볼프강 틸만스/`CARCIOFO` Still-Lifes
오룸갤러리(02-518-6861~2)
2007-11-16 ~ 2007-12-12
볼프강 틸만스 사진전 “아티초크”
이번 전시는 한국에서
열리는 볼프강 틸만스의 첫 번째 전시이다. 그는 1968년, 독일 북서부의 렘샤이트에서 태어났으며 현재 런던에 거주하며 미국, 아시아, 유럽 등
전 세계를 순회하며 전시를 해오고 있다. 볼프강 틸만스는 세계적으로 높은 인지도와 중요도를 가지고 있는 예술상 중 하나인 터너상을 2000년도에
수상하면서 사진예술계에서 국제적으로 떠오르는 스타급 작가중 하나로써 경력을 쌓기 시작하였다. 그는 다른 사진작가들에 필적하지 않는 자신만의
스타일을 가지고 있으며 어떤 학풍에도 소속되어 있지 않다.
그의 사진 작품들을 보면, 마치 우연히 찍힌것처럼 보이지만, 피사체를
한발짝 더 자세히 들여다 보면, 그 피사체의 본질적 요소을 드러내고 있으며, 또한 사진의 현실적인 장면을 위해 그가 의미심장한 파편들을 까다롭게
선택한 것을 알 수 있다. 더 나아가 사진 안에 디테일한 요소들은 상황과 오브제들의 배열, 분위기(고요하거나 시끄럽거나 또는 미니멀하거나 밀도감
높은)를 총체적으로 표현하기 위한 상징물들로 가득차 있다는 것을 느끼게 된다. 그는 “지금” “여기서” 일어나고 있는 사건과 리얼리티, 인간을
바라보는 신선하고 명확하며 날 것 그대로의 시선을 극도의 조작이나 이상주의 없이 시간에 대한 해석이자 기록으로써 연대기를 한 장의 사진안에
담아내는 재주를 가지고 있다.
전시기획자 Werner Kruger는?
이번 전시의 큐레이터인
베르나르 크뤼거(Werner Krueger)는 지난 5월 오룸갤러리에서 열린 미디어 영상 전시 “When the speeds become
form˝의 전시기획자로 독일의 필름 프로듀서이자 사진작가이며 함부르크의 영화 기술자였다. 수십 년간 인물 사진에 열정을 쏟아온 사진작가로서
자신이 직접 촬영한 사진과 글이 들어간 ‘Der Film und ich(필름과 나)’의 저자이기도 하다. 그는 자신만의 뚜렷한 성향과 태도를
작품에 드러내기 위해 수 년간 예술가와 동행하면서 작가와 예술작품을 관찰하고 분석하는 매우 개인적인 방식을 취하는 포토그래퍼이자 필름
프로듀서로써 요셉 보이스의 자필 사인이 들어간 흑백 사진, 70년대 말 80년대 초의 앤디워홀의 사진 등 다수의 작업을 하였다.
볼프강 틸만스(A)와 베르너 크뤼거(Q)의 대담
Q:틸만스씨, 당신은 독일의 작은 도시, 렘
쉐이드에서 태어났습니다. 그러나 뉴욕, 런던과 베를린과 같은 대도시를 더 선호했고 1996년부터는 런던에 정착했습니다. 비정하고 모든 것을
삼켜버릴 것 같은 도시의 분위기, 도시의 기후, 환경, 냄새와 먼지 같은 것들이 당신의 사진의 행보를 결정하는데
필요했습니까?
A:지금까지 내가 보여준 것들은 내가 사는 메트로폴리탄의 생활상이 반영된 것들입니다. 그러나 다른 면에서는 나는
그것과 반대 되는 것을 더 그리워합니다. 나는 작업에서 대지와 산들 그리고 바다를 억지로 떼어 버리려 하지 않습니다. 그리고 사람들이 밀집되어
사는 곳에서만 꼭 작품을 만들려고 하지 않습니다. 나에게는 짧은 시간에도 많은 사람들과 함께 하는 것이 아주 중요합니다. 대화와 정보의 교환은
큰 역할을 합니다. 결국 대도시는 나에게 삶의 배경으로 의미가 있습니다. 나의 작업의 중심은 그러나 결코 대도시가 아닙니다. 예를 들면 내가
독일의 작은 도시출신이기 때문에 그런 소도시의 모습을 작품에 담는 것은 아주 잘합니다.
Q:우리는 이 전시를 위해서 40장의
사진 중에서 선택을 했습니다. 정물화가 주를 이루는 것이 눈에 띄는 데요. 소음이 가득한 대도시가 생성해내는 것과는
정반대군요.
A:정물은 일반적인 세계에서 떨어져 나온 소우주와 같습니다. 정물작업이 시작된 곳은 나의 세계입니다. 모든 정물들은
완전히 내가 구상해낸 것은 아닙니다. 어떠한 연출과 발견된 것들을 결합한 것입니다. 그것은 하나의 오브제로서 창턱 위나 마룻바닥 위 아니면
테이블 위에 만들어진 것이죠. 이러한 사물들은 나의 삶을, 나의 세계를 이야기 합니다. 이미 지나간 과거의 전기적인 도킹지점만으로 이해되는 것이
아니죠. 그것들은 물론 아주 보편적으로 읽혀질 수 있는 하나의 오브제(사물) 입니다.
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벽癖의 예찬, 근대인 정해창을 말하다
정해창 展
2007_1109 ▶ 2008_0203 / 월요일 휴관
● 위 이미지를 클릭하면 일민미술관 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2007_1108_목요일_05:00pm
제1부 사진인문학을 열다(2전시실)
제2부 서도전각의 길을 가다(1전시실)
관람시간_화요일 - 일요일 오전11시 - 오후7시 / 월요일 휴관
관람료_일반 3,000원 / 청소년 2,000원
주최_일민미술관_무허정해창선생탄생100주년기념사업회
기획_일민미술관_사진아카이브연구소
후원_한미문화예술재단_한국문화예술위원회
일민미술관
서울 종로구 세종로 139번지
Tel. 02_2020_2055
www.ilmin.org
벽癖의 예찬, 근대인 정해창을 말하다 ● 이 전시는 1929년 우리나라 최초로 ‘예술사진개인전람회’를 열었던 무허(舞虛) 정해창 선생의 탄생 100주년을 맞이하여 개최하는 기념전시회이다.
