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내가 가장 감명받은 영화가 파리,텍사스임에도 불구하고-물론 기억은 가물 하지만서도:-) 빔벤더스는 꼭 학생같은 기분이 드는 이유가 뭔지 모르겠다. 내가 저 감독을 대가라고 지칭할 날이 올런지. 무튼, 부에나도 좋았고 이거저거 다할줄 아는 것도 잼나긴 하다.
글고보니 웬지 파스빈더하고 대척점에 있는 감독같다는. 정말 오래 살것같지 않아?
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출처 : zizine.net
작성자 : Richard Phillips(WSWS) http://www.wsws.org
벤더스(1945∼)는 의학과 철학을 공부한 뒤, 1967∼70년 뮌헨 필름&텔레비전 아카데미에 들어갔다. 그는 1960년대 말 〈남독일 신문〉(Suddeutsche Zeitung)과 〈영화비평〉(Filmkritik)에서 영화평론가로 활동하다, 1970년 이후부터 20여 편의 극영화를 연출해오고 있다. 파스빈더(Rainer Werner Fassbinder), 헤어조크(Werner Herzog)와 함께, 벤더스는 1970년대 뉴 저먼 시네마(New German Cinema)의 핵심 인물이었다. 그의 작품 다수는 이탈리아 감독 안토니오니(Michelangelo Antonioni)가 처음 선보인 서정적 분위기의 신비주의를 발산하고 있다. 어느 유명한 촬영기사는 적절하게도, 벤더스의 모든 영화에서는 "빛과 분위기가 배우"라는 말을 하였다.
대표작 : 《페널티킥을 맞은 골키퍼의 불안》(1971), 《도시의 앨리스》(1974), 《미국인 친구》(1977), 《파리, 텍사스》(1984), 《베를린 천사의 시》(1987), 《구름 저편에》(1995), 《밀리언 달러 호텔》(2000)
리처드 필립스(이하 RP) : 《부에나비스타 소셜 클럽》은 어느 모로 보나 훌륭한 영화예요. 그러나 이 영화가 쿠바의 정치와 역사 문제에 소홀했다고 비판한 사람들이 일부 있었습니다. 이런 말에 대해 당신의 생각은 어떻습니까?
빔 벤더스(이하 WW) : 이런 식의 말에 대한 대답으로 저는, 명백하게 정치적인 영화를 만들려고 한다면 일은 훨씬 더 간단하다고 설명하고 싶습니다. 그런데, 저의 목적은 쿠바, 아바나, 또는 그 곳 민중의 삶에 대한 정치적 입장 표명을 자제하고 단지 있는 그대로의 현상을 보여주는 데 있었어요. 이것이 결국에는 더 큰 정치적 효과가 있다고 전 생각합니다.
저는 진짜 이 영화가 미국에서 상영되길 바랬는데, 왜냐하면 미국인 대다수에게 쿠바는 알려져 있지 않았기 때문이죠. 많은 미국인들은 쿠바가 있는 줄도 몰라요. 그들에게 지도를 보여주면서 쿠바가 어디 있는지 물어보시면, 대답하지 못할 겁니다. 그래서 전 정치적 해석을 배제하고 단지 그 곳의 멋진 사람들과 그들의 음악을 있는 그대로 보여줄 수 있는 영화가 미국인들에게 더 잘 각인될 것이라고 느꼈죠. 그래서 제가 옳았다는 게 입증되지 않았나요?
RP : 《부에나비스타 소셜 클럽》의 놀라운 점은 쿠바 사람들이 역경에도 아랑곳 않고 따뜻하고 천성이 착하다는 것을 보여준다는 점인데요.
WW : 쿠바 민중은 놀라울 정도로 강한 불굴의 정신을 가지고 있어요. 이것은 그들의 음악과도 연관되는 것 같아요. 그들은 우리들 대부분의 경험과는 너무도 다른 방식으로 음악과 더불어 살고 있거든요.
우리들에게는 음악은 주로 연예에 속하고 사치인 것이 다반사죠. 오페라를 예로 들어볼까요. 오페라를 보러 가면 턱시도를 차려 입어야 하고 돈도 많이 들죠. 쿠바에서는 음악이 전혀 그렇지 않답니다. 사치나 상업적 오락이 아니라 먹고, 숨쉬고, 자는 것과 같은 기본적인 무엇이죠. 음악이 삶에 없어서는 안될 것이라는 점이 제게는 놀라웠고 매우 감동적이었어요. 저는 그런 곳에서 살아본 적이 한 번도 없었기 때문이다.
