 중견 세대의 작품이다. 두 번째는 1990년대 이후 전개된 칠레 미술의 생생한 측면들을 볼 수 있는 신진 작가들의 작품이다. 특히 비디오, 설치, 사진, 웹아트 등 현대미술의 다양한 양상들을 볼 수 있으며 총 20명의 작가가 선정되었다. ● 이 전시는 무엇보다도 지금까지 서구나 아시아 선진국 일변도로 소개되던 국제 현대미술을 라틴 아메리카 국가로 확대시켰다는 데 큰 의미가 있다. 우리에게 생소한 칠레 현대미술의 만남은 관람객에게 색다른 미술 경향의 소개뿐 아니라, 미술을 통해 그들의 문화, 정치, 역사에 대한 체험을 제공할 수 있는 기회를 제공할 것이다.
막시모 코르바란_거주지_설치, 250×250×250cm_2002
파올라 카로카_눈물 등_폼보드에 컬러사진_100×100cm_2005
산티아고 현대미술관 소장작품 ● 산티아고 현대미술관은 국립칠레대학교 소속으로 1947년 설립되었다. 국립칠레대학교는 20세기 초반 예술 교육과 연구를 수행할 수 있었던 칠레 유일의 기관이었다. 산티아고 현대미술관은 개관 이후, 칠레 현대미술에 있어 중심적인 위치를 차지하며 현대미술의 여러 경향을 폭넓게 수용하고 있다. ● 1950년대 칠레 미술사를 특징지은 사건은 크게 두 가지이다. 첫째는 "직사각형 그룹"의 등장이다. "직사각형 그룹"은 기하학적 추상을 추구하였으며, 전통 혹은 재현을 옹호했던 기존 미술과 철저히 단절하고자 하였다. 라몬 베르가라 그레스, 구스타보 포블레테, 마틸데 페레스 등이 대표작가들이다. 둘째는 로베르토 마타이다. 초현실주의의 대가인 마타의 작품과 그의 예술적 행보는 유럽과 미국에서 큰 반향을 일으켰고, 그로 인해 칠레에 많은 영향을 주었다. 로돌포 오파소, 네메시오 안투네스, 엔리케 사냐르투, 기예르모 누뉘스 등과 같은 작가들에게서 그의 영향을 확인할 수 있다.
익나시오 구무시오_여학생들_나무에 에나멜과 라텍스_50×100cm_1996
카로리나 루프_황제의 정장_설치_가변크기_2005
1960년대에 칠레 미술계는 엥포르멜과 밀접한 관계를 맺으며 발전하였다. "기호 그룹"은 그러한 경향을 대변한다. 호세 발메스, 그라시아 바리오스, 알베르토 페레스, 에두아르도 마르티네스 보나티 등이 이 그룹의 멤버였으며, 엥포르멜의 흐름은 1973년까지 무난히 진행되었다. ● 또한 1965년 이후 실험적인 움직임이 나타났다. 호세 발메스와 그라시아 바리오스 등은 극단적인 실험적 태도로 미술계를 장악했으며, 이들은 일상적 물건의 사용, 회화에 대한 거부, 대중과의 소통 등을 주된 관심으로 삼았다. 이와 같은 시도는 70년대 후반 정점에 이르렀지만, 당시 미술관들은 이러한 흐름에 무관심한 태도를 보였고, 그런 이유로 실험적 형식을 띤 작품들이 산티아고 현대미술관에 많이 소장되어 있지는 못하다. ● 1980년대에 들어서는 개인의 향락주의적 경향과 자전적 성격의 작품들이 다소 등장한다. 그것은 1973년 쿠데타로 권력을 잡은 독재정권이 국민을 통제하고 검열을 강화했기 때문이다. 그로 인해 미술가들은 사회적 관심을 표현하기 어려웠으며, 지극히 주관적인 미술을 제작할 수밖에 없었다. 또한 독일과 이탈리아의 신표현주의의 영향으로 회화가 복권되는 특성을 보여주기도 한다. 사미 벤마요르, 칼로스 마투라나(보로로) 등이 이 시대를 대표하는 작가이다.