1907년에 태어난 정해창은 보성고등보통학교를 졸업 후 일본으로 유학을 떠나 독일어를 전공하면서 그림과 사진을 배웠으며, 금석학 연구를 위해 중국유학을 다녀온 근대지식인의 한 전형이었다. 그는 해방 이전 사진가와 서도전각가로 활동했으며, 해방 이후에는 금석학 연구 및 불교미술사 연구에 전념하면서 미술평론가로 활동하기도 했다.
본 전시는 이처럼 다양한 예술 및 학문 연구 활동을 한 그의 삶의 궤적을 따라 근대지식인의 한 전형을 살펴보고, 딜레탕트의 한계를 넘어 취미를 벽의 수준으로까지 끌어올린 그의 문화예술 관련 작품들을 새롭게 조명하고자 한다.
이 전시는 정해창의 예술활동 영역에 따라 크게 제1부 ‘사진인문학을 열다’와 제2부 ‘서도전각의 길을 가다’의 2부문으로 나누었다. 제1부는 1929년부터 1939년까지 사진가로서 활동한 시기의 사진작품들을 중심으로 구성하였으며, 제2부는 1941년 <서도전각전>의 개최 이후 서예가와 전각가로 활동했던 시기의 서예 및 전각 작품들로 꾸몄다.
이번에 처음 공개되는 정해창의 빈티지프린트는 한국근대사진사연구에 있어 소중한 실물자료이자 일제강점기에 우리나라 사람이 촬영한 몇 안 되는 근대기록물 중의 하나이다. 또한 해방 이후 전국을 답사하면서 촬영한 총 2,483점의 불교미술사진은 근대시각문화유산이라 할 만하다.
식민지 지식인으로서 전통문화에 대한 재인식을 통해 민족의식을 고취한 정해창은 평생 ‘조선적인 것’을 쫓아 사진에서 서예와 전각으로 그리고 우리나라 불교미술 연구의 길로 걸어갔다. 그 과정에서 그가 성취한 예술작품과 연구 성과들은 우리에게 문화적 자산으로 남겨졌다. 이번 전시가 그가 남긴 자료들을 발굴·정리·복원하여 정해창이라는 근대적 텍스트를 다시 읽는 자리가 되기를 바란다. ■ 이경민
제1부 사진인문학을 열다, 무허舞虛 정해1부창 ● 1929년 첫 번째 전시 이후 1939년까지 모두 네 차례의 개인전을 개최한 정해창은 10여 년간 사진가로 활동하면서 500여점의 작품을 남겼다. 이 시기의 정해창은 나라 잃은 식민지 지식인이라는 자의식 속에서 전통, 민족, 조선적인 것에 주목하였으며, 사진을 통해 근대 일상 속에서 발견되는 전통의 이미지를 표출하는데 노력했다.
그가 발견하려 했던 것은 여항문인화가들이 그림 속에서 다뤄왔던 주제와 내용들이었으며, 주로 인물화, 풍속화, 산수화, 점경인물화, 화조영모화 등 전통회화의 화목과 양식에서 ‘조선적인 것’을 찾으려 했다. 따라서 제1부는 전통회화의 화목에 따라 정해창의 사진을 분류했으며 여기에 정물, 자화상, 문화재를 보태 총 8개 부분으로 구성하였다. 한편 정해창은 금석학 및 불교미술 연구를 위해 1953년부터 1957년까지 전국을 답사하면서 8000여점의 사진을 촬영하였으며, 그 중 2483점을 선별하여 5권의 스크랩북에 정리했다. 이번에 처음 발굴, 공개된 이 불교미술사진첩은 그의 예술사진과 함께 우리나라 근대기의 중요한 역사기록물로서, 사진인문학의 계기를 마련할 수 있을 것이다.
정해창
정해창
정해창의 사진은 몇몇 사진을 제외하고는 정확한 제목과 제작연도를 알 수 없어 따로 캡션을 붙이지 않았다. 사진의 대부분은 정해창이 사진가로 활동했던 1929년에서 1939년 사이에 촬영되었으며, 유리건판에서 밀착인화한 젤라틴실버프린트이다. 본 전시에 출품된 사진은 1941년경 정해창이 직접 인화한 유일한 원본사진(빈티지프린트)들이다.
제2부 서도전각의 길을 가다, 수모인水母人·물아재物我齋 정해창 ● 1939년 네 번째 사진전을 끝으로 사진활동을 접은 정해창은 1941년 화신백화점에서 개최한 ‘서도전각전’을 통해 서도전각가로 데뷔하였다. 근대 전각의 양 대가였던 위창 오세창과 성재 김태석에게서 사사한 그는 이 전시를 계기로 자신의 스승들처럼 서예가이자 전각가이자 불교미술사가의 길을 걸었다. 당시 대표적인 미술평론가였던 윤희순으로부터 ‘그 계(界)의 계승자로서 부끄러움이 없다’는 평가를 받을 정도로 정해창은 35세의 젊은 나이에 서예와 전각 분야에서 일가를 이루었다.
‘서도전각전’은 그의 첫 번째 사진전과 마찬가지로 전람회 형식의 개인전으로는 매우 선구적인 전시였다. 따라서 현존 작품뿐만 아니라 그가 촬영한 전시장 전경사진과 복제사진 등을 활용하여 당시의 전시 상황을 일부 재현하였다. 제2부의 구성 역시 정해창이 ‘서도전각전’에서 분류했던 것과 마찬가지로 서예, 전각, 각석의 세 부분으로 나누었다. 또한 그가 참고했던 서적들과 작품제작에 사용된 서예 및 전각 도구 등 관련 유품들을 함께 진열하여 이해를 구하고자 했다.
