도시_빛의 해석
김성호_이민혁_한슬展 / painting
2008_0111 ▶ 2008_0129 / 일요일 휴관
김성호_새벽-서울_캔버스에 유채_90×90cm_2007
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초대일시_2008_0111_금요일_05:00pm
관람시간 / 10:00am~08:00pm / 일요일 휴관
프라이어스 아트 갤러리
서울 강남구 신사동 564-8 가람빌딩 3층
Tel. 02_545_4702
www.priors.co.kr
다르면서도 같은 도시회화 ● “빛”이라는 단어가 연상시키는 개념은 참으로 다양하다. 사전적 의미의 빛은 비교적 파장이 짧은 전자기파라고 정의된다. 일반인에게 있어 빛은 자연이 주는 산물이라 인식된다. “빛은 무엇인가”라는 물음은 이론적 정의를 넘어 빛의 개념을 소화하여 알고 있는지를 묻는 물음으로 한번에 대답하기가 쉽지 않다. 하물며 빛을 그리는 화가들에게 있어서 그 질문은 우문일 수 밖에 없다. 예술가가 느끼는 빛은 수만 가지의 다채로운 해석이기에 개념을 규정지을 수 없기 때문이다. 또한 빛의 정의만큼 중요한 것은 바로 빛에 의한 감성이다. 찰나의 느낌을 표현하기 위해 어떠한 방식의 터치나 기법을 통해 사물의 본질을 방해하지 않으며 빛에 의한 고유한 감성을 잘 전달할 수 있을까? 빛을 표현하는 이들의 고민은 단지 기법에 의한 것, 최적의 요소들이 모인 표현에 불과한 것이 아니라 최상의 감정들이 모인 하나의 완결이라는 것을 보여준다. 그렇다면 이렇게 표현되어진 회화는 관람객, 특히 예술가들에게 어떻게 다가갈까? ● 이번 전시 『도시_빛의 해석』展은 ‘도시’를 바탕으로 ‘빛’을 자신들의 조형적 언어로 표현하고 있는 3명의 작가(김성호, 이민혁, 한슬)들의 작품세계를 보여 주는 것이다. 그들은 각기 다른 시기를 지나왔기에 일정 정도 해석에 있어서 차이점을 보인다. 그러나 하나로 귀결되는 “도시의 빛” 인 그들의 회화는 자신들의 조형언어와 맞물려 같은 지점으로 향하고 있다.
김성호_새벽-한강_캔버스에 유채_70×150cm_2007
김성호의 작품은 휘황한 대도시의 야경이나 바다, 한강, 또는 새벽 길을 달리는 버스, 가로등 등 우리가 살고 있는 이 도시 어디에선가 보았을 법한 일상의 풍경이다. 밤과 새벽이라는 시간을 통해 들여다 본 도시의 일상은 색다를 것 없지만, 작가만의 감성을 거치면서 특별한 풍경이 된다. 이렇듯 빛으로 조율하는 밤 풍경을 주로 그린다. 어스름한 새벽과 밤의 풍경은 작가의 주된 소재지만 그 속에서 표현하고자 하는 중심과 주제는 언제나 빛이라고 말한다. 작품의 배경이 새벽이나 밤이기 때문에 자연광보다는 인공광이 중심이 되는데, 자연과 인공의 빛이 어우러져 나오는 다양한 느낌이 무척 인상적이다. 무한한 빛의 느낌이 작업에서도 다양하게 나타나, 이러한 빛을 통해 작품의 소재들에게 끊임없는 이야깃거리와 다양한 느낌을 표현해 낸다.
이민혁_눈내리는 을지로2가_캔버스에 아크릴채색_40.7×53cm_2007
이민혁_노량진 수산물시장_캔버스에 아크릴채색_73.2×90.8cm_2007
이민혁의 작품에는 정지된 이미지와 흐름의 이미지가 공존하고 있다. 거침없는 붓질과 두터운 마티에르의 작업방식을 통해 빠르고 바쁘게 흘러가는 도시의 속도감과 그 속에서 느껴지는 다양한 심리들을 작가 특유의 거칠고 그로테스크한 화법으로 풀어낸다. “도시”라는 하나의 주제로 관공서, 익명의 도시사람들, 한강 등 다양한 삶의 표정을 그리며 작품 활동을 연재해가고 있다. 그 때문인지 그의 전시작품을 보면 실제로 단절된 느낌 보다는 공간과 시간의 연속성이 느껴지는 것을 알 수 있다.