파블로 리베라_가제예_혼합재료_가변크기_2001
알렉시스 카레뇨_잠_폼보드에 컬러사진_200×400cm_2001
1990년대 이후의 변화 ● 1990년 군사독재체제가 끝나자 칠레 미술계에는 새로운 변화가 일어나기 시작하였다. 통제와 검열을 벗어나 예술적 표현의 자유를 획득하게 되었고, 예술발전을 위해 마련된 국가 기금인 'FONDART'가 창설되어 예술가들을 후원하게 되었다. 이런 상황에서 출현한 세대를 통상 "90년대 이후 세대"라고 부른다. 이들은 독재정권 하에서 교육을 받았지만, 민주주의로 이행된 현 시기를 관통하며 살아온 젊은 예술가들이다. 따라서 급격한 변화를 몸소 경험했으며, 변화에 내재한 모순과 불안을 예술적 언어로 표현한 작가들이다. ● 이번 전시는 90년대 이후 일어난 변화를 나타내기 위해, 지극히 미세한 간격을 두고 두 집단으로 분리하였다. 첫 번째 그룹은 회화에 대한 비판적 성찰을 견지하면서, 회화의 역사와 재현의 실체를 탐구한 작가들로서 '전환기의 작가'로 명명되었고 카타리나 도노소 등 5명이 선정되었다. 두 번째 그룹은 첫 번째 그룹보다 더 젊은 세대의 작가들로서 모니카 벤고아 등 15명이다. 새로운 감각을 바탕으로 장르의 경계를 자유롭게 넘나드는 이들의 작품세계는 80년대 세대의 향락주의에 대한 반발과 오브제(object), 전유(appropriation), 키치(kitsch) 등 현대미술의 여러 특징들이 발견된다. ■ 국립현대미술관
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ONGOING
Carl Andre to VIk Muniz展
2005_1213 ▶ 2006_0212
빅 뮤니즈_Grey Marylin(Pictures of Diamond Dust)_2003
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초대일시_2005_1213_화요일_05:00pm
댄 플래빈_빅 뮤니즈_제니 홀처_칼 안드레_프레드 샌드백
가인갤러리
서울 종로구 평창동 512-2번지
Tel. 02_394_3631
1990년대 청담동의 주요 화랑 중 하나였던 가인갤러리가 2005년 평창동 (구)이응노미술관 자리로 위치를 옮겨 새롭게 문을 열게 되었다. 가인갤러리는 1992년 청담동에 화랑을 설립한 이후 이인현, 민병헌, 홍명섭, 천광엽 등 국내 작가들과 Gottfried Honegger, Roman Opalka 등의 외국 작가들의 개인전과 〈The Nineties〉 등 다수의 그룹전을 개최하고 해외 유명 아트페어에 참여하는 등 1990년대 활발히 활동한 바 있다.2005년 평창동으로 이전한 가인갤러리는 첫 전시로 외국작가 5인의 그룹전 〈ONGOING〉을 마련했다. 이 전시는 1960년대 대표적인 미니멀리즘 작가로 알려진 칼 안드레(Carl Andre)와 댄 플래빈(Dan Flavin)부터 그 후 포스트미니멀리즘 작가로 분류되는 프레드 샌드백(Fred Sandback), 그리고 현대미술작가 제니 홀쳐(Jenny Holzer), 빅 뮤니즈(Vik Muniz)까지, 다섯 작가의 대표작품을 통해 미니멀리즘이 현대미술에 미친 영향력을 살펴볼 수 있는 전시이다.