정해창의 서예 및 전각 작품은 그 자체로 감상될뿐더러, 그가 활동했던 시기의 교유관계를 밝힐 수 있는 단서를 제공한다. 또한 글로 쓰거나 새긴 명문의 내용을 통해 그의 미의식과 정신세계를 엿볼 수 있다는 점에서, 서예 및 전각을 넘어 사진에서 그가 표출하고자 했던 바를 이해하는 통로가 될 것이다. 따라서 기존의 분과학문이 나누어놓은 학문간, 매체간 경계를 넘어 종합학문, 종합예술의 입장에서 정해창을 바라본다면, 시간적 편차를 두고 진행되었던 그의 다양한 예술 활동 및 학문 연구 활동들이 서로 교통하고 있음을 확인하게 될 것이다.
정해창_수모인(水母人), 물아재(物我齋), 무허화실(無虛畵室) -정해창의 자호인
정해창_진금문(秦金文), 수모인 정해창, 대련(對聯)_135.5×34cm
20세기 초, 서양문물의 유입과 일본유학을 통해 신문화를 접하게 되었던 지식인들에게 이제까지 경험하지 못했던 문화적 표현방식들은 신선한 충격이었을 것입니다.
정해창선생은 일본 유학길에 사진기라는 경이로운 물체를 접하고 귀국한 후, 사진작업에 몰두하며 다가오는 세계에 대한 흥분과 기대를 과학적인 방식으로 접근하고자했고, 서예와 전각에 전념하며 자신의 취미 벽(癖)을 공공화(公共化)하고자 했습니다.
근대의 인문적 시각문화를 되짚어 현대를 알고자 노력해온 일민미술관은 무허 정해창선생 탄생 100년을 맞아 <벽(癖)의 예찬- 근대인 정해창을 말하다>전을 열면서 한 개인이 당시에 일으킨 센세이션과 후대에 미친 역량을 살펴보고자 합니다. 이 전시가 우리의 일상문화가 나아갈 길에 작은 지표를 제시할 수 있길 기대합니다. ■ 일민미술관
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기억의 간격
서윤희 개인展
2007_1108 ▶ 2007_1125 / 월요일 휴관
서윤희_Memory Gap 0093_혼합재료_92×118cm_2007
● 위 이미지를 클릭하면 브레인 팩토리 홈페이지로 갑니다.
초대일시_2007_1108_목요일_06:00pm
관람시간_화요일~일요일_11:00am~06:00pm
브레인 팩토리
서울 종로구 통의동 1-6번지
Tel. 02_725_9520
www.brainfactory.org
찬바람이 분다. 지난 여름은 어찌나 덥고 길게만 느껴졌는지 한반도가 아열대성 기후로 바뀌어 가는 증거라 한다. 내년부터는 장마라는 말이 사라지고 대신 우기(雨期)라는 용어를 사용하기로 했다 한다. 세상이 변하다 못해 날씨도 변했다. 이땅에서 자라 40년을 조금 못 산 사람의 입장에서 참으로 적응하기 쉽지 않다. 때가 되면 비가 오고, 때가 되면 낙엽이 떨어지던 지난날의 기억은 아직도 생생한데. ● 찬바람이 불고부터 차 생각이 자주 난다. 따뜻한 차나 커피가 유난히 더 그리운 요즈음 서윤희의 작업실을 그려 본다. 1년 내내 차 냄새가 가시지 않을 그 작은 공간에서 작가는 찻물을 계속 우려내고 있을 것이다. 바닥에 비닐을 깔고, 종이나 캔버스를 그 위에 얹고, 여러 가지 농도로 우려낸 찻물과 먹물을 조금씩 그 위에 따른다. 이곳에는 조금 많이, 저쪽에는 조금 적게. 얼룩이 잘 번지도록 손으로 찻물을 밀어보기도 하고, 소나무 껍질 등을 올려서 얼룩을 만들기도 한다. 그윽한 차 향기 속에서 물이 마르기를 기다리고, 또 다시 찻물을 붓고 말리기를 반복한다. 근간에는 차나 커피, 먹과 같은 재료를 넘어서 전통 염료로 쓰이는 다양한 약재를 다려 종이에 색을 낸다. 삼합지를 찜통에 넣어 찌기를 수 차례. 종이는 더 이상 종이 같지 않고, 오래된 가죽처럼 질기고 묵직하다. 옆에선 여러 가지 좋은 향이 나지만 가만히 지켜보기엔 참으로 지루하다. 작업실 밖에서는 실험적인 현대미술이라는 명목 하에 온갖 종류의 작품이 쏟아져 나오는데 이곳에서 완성된 그림을 만나려면 많은 시간과 인내가 필요하다.