한슬_show window Ⅱ-구두_캔버스에 아크릴채색_70×120cm_2007
한슬_show window Ⅱ-와인_캔버스에 아크릴채색_70×120cm_2007
한슬은 주변사물을 돌아보는 데서 빛을 해석하고 있다. 이러한 주변 사물에 대한 관심은 그 사물이 놓인 자리, 환경, 흔적까지 확대되었고, 쇼윈도로 눈을 돌리게 되는 계기를 만들었다. 이렇게 작가는 우리와 함께 공존하고 있는 것들에 대한 흔적을 캔버스 위에 남긴다. 기본적으로 표현방식은 테이프를 붙이고 물감을 얹고 또 뜯어내는 과정을 반복하면서 겹쳐진 흔적으로 최종적으로는 단순한 색 면으로 짜여 있다. 촘촘히 쪼개진 면들로 이루어진 사물의 이미지인 것이다. 이렇게 표현된 표면은 항상 외부의 개입으로 우연한 효과를 발생시킨다. 붓의 힘 조절로 인해 화면에 텍스츄어가 생기거나 의도한 스케치에 의해 정확한 형태의 경계를 따르는 것이 아니라 경계가 생겨지는 테이핑의 메커니즘은 우연한 뜯김이나 물감의 스며듦으로 인해 우연효과가 생기는 외부의 개입을 만들어낸다. ● 섬세한 묘사처럼 보이는 그림들은 가까이 다가가 볼 수록 거칠고 대담한 선이 된다. 마스킹 테이프를 이용하여 구성한 색면을 통해 사물의 형상을 만들어 낸 후 자연광 또는 인공광을 이용하여 또한 강렬한 색감과 선명한 빛의 대비 역시 보는 이로 하여금 깊은 인상을 남기게 한다. ■ 프라이어스 아트 갤러리
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대화의 방식∥_The Way of Dialogs∥
오용석_이진화_장아로미
2008_0116 ▶ 2008_0202
오용석_The 1st day_캔버스에 유채_89×145cm_2007
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초대일시_2008_0116_수요일_06:00pm관람시간_월~토요일
09:00am~07:00pm / 일요일 휴관
정소영갤러리
서울특별시 강남구 청담동9-3 문영빌딩 B1
Tel. 02_3446_6480
www.chungsoyoung.com
『대화의
방식Ⅱ_The way of dialogsⅡ』에서는 지난 Ⅰ부에서 박종필, 황지윤 등의 작업을 소개한 데 이어 오용석(회화), 이진화(사진),
장아로미(사진) 등 세 명의 작가들이 새롭게 소개된다. 이번 전시에서 초점을 맞추고자 하는 것은 시각예술 안에서 이뤄지는 대화의 형태가 동시대적
차원에서 어떻게 형성되고 또 전개되는가 라는 물음을 던지는 일이다. 이는 변화하는 시대적 환경 하에서 형성되고 있는 새로운 감수성을 확인하는
일이기도 하다. 그들의 관점과 이야기에 귀를 기울임으로써 이른바 새로운 감수성을 보다 의미 있는 논의의 장으로 끌어들이고자 하는 것이다.
오용석_Arrival_캔버스에
유채_89×145cm_2007
오용석 ● 오용석은 현재에서 멀리 벗어나 있는 시간과 공간상의 특정
사건이나 인물에 주목한다. 이들은 대체로 미디어를 통해 알려지고 소비되어 온 사건 혹은 대상들이다. 그는 회화적 언어를 도구 삼아 포르노 배우의
실제 삶을 고민하거나, 과거의 연쇄살인사건을 추적하고 재구성한다. 이번 전시에서 그는 연쇄살인 사건의 한 피해자인 ‘엘리자베스 쇼츠’를 중심으로
알려지지 않은 사건의 이면과 더불어 가해자의 욕망을 추적한다. 이런 이유로 얼핏 서정적인 풍경으로 비춰지는 그림들에는 죽음과 욕망의 흔적이
강하게 담겨 있다. 작가는 마치 호기심 많은 아이처럼 그 안의 모든 상황과 대상들에 질문을 던지고, 또 이를 존재론적 물음으로까지 넓혀간다.
이진화_나무가 자란다_디지털
프린트_67.5×45cm_2007
이진화 ● 이진화는 인도를 여행하면서 후미진 골목, 집들의 닫힌
대문, 빈 화장실 등의 공간을 사진에 담는다. 이와 더불어 작가는 이 사진들 위에 수채로 드로잉을 남긴다. 사람이 등장하지 않는 일련의 공간들은
허름한 시간의 더께가 무겁게 앉아 있다. 그는 이러한 공간에 드로잉을 남김으로써 자신의 내적 정서를 이끌어내거나 반영한다.