프레드 샌드백_Violet Day-glo Corner Piece_1968/2004
"내가 생각하는 조각은 하나의 길이다. 그 길은 어떤 특정지점에서 혹은 어떤 특정지점으로부터 스스로를 드러내지 않는다." 칼 안드레(Carl Andre)의 조각에 대한 이 정의는 은유적인 그 표현만큼이나 많은 뜻을 내포하고 있다. 우리가 길을 걷다 멈춰서서 바라본 길의 모습이 그 지점마다 다르며 한 지점에서 바라본 것이 그 길의 전체 모습이 아닌 것처럼 안드레가 생각하는 조각은 그것이 놓여진 장소에 따라, 또 그것을 바라보는 그 순간사람들의 느낌에 따라 달라진다는 것이다. 지극히 당연해 보이는 이 언술은 취미에 관한 오랜 미학적 논의에서 취미가 주관적인 것이라는 설득력 있는 주장이며, 전통적인 조각의 정의에 반하는 안드레 자신의 새로운 조각에 대한 예술관의 피력이다. 무엇인가를 새겨 넣고 깎아냄으로써 어떠한 형태를 만들어내는 것이 아니라 일정한 모양의 사물을 반복적으로 배열함으로써 어떠한 공간을 완성하는 칼 안드레의 조각은 관람객 각자의 관점에 따라 새롭게 해석되며 관찰자가 그것을 지각하는 과정에서만 작품을 이해할 수 있다는 것이다.
칼 안드레_Carbon Wide Train_2004
칼 안드레의 이러한 새로운 예술개념은 도널드 저드(Donald Judd), 댄 플래빈(Dan Flavin), 솔 르윗(Sol LeWitt) 등과 함께 '미니멀리즘'이라 칭해지며 1960년대 미국의 비평가들 사이에서 큰 주목을 받았다. 이들 미니멀리즘 작가들은 가공되지 않은 산업적인 재료를 사용해 동일한 단위를 규칙적으로 배열함으로써 극단적인 간결성과 중립적인 태도를 유지하고, 그로부터 예술의 자기표현(self-expression)과 환영(illusion)을 '최소화'하고자 했다. 이러한 특징들로부터 비롯된 미니멀 아트의 기하학적이고 추상적인 모습 때문에 미니멀리즘을 1950년대 추상표현주의 회화와 맥을 같이 하는 것으로 보는 시각도 있다. 그러나, 추상표현주의 회화가 회화라는 틀 안에서 자신의 영역을 공고히 하는데 전력을 다했던 반면, 미니멀리즘은 이러한 회화의 철옹성에 도전하고자 공장에서 만들어낸 재료를 통해 누구나 만들 수 있을 것같은 실제 사물을 작품으로 제시함으로써 회화도 조각도 아닌 전혀 새로운 예술을 시도했던 것이다. 이러한 점에서 미니멀리즘은 오히려 마르셀 뒤샹의 레디메이드 - 어떠한 오브제라도 예술작품이 될 수 있음을 보여준 - 의 혈통에 가깝다. ● 사실상 '미니멀리즘'은 그 명칭에서부터 다소부정적인 뉘앙스를 띤다. 그것은 작가들 스스로 원치 않은바 당시 비평가들 사이에서 그들의 예술이 지닌 기계적인 엄밀성과 소극적인 구성을 빗대어 '미니멀'이라고 부른 것에서 연유하기 때문이다. 또한 미니멀리즘은 1960년대 잠시 성행하다가 1970년대 초 그 물질적 특성에 반대하는 예술가들의 움직임에 의해 금새 거부의 대상이 되고 말았던 것이다. 그러나 미술사의 짧은 하나의 경향으로만 단정짓기에는 미니멀리즘이 오늘날 미술에 끼친 그 영향력은 지대하며, 미니멀리즘의 여러 요소가 현대미술의 두드러진 특징으로 자리하고 있는 것이 사실이다. 따라서 미니멀리즘의 정신적 의미와 그 중요성에 대한 재평가는 현대미술의 발전을 위해 필요한 일이 될 것이다.