서윤희_Memory Gap 108_혼합재료_147×210cm_2007 송은문화재단소장
서윤희_Memory Gap 108_부분확대
서윤희_Memory Gap 108_부분확대
서윤희 작품에서 흔히 이야기 되는 부분은 비어있는 공간이다. 전통 수묵화의 맥을 이어 비어있으되, 실제로 비어있지 않은 여백의 공간. 관람자의 상상력이 투시되는 가장 중요한 공간이다. 하지만 서윤희의 작품에서 비어있는 공간을 단순히 비어있다고 단정할 수 없는 이유는 이미지의 개입 이전의 이 공간이야말로 서윤희 작업의 몸체이자 기원이기에 비어있기 보다 먼저 채워진 화면이 되기 때문이다. 종이가 수분을 머금고, 그 수분이 공기 중으로 증발하는 자연의 순환 과정과 그것을 의도적으로 통제하려는 작가와의 팽팽한 밀고 당김 속에서 서윤희는 어느 정도 색과 얼룩을 통제하는 방법을 찾아왔고, 따라서 이 공간은 작가의 치밀한 구성과 통제가 개입된 하나의 추상적인 공간으로 완성되는 것이다. 다소 우연성이 개입되어 있음을 부정할 수 없지만, 얼룩 하나하나는 추상적 공간 속에서 의미를 부여 받고, 구성의 한 부분으로서 역할을 시작한다. ● 이 추상적 공간은 바로 서윤희 작업을 관통하는 기억의 간격을 드러낸다. 찻물을 우리고, 종이를 염색하는 기나긴 반복 과정 속에서 끝없이 뱉어낸 지난 수많은 이야기들이 차곡차곡 쌓여있기에 이 공간은 결코 비어있지 않다. 너무나 할 이야기가 많아서, 말로도, 글로도, 그림으로도 다 할 수 없기에 계속 쌓기만 한 이 무거운 공간 속에는 지나간 시간이 그대로 응축되어 있는 것이다. 낡아서 헤질듯하지만, 더 질기고 거칠어진 종이는 그 어느 때보다 육중한 기억의 무게를 담기에 넉넉해 보인다.
서윤희_Memory Gap 0180_혼합재료_147×210cm_2007
서윤희_Memory Gap 0728_혼합재료_100×140cm_2007
기억의 공간이 완성되고 나면 기억의 조각들이 화면에 등장하기 시작한다. 손톱크기 보다도 작은 수많은 사람들의 모습은 작가의 기억 속에서 파편적으로 떠오르는 이미지 조각들로서, 작가는 흐트러진 퍼즐을 맞추듯이 하나씩 하나씩 화면에 놓아 본다. 작업실 한 벽을 가득채운 여행 사진 속에서 튀어나온 수 많은 사람들은 이곳 저곳에 화면 위에 놓이지만 그들 사이에는 어떤 공감대도 보이지 않는다. 그리고 그 곳에 작가는 없다. 작가인 나는 기억의 주체이며, 화면 속의 세상을 창조하는 중심임에도 불구하고, 그 안에 있지 못하고 멀리서 그들을 바라본다. 개인적인 것임에도 불구하고 자신은 한발 짝 떨어져 존재하는 소극적인 기억이다. 그래서 서윤희의 작업은 가까이서 보아도 멀리 보는 듯하다. 세밀한 묘사인데도 불구하고, 작품 속에 등장하는 사람들이 등을 돌리고 있거나 고개를 숙이고 제각기 일에 몰두하는 모습, 더욱이 표정을 숨긴 그들의 모습이 결코 우연만은 아닌 듯하다. ● 그러던 서윤희의 근작에서 처음으로 작가의 모습이 당당히 등장하였다. 어린 딸의 손을 잡고 어둠 속으로 걸어가는 그녀의 뒷모습에서 그 어둠이 끝나면 별이 총총한 밤하늘이 등장하는 상상을 하게 된다. 어둠 속을 헤치고 나가면, 검은 구름이 걷히고 나면, 밝은 별이 나타날 그 공간은 비어있는 공간이 아니라, 웃음과 눈물과 그리움이 첩첩이 쌓인 가슴속 풍경이다. 작가는 이제 자신의 이야기를 할 준비가 된 듯하다. 보일 듯 말 듯 작았던 많은 이야기들을 뒤로 하고 이제 자신감을 가지고 스스로를 드러낸 서윤희 작업의 앞으로의 행보가 더욱 궁금해진다. ● 작업실을 떠난 서윤희의 작품에서 더 이상 차향은 나지 않는다. 찻물과 약재의 짙은 향을 한껏 머금었던 그 그림은 이제 따스하고 아련한 기억을 품고 새로운 삶을 살게 될 것이다. 세상이 변하고 날씨가 변해서, 그래서 가끔 적응해가는 것이 수고롭다 해도, 변하지 않는 것이 있음을 안다. 내가 지내온 시간과 그 속의 수많은 기억들. 그것을 서윤희의 작품에서 본다. ■ 김정연
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mirror of humankind
윤호식 사진展
2007_1109 ▶ 2007_1122
윤호식_woman1_젤라틴 실버프린트_160×122cm_2007
초대일시_2007_1109_금요일_05:00pm
스페이스 바바
서울 강남구 신사동 514-1 5층(포토피아 5층)
Tel. 02_3442_0096
윤호식의 사진에 대하여 ● 사실, 인간이 사진을 다룬다는 것은 새로운 언어/의식의 영역에 몸을 담그는 일(일 것)이다. 너무도 일찍 자신과의 갈등으로부터 해방된 다이안 아버스가 갈망했던 것처럼, 사진가라면 누구나 자신이 “사진으로 보여주어야만 누구든 볼 수 있는 그런 순간의 생산/포착에 지극한 관심”이 있게 마련이다. 이 지루하고 불편한 세상에서 사진가는 그런 현실의 틈을 비집고 휘돌며 새롭게 자신의 의식/영역을 구축하려 애쓰고자 한다. 설혹 그것이 있는 현실의 찰라(Henri Cartier-Bresson)던지, 혹은 애써 마련한 계획된 순간(Gregory Crewdson)이던지 말이다. 그 새로운 장면의 외현은 그래서 사진가가 가지고 있는 의식의 총체적 집적이기도 하고, 또 가고자 꿈꾸는 이상향이기도 하다. '현실'과 '비현실' 혹은 '여기'와 '상상'과의 수평적 교배는 그래서 사진이 가지는 특권이자 동시에 가능성이기도 하다. 물론 여타의 다른 예술의 형식이 그러한 가능성에 못 미치고 오직 사진만이 가능하다는 것은 아니다. 허구의 영역을 개연의 영역으로 회귀시키는 문학에 있어서나, 혹은 훨씬 더 작의(作意)/자의(自意)의 가능성이 큰 회화의 영역이 사진보다 상상의 외현이 자유로운 것이 사실이다. 뿐만 아니라 사실과 현실을 압축하는 추상(ab-structure)의 가능성이 월등히 뛰어난 것도 인정할 수 있다. 그러나 그러한 장르의 작업들은 그것이 글이든 그림이든 어쩔 수없이 바로 그 추상의 영역에서 사실의 영역으로 회귀하게 되는 방식을 따르게 된다. 그러니까 아무리 사실적인 묘사의 글이나 그림이라 하더라도 그것은 역시 사실에 근거한 '유사 사실'이라는 것을 전제하게 된다는 말이다. 그러나 사진은 바로 그 방식의 역으로부터 시작한다. 아무리 작고 보잘것없이 만들어진 사진이라 하더라도, 그것을 바라보는 시선의 의식 속에는 그것이 전혀 ‘사실’이라는 혹은 ‘사실 일 것’이라는 전제로부터 바라봄을 시작한다. 최근 들어 디지털 이미지가 양산되면서 이 사진의 특질이 다소 훼손되고 있기는 하지만 그러나 여전히 사진이라면(디지털 이미지가 아니라)우리는 그것을 사실의 반석 위에서 인식하게 됨은 틀림이 없다. 이것이 사진인 것이다.