밴드의 단원들은 많이 힘들게 살았고 사기도 많이 당했고, 그것에 대해 솔직하고 진솔하게 말한답니다. 예를 들어, 이브라힘 [페레]는 언젠가 자신의 인생과 직업에 대단히 실망했었노라고 순순히 말하더군요. 그는 제대로 그의 재능을 인정받지 못했고, 살아오면서 한 번도 리드 싱어가 되지 못했으며 늘 보조 가수였다가, 마침내는 자신이 몸담고 있던 밴드에서 쫓겨나기도 했죠. 그는 음악으로 생계를 유지할 수 없어서 온갖 일을 해야만 했어요. 심지어 복권도 팔았다지 뭐예요.
그가 파리, 런던, 뉴욕에서 살지도 못했고 갈 수도 없었다는 건 당연한 얘기죠. 1970년대 그는 모스크바, 프라하, 바르샤바를 비롯한 동구권의 수도들에 갈 수 있었지만, 그것도 끝나고 그는 더 이상 공연을 하지 않고 있더군요. 그는 자신의 바라는 것을 알지 못했고, 결국 음악을 포기했습니다.
그런데, 이 모든 걸 말하는 그는 여느 사람 같지 않았어요. 다른 사람 같았으면 자신들의 인생 이야기를, 어느 정도의 씁쓸함, 후회를 가지고 혹은 체제, 청중, 지나칠 수도 있을 법한 다른 무언가를 탓하면서 말하기 마련이죠. 이브라힘은 불평 한 마디 없이 자신의 얘기를 하더군요. 그리고 밴드의 다른 사람들도 모두 마찬가지였죠. 쿠바인들의 정신과 얼은 거의 대체로 이렇습니다.
아마도 음악 때문에 그들은 그렇게 살아갈 수 있을 겁니다. 늘 모든 것을 있는 그대로 받아들이고 고통, 어려움, 또는 불의에 불평 한마디 없이 말이죠. 이런 성격은 정말 대단한 겁니다. 제 평생 이와 같은 곳을 본 적이 없답니다. 실제로 전 이것을 로스앤젤레스를 거쳐 베를린에 돌아왔을 때 알아챘어요. 이 곳의 모든 이들은 훨씬 더 잘 살고, 쿠바와 같은 빈곤도 없지만, 모든 이들이 불평을 하더라고요. 아바나는 지난 몇 년 동안 제가 있어본 도시 중 가장 가난한 곳이었지만, 머물러 있는 동안 돈을 구걸하는 사람은 한 명도 없었어요.
루벨 [곤잘레스]가 과거에 카지노였던 어린이들의 체육관에서 피아노를 치고 있는 장면을 기억하실 거예요. 발레를 배우는 작은 소녀들 생각나시죠? 하루 종일 그 아이들과 있다가 짐을 싸고 모퉁이에 주차시켜놓은 작은 밴으로 움직이고 있었죠. 막 출발하려고 하는데, 그 작은 발레리나들 중 한 명이 우리 쪽으로 뛰어오는 거예요. 제 아내가 떨어뜨렸던 것이 분명한 20달러짜리 지폐를 쥐고 있더군요. 도나타(벤더스의 아내)가 고맙다고 말하기도 전에, 그 소녀는 이미 가고 없더군요. 함박웃음과 함께 돈을 돌려주고 눈 깜짝할 사이 사라진 거죠.
달러의 가치를 모르는 쿠바 얘는 없어요. 달러도 통용 화폐고, 아메리카 달러만으로도 살 수 있는 게 매우 많죠. 그 소녀는 자기 아버지가 그 정도 돈을 벌려면 한 달간을 일해야 한다는 것을 분명히 알았을 거예요. 하지만, 그녀는 고맙다는 말조차 기다리지 않았어요. 제게는 이것이 쿠바의 정신을 요약한 것으로 보였어요. 우리가 아는 종류의 가치에 지배되지 않는 사람들인 거죠.
RP : 당신의 작품들 다수는 미국 영화가 유럽과 세계의 대중 문화에 끼친 영향을 탐색하고 있습니다. 《부에나비스타 소셜 클럽》을 제작한 것이 이 문제를 바라보는 당신의 생각에 영향을 주었나요?