이진화_나무가 자란다_디지털
프린트_67.5×45cm_2007
이진화_나무가 자란다_디지털
프린트_67.5×45cm_2007
그렇지만 사실 작가로부터 빚어진 나무들은 흔히 연상할 수 있는 생명, 희망,
따뜻함 등과는 거리가 멀다. 오히려 무겁고 쓸쓸하다. 아마도 이는 어쩌면 외부의 것이 아니라 누구나 가슴 한 자리에 움켜쥐고 있는 상념의 방이며
내면의 풍경이다.
장아로미_디지털 프린트_plastic tuning
#06_80×154.3_2008
장아로미 ● 장아로미는 브라이스 인형(Blythe)을 바탕으로 자신의
신체를 성형하고 버섯 등으로 이루어진 피안적 가상의 공간을 구축한다. 이는 변형된 유아적 소망과 꿈의 표상이다. 그렇지만 정작 그러한 시도들을
통해 작가가 만나는 것은 꿈에도 그리던 이상향이 아니라 오히려 기괴하게 왜곡되고 일그러진 자아다. 그것은 곧 상실과 소외의 경험을 키워감으로써
마치 성장통을 겪고 있는 어른아이와도 같은 작가 자신의 슬픈 자화상이기도 하다.
장아로미_디지털 프린트_plastic tuning
#07_72×194_2008
그런 점에서 장아로미의 사진작업은 곧 자신의 정체성을 찾아가는 하나의 성장기적
여정이다. 나아가 이는 작가의 주관적인 경험을 넘어 동시대를 살아가고 있는 현대인들의 모습이기도 하다.
장아로미_디지털 프린트_plastic tuning
#08_95×100_2008
위의 세 작가들의 작업들을 관통하는 어떤 구체적인 요소를 찾는 것은 쉽지 않다. 또한
그것이 이 전시의 궁극적 목적이 아님은 당연하다. 다만 여기서 우리가 확인할 수 있는 것은 분명 이들이 기존의 형식이나 사유의 방식 안에서
움직이고 있지만 각각이 속한 시간과 공간 속에서 나름의 이야기를 만들어 나가고 있다는 점이다. 어쩌면 아직 그것은 자아의 정체성과 작업의
방향성을 타진하는 차원에 머물고 있는 것일 수도 있다. 그렇지만 중요한 것은 그들이 보여주고 있는 자기고민과 예술적 여정이다. 아마도 그 같은
대화의 방식에 동참함으로써 변화를 겪고 있는 우리 내면의 풍경을 대면할 수 있는 또 다른 단초가 될 수 있기 때문이다. ■ 윤두현
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CHILDHOOD
조덕환展 / JODUCKHWAN / 曺德煥 / painting
2008_0115 ▶ 2008_0211
조덕환_꽃게와 아이_캔버스에 유채_130.3×162.2cm_2007
별도의 초대일시가 없습니다.
관람시간_11:00am~06:00pm / 일요일 휴관
아소 갤러리 컨템포러리
서울 강남구 신사동 541-15 다모빌딩(스쿨푸드 건물) 지하 1층
Tel. 02_558_6430
나는 아이와 자연과의 조우를 통해 우리 자신을 투영할 수 있는 거울로서의 작업의 의미를 찾는다.
조덕환_소녀와 돌고래 가족_캔버스에 유채_ 116.8×91cm_2007
조덕환_돌고래그림과 아이_캔버스에 유채_ 72.7×91cm_2007
어느 햇살 좋은 날 놀이터 벤치에 앉아있을 때 주위에는 아이들이 뛰어 놀고 있었고 여느 때와 같은 평범한 놀이터 풍경이었다. 갑자기 시간이 멈춘 듯 아이들의 동작하나 하나가 마치 슬로우 모션과 같이 느껴졌고 동작과 동작 사이는 점과 점을 잇는 드로잉과 같은 느낌이었다. 후에 러시아 형식주의 학자 쉬클로브스키가 말한 ‘낯설게하기’와 비슷한 경험이라는 생각이 들었다.
조덕환_회전놀이기구를 타는 아이_캔버스에 유채_130×162.2cm_2007
조덕환_엄마를 기다리는 아이_캔버스에 유채_116.8×91cm_2007
자연과 아이들은 신이 주신 선물이다. 인간이 창조할 수 없는 것들, 그러므로 위대하다. 자연과 아이들의 만남은 기적과 같다. 아이와 물고기 사이에는 분명 유리벽이 있지만 회화에서는 블루라는 공간에서 하나가 된다. ■ 조덕환
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