댄 플래빈_설치광경
댄 플래빈_untitled(For conor cruise o'brien)5A_1990
이번 전시에는 칼 안드레와 더불어 또 한명의 미니멀리즘 작가 댄 플래빈의 작품이 선보인다. 그의 작품은 미니멀 아트의 특징을 잘 대변하면서도 다른 미니멀 작가들과 차별되는 미적인 풍부함이 있다. 플래빈은 오로지 기성 형광등을 기본단위로 한 반복적인 구성을 통해 실제 공간을 완성한다. 형광등이야 말로 누구나 구입할 수 있는 산업재료이며 작가는 재료에 어떠한 변형도 가하지 않은 채 요소들간의 관계와 공간과의 관계를 고려해 단위들을 배열할 뿐이다. 플래빈 자신이 작품의 부제로 여러차례 언급한 타틀린의 유명한 강령인 "실제의 공간과 실제의 재료를 사용할 것"을 그대로 따르고 있는 셈이다. 그러나 플래빈이 미니멀리즘이라는 하나의 예술 사조를 넘어서 자신만의 고유함을 갖는 것은 그의 작품이 어떠한 지시체도 없으며 환영도 존재하지 않지만 형광등의 빛과 색의 조화만으로 그 어떤 예술작품보다 풍요로운 미적 외형을 만들어낸다는 사실이다. ● 미니멀리즘은 등장 후 십년도 채 되지 않아 예술의 상업화로 치부되며 제대로 한번 조명조차 되지 못한 채 포스트미니멀리즘이라는 반동세력을 맞닥뜨렸다. 그러나, '포스트(post)'라는 용어가 일반적으로 '반(anti)'과 '후기(after)' 두 가지 의미 모두로 사용된다고 할 때 '포스트미니멀리즘' 역시 미니멀리즘의 가치에 대한반동을 함축하면서도 미니멀리즘의 특징을 일부 계승하는 것이 사실이다. 사실상 포스트미니멀리즘은 미니멀리즘의 두드러진 물질적 특성으로부터 벗어나 예술의 도덕성을 회복하고자 했던 1980년대 후반까지의 광범위한 예술현상 - 퍼포먼스 아트, 프로세스 아트, 대지미술, 비디오 아트 등 - 을 지칭하는 바, 이들의 공통된 양상이라면 수집가의 수집품이 되는 오브제를 가능한 만들려 하지 않았다는 점 정도가 될 것이다.
제니 홀처_Blue&Green Corner_2004
연대기상 이번 전시의 허리에 위치한 프레드 샌드백(Fred Sandback)은 이러한 면에서 편의상 포스트미니멀리즘 작가로 분류해도 무방할 것이다. 샌드백의 실을 이용한 설치작품은 물론 미니멀 아트처럼 실제 부피와 면적을 가진 물질이 공간을 구성하지 않는다는 점과 작가가 한정된 공간에 실로 드로잉을 하는 퍼포먼스적 요소가 강하다는 점에서 미니멀리즘과는 거리가 있다. 그러나, 실상 그의 작품은 많은 부분 미니멀리즘의 뒤를 잇고 있다. 먼저, 선만으로 구성된 샌드백의 모든 작품은 외견상 기하학적이며 극도의 간결성을 특징으로 한다. 또한, 물질성으로 공간을 채우지 않으면서도 공간의 부피를 표현한다는 점에서 존재하면서도 존재하지 않는 무언가를 만들어내는 샌드백의 공간 드로잉은 '실재하는 환영'으로서 어떤 다른 상을 지칭하는 전통적인 의미의 환영이 아니라는 점에서 미니멀리즘의 환영에 대한 거부와 맞닿아있다. 그리고, 샌드백의 조각은 미니멀 조각들이 공간의 벽, 바닥, 혹은 천장에 설치됨으로써 작품을 완성하는 것에서 한 걸음 더 나아가 공간과 시간에 따라 동일한 작품도 다른 작품이 될 정도로 공간특정적(site-specific)이다. 현대미술의 주된 특징 중 하나인 공간의 특수성이 미니멀리즘에서의 공간의 중요성에서 출발했다 해도 무리는 아닌 셈이다.