WW : 저는 미국 영화와 미국 이외의 영화를 병치하는 것에 조금 싫증내고 있어요. 이러한 이분법이 1980년대나 90년대 초반만큼 유효한 것처럼 생각되지 않거든요. 영화는 세계적 현상이에요. 미국 스타일의 영화라고 일반적으로 묶어지는 것은, 사실 스튜디오 제작 영화죠. 그러나 산업에 의해 주도되는 영화는 다른 많은 곳에서도 존재합니다. 일테면, 아시아에는 산업 주도 영화, 스튜디오 영화, 기획 영화가 수없이 많아요. 그리고 유럽에서도 이런 식의 영화들이 점점 더 많이 제작되고 있죠.
이와는 달리, 유럽, 아시아, 미국에서는 다른 종류의 영화들도 만들어지고 있죠. 세계를 착취(exploit)하려 하기보다는 탐구(explore)하려는, 이야기 중심의, 경험 중심의 영화들 말이죠. 그래서 산업 주도의 영화와 독립 영화(가장 적절한 단어는 아니지만)의 분리는 한 국가만의 문제가 아니라 전세계적 현상이랍니다.
그래서 이런 타입의 영화를 미국적, 저런 타입의 영화를 유럽적 등이라고 정의하는 것에 싫증이 난다는 것입니다. 그런 이분법이 더 이상 타당하지 못하니까 말이죠.
RP : 그렇다면 소위 유럽문화를 미국문화에 대비시키는 사람들이나 문화 보호주의를 주장하는 이들과 뜻을 달리 하시겠군요?
WW : 예. 저는 수년간 그 논쟁의 선봉에 있었습니다. 유럽영화아카데미의 회장이자 대표로서 그 문제에 관한 오랜 논쟁들을 수없이 해왔으니까요. 수년 동안, 유럽 문화는 영화를 필요로 한다, 그것을 보호해야만 한다는 것을 설득하기 위해 정치가를 비롯한 이들에게 로비밖에 한 것이 없어 보이네요. 그러나 보호주의는 유럽 영화의 무덤이 될 것이라고 생각해요. 무언가 둘레에 울타리를 치고 이것 때문에 그것이 살아남을 수 있다고 생각함으로써 무엇을 보호할 수는 없는 거거든요.
저는 유럽 영화에 대해 대단한 자부심을 느끼고는 있지만, 유럽 영화가 살아남도록 하는 방식은 멸종 위기로 만드는 것이 아니라 세상 속으로 내놓는 것입니다. 영화는 그것에 대한 어떤 욕구가 있기 때문에 전세계 사람들이 보는 것이 아니겠어요?
사실, 유럽 즉, 이탈리아, 프랑스, 독일, 영국의 영화들 중 얼마나 많은 작품들이 지난 몇 년 동안 그 나라들에서 일정 관객 영역을 회복했는지 알면 놀라실 겁니다. 1980년대 말 독일 영화의 독일 시장 점유율은 4∼5%였고, 나머지 95%는 미국 영화였죠. 지금은 20∼30%가 독일 영화들입니다. 10년 전만 해도 이건 완전 망상처럼 들렸죠. 상상도 못했으니까요. 독일 영화가 보호를 받았기 때문에 이럴 수 있었던 걸까요? 독일 영화가 "거인들에 대항해 살아남을 수 있도록 제발 도와주세요"와 같은 태도를 버리고 독일영화만의 가치를 훨씬 더 많이 깨달았기 시작했기 때문이죠.
RP : 베르뜨랑 따베르니에(Bertrand Tavernier : 프랑스의 영화감독)를 비롯한 다른 감독들이 영화 평론가들은 윤리적 척도가 있어야 한다고 주장하면서 프랑스에서 벌어진 최근의 논쟁을 알고 계셨나요?
WW : 들어는 봤어요. 주로 인터넷으로요.
RP : 어떻게 생각하시죠?
WW : 많은 논의들과 주장들이 웃기더군요. 몇몇 점에서 매우 프랑스적인 현상이더군요. 물론 프랑스는 매우 훌륭한 영화들을 만들고 있고, 세계 영화와 관련 여전히 영화 대국입니다. 그러나 문제는 영화 비평의 타락이예요.
지금의 소비주의 시대에 전세계(첫째는 미국이지만, 유럽도 마찬가지)의 영화 비평은 영화 산업을 견제하기보다는 비위를 맞추게 됐죠. 오늘날 대부분의 기자들은 영화 산업을 위해 일하면서, 그 산업을 비추는 종류의 거울 역할은 하지 못하고 있어요. 그런데 이러한 현상이 프랑스에도 닥친 것이란 말입니다.