윤호식_child1_젤라틴 실버프린트_59.5cm×48.5cm_2007
윤호식_child5_젤라틴 실버프린트_85cm×110cm_2007
윤호식의 사진은 바로 이 지점에서 출발한다. 아직 세상의 경험이 일천한 듯 보이기는 하지만, 그가 짧게 연작해 놓은 이번 작업들은 매우 상호 충돌적이다. 사실로써의 배경과 그 배경 안에서 노니는 모델들의 관계는 전혀 이질적이다. 상호 아무런 관련이 없는 듯 보이는 이 두 개의 시점은 그러나 그 충돌의 지점에서 상상을 허락한다. 상상은 물론 개별적이다. 누가 보고 어떠한 상상을 하던 사진은 결정하지 않고 허락할 뿐이다. 그 시점의 충돌이 번역해 주는 결정은 없다. 때문에 그의 사진은 어쩜 한가롭게 느껴질 수도 있다. 아무런 시각 번안의 구속이 없는 사진은 때로 허무할 때가 있으니 말이다. ‘좀 더’ 치열하게 사는 사람들에게는 그 허무가 ‘좀 더’ 크게 느껴질 수도 있다. 하지만 이러한 것들이 어쩜 윤호식의 계산일 수도 있겠다. 세상에 맞서서 자신의 고함을 종결할 수 없는 경우 다른 방법이 없지 않은가. 세상이 맞고 내가 틀리던 또는 반대로 내가 맞고 세상이 틀리던 그 확인의 여유도 없이 세상은 ‘나/내 고함 소리’를 묻어버린다. 그 황당한 세상의 새로운 자본주의를 향한 ‘진화과정’ 앞에서 사진가가 취할 수 있는 경우의 수는 그리 많아 보이지 않는다. 하여, 무심하게, 무작위한 듯 가장하여 세상을 희롱/제시해 보는 것이 최선의 공격일 수도 있지 않는가 말이다. 그렇게 보인다. 그렇기에 윤호식의 사진은 황당하면서도 동시에 그럴듯한 개연을 포함하고 있다. 나아가 그의 사진에 등장하는 몇몇 인물들의 지극한 통속적 분위기는 지금의 시대를 살며 답답해하는 다른 동시대인들의 ‘심리적 초상’일런지도 모른다.
윤호식_woman3_젤라틴 실버프린트_160cm×122cm_2007
윤호식_woman4_젤라틴 실버프린트_110cm×85cm_2007
한 가지가 더 있다. 이번 윤호식의 작업은 흑백이다. 이 너무도 아무렇지 않는 장치가 지금은 세월의 변환 때문에 매우 놀랍게 다가온다. 그러니까 윤호식의 사진은 흑백이면서 동시에 아날로그이며, 섬유질 인화지에 매우 정교한 솜씨로 프린트 되어있다. 지금 나는 포트폴리오 형식인 8x10인치 크기의 사진을 보고 있지만, 정작 전시 때는 1m가 넘는 롤지 형태로 인화를 할 계획이란다. 이는 두 가지를 다 시사하는데 하나는, 시대의 흐름에 역행하는 듯 한 도발의 의미다. 최근 들어 더욱 사용의 폭이 좁아지면서도 또 다른 한편으로는 조심스레 되살아나는 것이 흑백사진이다. 즉 아날로그로의 회귀다. 이는 이십 여 년을 풍미한 디지털 이미지에 인간의 시선이 지친 이유이기도 하고, 스타일의 복귀이기도 할 것이다. 그리고 다른 하나는 작가 자신을 드러내고자 하는 자기 반영적 의미이다. 디지털로 작업을 할 경우 여지없이 그 최종의 프린트는 내 손을 떠나기 일쑤다. 장치의 경제적 크기로 인한 이유이기도 하고, 또 그 사용이 일반 사진가들이 정밀하게 다루기 힘든 때문이기도 하다. 물론 과거에도 타인에게 프린트를 대행시킨 경험이 있기는 하지만 지금처럼 전적으로 의존하는 것은 아니었다. 최근 들어 디지털 출력은 케미컬 방식에서 잉크젯 방식으로 이동하고 있다. 여전히 싼 값의 프린트야 케미컬 방식에 의존해야겠지만, 높은 질을 요구하는 예술품에서는 보존력이 뛰어난 잉크젯을 선호한다. 때문에 그 기계의 이동이 수월해지기는 했지만 여전히 개개의 사진가가 보유하면서 사용하기에는 역부족이다. 하여, 촬영은 비록 아날로그로 하더라도 최종 프린트는 디지털 출력 전문가에게 의지하는 경우가 대부분이다. 헌데 지금 윤호식은 그 간편한 방식을 물리치고 스스로 암실에서 어렵사리 작업을 진행하고 있는 것이다. 이 두 가지 의미를 담지한 흑백작업과 앞서 이야기한 무덤하게 제시하고 있는 대상의 상호충돌은 그래서 닮은꼴이다. 양쪽이 다 너무도 현실/실천적이다. 현실/실천이 담보되지 않으면 이룰 수 없는 작업이다. 사진의 본질처럼 말이다.