나머지 두 작가는 최근현대미술의 선두에 위치한 제니홀쳐(Jenny Holzer)와 빅 뮤니즈(Vik Muniz)다. 먼저 제니 홀처는 전쟁, 폭력, 인종차별, 성, 질병 등 사회정치적인 주제와 자신의 개인적인 이야기를 전광판, 벤치, 티셔츠, 텔레비전 광고 등 다양한 매체를 통해 대중과 소통하는 텍스트 작업을 해왔다. 자신의 개인적인 주장을 텍스트를 통해 직접적으로 관객에게 설파한다는 점에서 홀처의 작업은 극히 자기표현적이며 그녀의 작품에서 작가의 주관은 매우 중요한 위치를 점한다. 이러한 특징은 분명 미니멀리즘과 거리가 멀다. 그러나, 대부분의 현대미술처럼 홀처의 작업에는 상충된 요소들이 혼재한다. 그녀는 LED 전광판과 같은 대표적인 자본주의 사회의 산업재료를 자신의 주된 매체로 삼고 있으며, 같은 재료와 형식을 반복적으로 이용하는 작품들을 주로 행한다는 점에서 중요한 미니멀리즘의 요소를 또한 가지고 있기 때문이다.
빅 뮤니즈_설치광경
빅 뮤니즈_School Triptyph(Pictures of Chocolate)_2001
빅 뮤니즈의 경우에는 상충된 요소들의 아이러니가 한층 더 하다. 뮤니즈의 작품은 초콜릿 시럽, 설탕, 먼지, 실핀, 흙, 철사 등 극히 일상적인 재료를 사용해 그림을 그리거나 조각을 만든 뒤 그 일차적 결과물을 다시 사진이라는 이차적 매체로 담아내는 형식을 취한다. 인물, 풍경, 정물까지 모든 미술장르를 뛰어난 솜씨로 재현해내는 그의 일차적 제작단계는 분명 어떠한 상을 옮긴 것으로서 환영이 존재하는 전통적인 화가의 그것이다. 그러나 그의 재료와 소재 선택은 특별하다. 정신분석학자 프로이트의 포트레이트 연작을 위해 무의식과 욕망의 상징인 초콜릿 시럽을 택하고, 자본주의의 대표적 심볼이자 워홀의 주된 소재였던 마릴린 먼로의 포트레이트 연작을 위해 다이아몬드 잔해물을 택하는 식으로 그의 전 작품에서 재료는 소재에 따라 다르게 선택된다(물론 재료에 따라 소재를 택하는 반대의 경우도 있다). 이러한 뮤니즈의 재료 선택과 기본단위를 이용한 배열, 그리고 연작에 대한애착에서 우리는 오늘날 현대미술 도처에 남아있는 미니멀리즘의 흔적을 발견할 수 있는 것이다. ● 그간 미니멀리즘은 1960년대 미국에서 유행한 하나의 예술 경향으로서 그 형식적 특성에만 국한되어 편협하게 논의되어 온 것이 사실이다. 이러한 사실에 주목하여 이 전시는 미니멀리즘이라는 명칭에 갇힌 외형상의 요소들만을 볼 것이 아니라 당시 그러한 예술을 시도했던 작가들의 의도와 본질적인 성질을 되새김으로써 하나의 지나간 사조가 아닌 그 영향력이 지속되고 있는 예술태도로서의 미니멀리즘을 재조명하고자 한다. 한 공간에서 호흡하는 칼 안드레, 댄 플래빈, 프레드 샌드백, 제니 홀처, 빅 뮤니즈 다섯 작가의 작품을 통해 오늘날 미니멀리즘이라는 사조는 존재하지 않지만 그 영향력은 곳곳에 자리하고 있으며 계속하여 다른 형태로 진행하고(ongoing) 있음을 제시하려는 것이다. ■ 신혜영
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