진짜 비평이 없으며 과거의 기준이 사라졌다는 것을 이제 깨닫게 된 많은 프랑스 감독들은 영화 비평의 질에 많이 격분하고 있어요. 그리고 그것은 사실이기도 하죠. 〈리베라시옹〉을 읽으면 평론가들의 수준이 어찌 이렇게 낮아졌는지 깜짝 놀랄 것입니다. 그러면서도 고집이 얼마나 센지, 그리고 미국적인 것이면 무엇이든지 얼마나 멋지다 하고 비판적, 기묘한, 낯선, 또는 프랑스적인 것은 무엇이든지 얼마나 무시하는지. 〈리베라시옹〉과 같은 좌파 잡지도 그렇다니까요. 이것은 틀림없는 사실이고, 타베르니에 등은 과장하고 있는 게 아니죠.
그러나 영화 비평의 타락이 프랑스에만 한정되는 얘기는 아니에요. 그것은 세계적 현상이죠. 영화 배급자의 목록에서 빠지거나 시사회에 초청을 못 받지나 않을까 하는 염려를 조금도 하지 않고서 쓰여진 정말 독립적인 잡지나 비평가를 찾기는 오늘날 정말 어렵거든요. 요즘 비평가들이 쓰는 비행 경비, 호텔 숙박비, 여행 가방, 아름다운 사진, 선물 등의 경비를 영화 배급업자들이 내주는데, 그들이 영화에 대한 진지한 비평을 쓴다고 하니. 상황이 이러할진대 독립적인 글을 쓸 수나 있겠어요? 못 쓰고 말고요. 그들의 삶은 제작사를 위해 일하고 글을 쓰는 것이랍니다.
누벨 바그(New Wave) 때는 이렇지 않았죠. 그 때만 해도 비평가들은 진짜로 독립적이었고, 누군가의 맘에 들려고 글을 쓴 적이 결코 한 번도 없었거든요. 영화감독들과 비평가들은 서로에 대해 글을 썼고, 때로는 매우 격렬하기도 했죠. 이제는 아니에요.
독립적인 영화 비평 문화는 완전 씨가 말랐고, 이는 우리가 현재 소비주의 시대에 살고 있기 때문인 것 같아요. 모든 것이 오락(entertainment)이죠. 비평도 오락이 되다 보니, 프랑스 영화 감독들은 어느날 자고 일어났더니 그들이 더 이상 지지를 받고 있지 못하다는 걸 깨달았던 것 같아요. 그래서 비평가가 갖춰야할 원칙에 관한 논쟁이 재밌다는 거예요. 감독들의 분노에 공감하지만, 그 반면 비평가의 윤리 의식이 문제를 해결할 것이라고 생각지는 않는다는 거죠.
RP : 영화가 하나의 매체로서 관객의 상상력을 확장하고, 현존 상황과는 다른 현실에 대한 꿈을 그들 내부에 키울 수 있게 해준다고 생각하시나요?
WW : 예, 그럼요. 영화는 매우, 매우 강력한 매체랍니다. 지금 그대로가 괜찮다는 생각을 확인시켜 주기도 하고, 또는 상황이 바뀔 수도 있다는 생각을 북돋아주기도 하니까요. 이 두 가지 입장이 각각 미국 영화와 유럽 영화에 해당하는 건 아니에요.
오락은 오늘날 지금 그대로가 괜찮다는 메시지를 끊임없이 강조하고 있어요. 그러나 변화는 가능하고 필요하며 그건 우리의 책임이라고 말하는 또 다른 종류의 영화가 있죠.
제가 보기에는, 상황이 바뀔 수 있다는 생각을 지지하는 영화는 모두 훌륭한 것 같아요. 너무도 정치적일 필요는 없어요. 반대로 정치적 메시지를 전혀 가지고 있지 않은 영화라 하더라고 변화에 관한 관념을 촉진시키고, 그 형식과 언어로서 사람들에게 삶을 바꿀 수 있고 세상의 진보적 변화에 기여할 수 있다고 말할 수 있거든요. 그러한 정신을 가지고서 상황이 변화될 수 있다고 말하는 영화라면 만들어볼 가치가 있어요.
RP : 인터뷰 시간이 얼마 남지 않았지만, 파스빈더(Rainer Werner Fassbinder)의 작품에 대해 평가하고 그가 당신에게 미친 영향을 말씀해주실 수 있겠나요?
WW : 우리는 같은 해에 앞서거니 뒷서거니 출발했는데, 가장 큰 차이는 제가 뮌헨 영화학교에 합격했다는 것이고 그는 떨어졌다는 거죠. 그는 대단히 화가 나서 공부를 하면서도 영화를 만들 결심을 했죠. 그래서 저보다 돈을 좀 더 많이 벌었다고 생각해요.