윤호식은 아마도 태생적으로 저항적인 태도를 지니고 있는지도 모른다. 다른 사람들이 걸어가는 길을 애써 외면하거나 거절하면서 고집스런 자신의 양식을 고집하는 듯 보이기도 한다. 이러한 태도가 이번 작업을 가능하게 했을 것이며, 이를 통해서 더 깊은 작업의 도정에 몸을 담글지도 모르겠다. 예전에 ‘우리’가 그랬듯이. 희망해 본다. ■ 정주하
윤호식_man2_젤라틴 실버프린트_59.5cm×48.5cm_2007
윤호식_man6_젤라틴 실버프린트_59.5cm×48.5cm_2007
종종 나는 나의 말투, 표정, 행동들을 되새겨본다.
아무도 없는 공간에서, 때론 거울앞에 서서.
스스로에게 묻는다.
애써 연기 아닌 연기를 왜 하고 있느냐고.
거울에 반영된 현실공간의 내 모습과 거울 속에 생성된
가상의 나로 부터, 내면과 외면의 충돌을 느끼고는 한다.
하지만 이제는 느낄 수 없이 익숙해졌다.
거울 없이도 태연히 나의 모습을 그려 볼 수 있으니까. ■ 윤호식
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경계 없는 지평_Borderless Horizon
미술원 개원 10주년 기념展
2007_1109 ▶ 2007_1118
● 위 이미지를 클릭하면 한국예술종합학교
홈페이지로 갑니다.
초대일시_2007_1109_금요일_04:00pm동문의
밤_2007_1109_금요일_06:00pm
한국예술종합학교 석관동 신축교사 갤러리
서울시 성북구 석관동 산1-5
Tel. 02_746_9651
www.knua.ac.kr
1997년 3월
한국예술종합학교의 다섯 번째 원으로 설립된 미술원이 올해로 10주년을 맞게 되었습니다. 전통적 미술교육의 한계를 넘어 새로운 시대의 요구에
부응하는 미술가를 양성하기 위해 설립된 미술원은, 지난 10년 동안 국제적인 수준의 교육시설과 실험적인 교과과정을 통해 개방적이고 진취적인
학풍을 형성해 왔습니다. 이를 기반으로 미술원은 최근 미술계에서 두각을 나타내는 수많은 젊은 미술인을 배출하고 있습니다.
10주년 기념전시회로 마련된 이번 전시회「경계 없는 지평」은 졸업생과
재학생, 교수진과 교직원이 함께 참여하여 미술원의 그간의 성과를 돌이켜보고 미래를 전망하고자 합니다. 석관동 예술학교의 신축교사 갤러리에서
열리는 이 전시는 젊은 작가들의 신선함과 교수님들의 연륜이 배어있는 다양한 작품을 감상할 수 있는 기회가 될 것입니다. 전시회 개막행사에 이어서
오후 6시부터는 미술원 중정에서 졸업동문과 재학생 교수님들이 함께 하는 「미술원 동문의 밤」이 개최됩니다. 깊어가는 가을에 반가운 얼굴들과 함께
할 이 자리에 여러분을 정중히 초대합니다. ■ 한국예술종합학교 미술원 동문 일동
■
문의처_한국예술종합학교 미술원 조형예술과조교실 : 746-9651
전시 총 진행자 : 변재언
017-272-1158
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PLANTATION -coffee&sugar
daRi 개인展
2007_1107 ▶ 2007_1120
daRi_Portrait_coffee &
sugar(eyes)_33×23cm_2007
● 위 이미지를 클릭하면 daRi 홈페이지로
갑니다.
초대일시_2007_1107_수요일_06:00pm행사_Coffee
Talk_2007_1114_수요일_06:00pm
커피와
설탕, 착취의 쾌락에 관한 리포트 ● 예술가란 섬세한 더듬이를 세우고 살아야 하는 존재다. 이는 십 수 년 동안 한길을 걸어온 예술가
다리(daRi)의 세상살이와 자세를 집약하고 있다. 다리는 ‘달’을 음차한 듯한 천년 전 옛 도공 이름 다리(多利)에서 가져왔는데, 스스로
이름을 배윤주에서 다리로 바꾼 건 세상을 달처럼 바라보는 시선을 뜻한다. 이는 미감이자 잠들지 않고 있음을 상징한다. 다리는 물질에서 깨달음을
얻어내고자 하는 조형설치 작업을 거듭해왔다. 초기에는 주로 나무를 다루었는데, 합판이나 버려진 목재와 같은 하찮은 물건들을 주워서 오랜 시간
공력을 들여 갈고 다듬는 과정에서 물질 자체가 건네는 내러티브를 발견해내고자 했다. 이 과정은 작가 스스로 내적 감성을 지향하는 수양과도 같은
작업이었다. 물질과의 대결, 물질과 예술가 주체의 끊임없는 접촉을 통해서 물질성, 시간성, 수행성 등은 조형으로 치환되어 구조화되기 시작했다.
때로 풍경 이미지를 담은 추상적 형태를 통해 가기 행로에 관해 질문을 던지기도 했다. ● 그가 반복되는 일상에 관심을 집중한 것은 바로 달과
연관하고 있다. 이 달은 문명사회의 달이다. 〈월인천강지곡〉은 ‘천 개의 강에 비친 달’이라는 잃어버린 신화의 원형을 찾아 나선 작업이었다.