그를 알게 됐고 친구가 되어 함께 일하면서 공동 제작 배급사를 운영했다는 점을 전 매우 기쁘게 생각해요. 사실, 당시 독일에서 영화를 제작한다는 것은 일종의 연대 행위였으니까요. 우리 모두는 서로를 도우며 영화를 만들었어요. 파스빈더나 우리들 중 어느 누구도, 단지 우리만으로는 성공하지도 못했을 테고, 우리가 제작한 수의 작품도 만들지 못했을 거예요. 우리는 서로에게 영화를 보여주면서 격렬히 토의했어요. 생각이 일치했던 적은 거의 없었죠.
영화 제작에 관해 그 때만큼 아이디어, 스타일, 견해가 다양했던 적은 없었어요. 그러나 그런 식의 연대를 계속할 때만이 작품 활동을 이어나갈 수 있다는 데는 같은 생각이었어요. 진짜 이것 때문에 당시의 뉴 저먼 시네마(New German Cinema)가 가능했던 거죠. 스타일이나 내용에서 어떤 일치점도 없었다는 것이 프랑스 영화와 달랐던 점이죠. 어떤 프로그램이 있었던 이탈리아 네오 리얼리즘과도 달랐고요. 우린 그런 게 전혀 없었어요. 모두가 자기 자신만의 전통 혹은 아이디어를 가졌으니까요.
파스빈더는 우리들 중에서 가장 작품을 많이 찍었고 정말 죽을 정도로 일했어요. 그는 자신이 죽는다는 걸 알았지만, 그것이 그의 방식이었죠. 그렇게 해서 그는 지금도 생명력을 지닌 중요한 작품들을 만들어냈지만, 많은 걸 잃어야 했죠. 그는 20세기 후반에 가장 위대한 몇 편의 작품을 제작했어요. 그는 발명가였죠. 매우 급진적인 사람이었지만, 결코 허황되진 않았어요. 당시에, 아니 지금에도 그를 대신할 수 있는 사람은 없어요.
그가 1990년대에도 활동한다면 어떤 영화를 만들었을까 하는 생각이 가끔 들어요. 그가 자신의 건강에 별 신경을 쓰지 않았다는 게 정말 화가 나네요. 그는 밤에 약을 먹고 새벽 3, 4시에 잠을 자러 갔죠. 그리고는 아침 7시에 일어나 깨기 위해 또 약을 먹었어요. 그렇게 해서는 오래 살지 못하죠. 그는 딱 미치광이였죠. 일중독자 말예요. 죽을 정도로 일한다는 걸 스스로 알고 있었고요.
RP : 당신은 미켈란젤로 안토니오니(Michelangelo Antonioni)가 중풍에 걸린 뒤 만든 《구름 저편에》(Beyond the Clouds, 1995)에서 그와 함께 작업을 했습니다. 그 때 얘기 좀 해주실 수 있겠나요?
WW : 제 인생 중 매우 특별한 순간이었죠. 그 작업에 참여할 수 있었다는 점과 안토니오니가 병과 노령에도 불구하고 영화를 만들 수 있다는 걸 증명했다는 점이 기뻐요. 아시다시피 그는 1985년 중풍에 걸린 뒤부터, '예', '아니오' 같은 단음절 단어 몇 개나 간단한 말 빼고는 말을 할 수 없었죠.
영화를 함께 만들기 전, 저는 그와 많은 작업을 한 잔 모로(Jeanne Moreau)와 얘기를 하게 됐죠. 영화 계획에 대해 말하고, 내가 그것을 할 수 있을 것 같냐 또는 문제가 있지 않겠냐 물어봤죠.
그녀는 "당연히 해야지. 해야만 해"라고 바로 말하더군요. "안토니오니와 《밤》(La Notte)을 찍을 때, 그는 내게 한 마디도 안 했어. 촬영 첫날부터 마지막날까지 말야. 그는 내게 한마디도 하지 않았지만, 그 영화는 내가 가장 자랑스러워하는 영화인 걸. 그가 말을 할 수 없다는 게 그에게는 어떤 문제가 된다고 생각하지 않아"라던 그녀의 말이 옳았어요. 말하는 게 힘들다는 것이 영화감독으로서의 그에게는 전혀 문제가 아니라는 걸 그는 입증했거든요.
▷ 원문 : http://www.wsws.org/articles/2000/jan2000/wwen-j10.shtml
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당신들을 위한 Requiem [1]
흰 친구에게 