여성으로 세상을 살아나가는 일, 예술가로 세상과 만나는 일에 대한 진지한 자기고민에서 출발한 것이다. 달에 대한 판타지를 상실한 도시의 삶에
대한 성찰이다. 세상의 이런저런 정보들을 담고 있는 책을 잘라버리는 행위를 통해서 세상에 새겨진 달빛을 찾고 잃어버린 원형을 찾는 행위다.
다리의 작업은 이러한 과정을 거치면서 더 구체적인 내러티브를 구사하는 쪽으로 변모해왔다. 물질이 이야기하도록 하는 방식에서 형상을 통해서
구체적인 이야기를 제시하는 쪽으로 전환한 것이다. 이는 그가 선택한 오브제가 어떤 것이냐 하는 문제와 더불어 그 오브제로 무엇을 만들어 냈느냐
하는 문제와 직결된다. 다리는 이윽고 사람을 만들기 시작했다.
daRi_떠돌이들_coffee & bamboo & Audio(중얼거리는
소리)_공간설치_2007
daRi_350년 동안의 귀로_coffee & sugar(eyes) &
teeth_180×360cm_2007
커피와 설탕에 관한 작업은 이러한 일상에 대한 지속적이고도 구조적인 관심이
낳은 결과물이다. 정확하게는 커피 찌꺼기나 깔때기를 사용하며, 설탕과 미디움을 섞어 새로운 형상을 성형하는 작업이다. 미술작품 제작에 사용하는
물질들 가운데 특정한 목적으로 만들어놓은 기성물질을 가리킬 때 관행적으로 오브제라고 한다. 따라서 오브제를 다룬다는 것은 일차적으로 그 물질적
특성을 조형적 요소로 끌어들인다는 것을 뜻한다. 나아가 물질의 사회적 맥락이나 시간성, 역사성 등을 작품으로 끌어들여 독창적인 내러티브를
획득한다는 것을 의미한다. 따라서 기성물질, 곧 오브제를 사용하는 미술은 물질적 특성과 의미의 맥락 두 가지를 동시에 사용할 때 제 맛을 낼 수
있는 법이다. 도시의 삶을 대변하는 여러 기호 가운데 커피만큼 확연하게 공감각적인 매력을 띄는 것도 드물다. 설탕 또한 커피와 한 묶음으로
따라다닌다. 그는 커피를 마시는 도시인의 일상에서 우아하고 여유 있는 모던 스타일을 발견하고, 이를 담아내기 위해 커피 찌꺼기와 설탕 덩어리를
조형작업 질료로 사용하고 있다. ● 〈〈플랜테이션 : 커피와 설탕〉〉은 문명사회를 떠받치는 보이지 않는 모순구조를 드러내는 작업이다. 17세기
유럽의 제국주의 무역 열풍은 제3세계의 땅과 노동을 착취의 사슬아래 묶어두기 시작했다. 플랜테이션의 역사는 이렇듯 서구가 비서구를 향해 직조한
근대적 점령과 착취의 역사를 대변한다. 그는 자신이 커피와 설탕을 가지고 작업을 풀어낸 이유에 대해 다름과 같이 말한다. “문명사회, 특히
도시에서의 삶은 대부분 생산은 가려지고 소비만을 인식하는 구조이다. 문명사회 도시의 일상인 커피와 설탕에 대한 구조적 질문을 던진다.” 그는
커피의 각성효과에 주목하면서 예술로서 커피의 감성학과 정치경제학을 새로운 시각으로 각성하도록 만든다. 오늘날 도시 공간 곳곳에 생겨나고 있는
다국적기업의 브랜드 커피숍들은 도시의 감성과 스타일을 새롭게 직조해내면서 개인적인 취향의 문제를 넘어서 사회적 공간을 재구성하는 힘으로 작동하고
있다.
daRi_Collector 2_coffee & sugar(eyes) &
bronze tag & Table_120×120×75cm_2007
daRi_깔대기 - 신은 맛있는 기도만 듣는다._coffee & paper
filter_162×112cm_2007
커피와 설탕을 다루는 다리는 이들 물질을 다룸으로써 두 가지를 동시에
얻는다. 하나는 커피찌꺼기라는 물질을 다룸으로써 획득하는 질료의 특성이고, 다른 하나는 커피와 설탕이 조직해내는 의미를 되새기는 일이다. 다리는
커피 원액을 걸러내고 남은 커피 찌꺼기를 가지고 인간의 형상을 떠내고, 대지의 숨결을 담아내며, 근대문명의 배리를 드러내는 작업을 한다. 버려진
커피 찌꺼기에서 문명의 저편에서 기호의 소비를 뒷받침하는 소외된 노동의 실체를 드러내는 작업이다. 그것은 커피의 향기와 노동의 땀 냄새가
교차하는 작업이다. 그는 커피를 소비할 때 그 속에 숨겨진 ‘의도된 망각’을 드러낸다. 하여 다리의 작업은 ‘맛의 사냥과 착취에 대한 조형적
보고서’로 성립한다. 그의 작업은 크게 보아 사람의 얼굴을 떠낸 캐스팅 두상 작업과 회화적 설정을 풀어낸 패널부조작업으로 나뉜다. 이들 커피와
설탕으로 만든 조상들은 다양한 방식의 설치와 더불어 또 다른 미디어를 관통하기도 한다. ● 커피와 설탕 연작 가운데 가장 많은 게 두상작업이다.
주로 아시아와 아프리카 계통의 사람들을 캐스팅해서 원본을 만들고 커피찌꺼기나 설탕으로 떠낸 것이다. 원액을 추출하고 남은 커피찌꺼기를 뭉쳐서
만든 두상 연작은 〈떠돌이들〉은 커피찌꺼기로 캐스팅한 다양한 인종의 얼굴들을 무수히 설치하고 웅성거리는 소리를 넣어 떠도는 영혼들의 중얼거림을
표현하고 있다. 스물네 개의 마스크를 마치 박물관 유물 전시하듯 설치한 〈Collector〉 같은 작업도 있다. 식민지 약탈의 역사를 모은
컬렉션이다. 때로는 책장 형식의 패널 위에 두상을 나란히 쌓아둠으로써 오랜 시간동안 반복된 플랜테이션의 역사를 마치 박물관 수장고에 보관하듯
노예노동의 사슬 아래 스러져간 넋들을 모셔두기도 한다. 이처럼 커피와 설탕을 매개로 플랜테이션을 다루는 다리의 예술적 사유와 성찰은 조소예술가의
수공적인 제작기술과 더불어 인류학자나 무당의 지위에까지 이르고 있다.
daRi_Coffee Torso - 당신이 행복해 질 때까지_paper
filter_94×44cm_2007
확실히 물질은 정신을 견인한다. 다리가 재구성한 커피와 설탕의 물질성은
플랜테이션에 얽힌 무거운 내러티브를 매우 본격적으로 드러낸다. 그는 커피찌꺼기를 이용해 마치 검은 흙과 같은 질감의 패널부조를 여럿 만들었다.
〈350년 동안의 귀로〉는 패널 부조 형식으로 갈라진 대지에 사람 얼굴이 묻어나고 그 위에 서있는 사람과 하늘의 별들을 표현하고 있다.
커피색깔의 단색조 화면에 설탕으로 만든 눈동자가 사람의 얼굴과 하늘의 별들처럼 박혀있다. 350년간 이어진 플랜테이션 노동을 지켜온 대지와
하늘의 별들과 노동자들의 모습니다. 깔때기를 겹쳐서 만든 하체를 제외하고는 동일한 재료의 부조패널인 〈깔때기-신은 맛있는 기도만 듣는다〉는 무릎
꿇고 기도하는 노동자의 모습이다. 쓸모 있는 것과 없는 걸을 걸러내는 깔때기의 물질적 특성을 이용한 작품이다. 커피와 설탕의 흑백 대비를
강조하기도 하고, 커피부조 위에 치아를 박아 넣기도 한다. 검은 흙과 같은 색감과 더불어 갈라지고 터지는 물질의 완급조절에 따라 플랜테이션의
역사를 드러내는 물질의 울림이 묻어난다. ● 부조 마스크 작업은 더욱 더 깊은 감성적 울림을 제시한다. 〈Portrait〉는 커피 찌꺼기의 거친
질감을 이용해서 마치 검은 땅에서 돌출한 듯한 검은 마스크에 백설탕의 하얀 눈동자가 관람자의 시선을 압도한다. 가물어 갈라진 땅과 같이 거친
땅의 느낌 속에서 사람 얼굴의 형상이 드러나고 백설탕 눈동자의 응시가 섬뜩하게 내리꽂히는 대표작이다. 작가는 이 초상을 ‘떠도는 쓸쓸한
분노’라고 말한다. 수백년동안 제국주의 역사를 떠받든 억압과 착취의 그늘 아래서, 여전히 반복되는 플랜테이션의 굴레를 커피와 설탕으로 만들어진
이 분노의 초상은 굳게 다문 입술로 웅변하고 있다. 설탕을 하얀 배경으로 깔고 붉은 커피원두를 이용해 반부조의 마스크를 돌출시킨 〈Red
Portrait〉 연작도 있다. 사용한 커피 깔대기를 여러 겹 겹쳐서 인체를 만든 〈Coffee Torso〉는 인간의 신체에 각인된 커피 소비의
검은 커넥션을 들춰낸다.
daRi_꿈_coffee & sugar_84×44cm_2007
daRi_커피나무사이로_coffee &
sugar_105×55cm_2007
다리는 이처럼 입체와 부조 형식으로 제작한 플랜테이션 리포트를 조형설치
작업으로만 활용하지 않는다. 그는 오브제 작업의 이미지를 실생활에 사용하는 실용기물에 결합시키거나 디지털합성 작업으로 확장함으로써 원소스
멀티유즈를 실현하고 있다. 머그컵에 커피 두상을 새겨 넣은 것이 대표적인 예이다. 일상에서 사용하는 머그컵에 노예노동자 모습을 담는 것은
일상적으로 즐기는 커피 한 모금에 여유를 담는 현대인들에게 그 이면에 숨겨진 착취의 구조를 각성하게 하려는 전략이다. 디지털 프린트 작업은 수천
개 두상 이미지를 디지털 합성과정을 거쳐 사람 머리로 가득한 광활한 들판과 같은 이미지를 연출하며, 허공에서 백설탕두상이 커피두상의 무리를
내려다보고 있는 장면을 연출하기도 한다. ● 이처럼 다리의 작업은 두 겹의 충격을 제공한다. 커피덩어리와 설탕덩어리가 만들어내는 조형재료의
시각적 충격과 더불어 커피와 설탕이라는 질료로 만들어진 노동자의 형상을 통해서 플랜테이션이 직조하는 전지구적인 근대사회의 권력관계를 드러내고
있기 때문이다. 이런 맥락에서 다리는 커피와 설탕의 맛을 ‘착취의 쾌락’이라고 부른다. 그는 커피와 설탕을 통해서 획득하는 상징과 기호작용은
근본적으로 제3세계의 노동자를 착취한 결과로 발생하는 잉여의 것이라는 점을 날카롭게 지적한다. 더욱 중요한 것은 근대 자본주의 초기의 일일 뿐만
아니라 지금도 지속되고 있는 문제이며, 우리의 일상 속에 구조적으로 배치된 모순덩어리라는 점을 각성하게 한다는 것이다. 요컨대 다리의 작업은
도시의 껍데기를 욕망하는 개별 주체들에게 작동하는 커피와 설탕의 정치경제학을 관통하고 있다. 그것도 매우 깊숙하게 폐부를 찌르면서 은밀하고도
치명적으로 말이다. ■ 김준기
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